Hay películas que no necesitan reinventar el género para funcionar. Código: Venganza es justamente una de ellas: una cinta de acción que sabe perfectamente qué quiere ofrecer y apuesta todas sus cartas por Jason Statham, golpes contundentes, persecuciones y una historia de venganza bastante directa.

La película sigue a un antiguo miembro de operaciones especiales que ahora intenta llevar una vida tranquila trabajando como guardaespaldas. Sin embargo, esa aparente calma desaparece cuando matan a su jefe y lo tratan de incriminar.  Lo que comienza como una investigacion personal para limpiar su nombre, rápidamente se convierte en una batalla por la supervivencia y un rescate inesperado.

Y aquí es donde la película juega su carta más segura: Jason Statham. El actor prácticamente no necesita presentación dentro del cine de acción y, aunque su personaje comparte muchas características con otros papeles que ha interpretado anteriormente, sigue teniendo esa presencia que hace que resulte entretenido verlo enfrentarse a un grupo de enemigos.

Uno de los puntos más evidentes de Código: Venganza es que la historia no busca complicarse demasiado. Tenemos secuestro, crimen organizado, personajes con intereses ocultos y un protagonista dispuesto a atravesar prácticamente cualquier obstáculo para encontrar a la persona que busca culparlo.

Puede que esto no sea precisamente algo novedoso, pero tampoco parece ser la intención de la película. La cinta entiende que su mayor atractivo está en la acción, por lo que la trama funciona principalmente como el vehículo necesario para llevar a Statham de una pelea a otra.

Esto puede jugar a favor o en contra dependiendo de lo que busque el espectador. Si se espera una historia llena de giros y personajes profundamente desarrollados, probablemente habrá cierta decepción. Pero si lo que se quiere es una película de acción para desconectarse durante un par de horas, cumple bastante bien con su propósito.

Sin embargo, esto no necesariamente es algo negativo. Statham tiene una personalidad cinematográfica muy marcada y sabe aprovecharla. Sus escenas de pelea siguen siendo uno de los principales atractivos de la película, especialmente cuando el personaje deja de intentar resolver las cosas por las buenas.

Donde Código: Venganza realmente encuentra su identidad es en sus secuencias de acción.

Las peleas tienen una sensación más física que espectacular. No todo depende de explosiones gigantescas o efectos digitales; buena parte del entretenimiento está en ver a Statham enfrentarse cuerpo a cuerpo contra sus enemigos.

Eso sí, la película tampoco intenta reinventar las coreografías del género. Hay momentos que recuerdan inevitablemente a otras producciones protagonizadas por el actor y a películas recientes de acción donde el protagonista parece prácticamente invencible.

Pero cuando las escenas funcionan, funcionan precisamente porque son directas, violentas y contundentes.

Tampoco todos los personajes secundarios tienen el mismo peso. Algunos parecen estar ahí simplemente para hacer avanzar la historia, mientras que ciertos elementos de la trama podrían haberse desarrollado un poco más.

Y aunque esto no arruina la experiencia, sí provoca que la película se sienta más como una producción diseñada alrededor de Jason Statham que como una historia que realmente necesite contar algo nuevo.

Código: Venganza no pretende ser la película de acción que cambie las reglas del género, y probablemente sea mejor así. Su objetivo es mucho más sencillo: ofrecer una dosis de acción, peleas y Jason Statham repartiendo golpes.

En pocas palabras, si eres fan de Jason Statham, probablemente encontrarás aquí exactamente lo que esperas. Si buscas algo más profundo o innovador, quizá esta no sea la opción indicada.

Calificación: 8.5/10

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Por fin llega a los cines Coyote vs. Acme, la película que Acme no quiere que veas. ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña.

¿Realmente valió la pena rescatarla?

Hay películas que llegan a los cines sin demasiados problemas y hay otras que parecen tener la misma mala suerte que su protagonista. Coyote vs. Acme pertenece definitivamente al segundo grupo.

La película de Warner Bros., protagonizada por Wile E. Coyote, estuvo prácticamente condenada a no ser estrenada después de que el estudio decidiera archivarla cuando ya estaba terminada. Después de varios años de incertidumbre, finalmente encontró una salida y llegó al público. Y resulta bastante curioso que una película sobre un personaje que pasa toda su vida intentando levantarse después de fracasar termine teniendo una historia detrás de cámaras bastante parecida.

Pero dejando todo eso de lado, viene la pregunta importante: ¿realmente valió la pena rescatarla?

La respuesta corta es sí, aunque tampoco estamos frente a una obra maestra.

La historia que viviremos

Coyote vs. Acme parte de una idea que, siendo honestos, parece tan absurda que resulta perfecta para los Looney Tunes. Después de años de que los productos de ACME terminen provocando sus propias desgracias, Wile E. Coyote decide que ya fue suficiente y lleva a la compañía a los tribunales.

Para conseguirlo termina trabajando con Kevin Avery, interpretado por Will Forte, un abogado que tampoco está pasando precisamente por su mejor momento. Del otro lado tenemos a Buddy Crane, interpretado por John Cena, quien representa a ACME y se convierte en el principal obstáculo para que el Coyote consiga justicia.

Y aunque en papel todo esto podría parecer una simple excusa para juntar personajes animados con actores reales, la película consigue desarrollar una historia que funciona bastante bien por sí misma.

Una de las cosas que más me gustaron es que la película no intenta reinventar a Wile E. Coyote. Sigue siendo ese personaje obsesivo, inteligente y al mismo tiempo terriblemente desafortunado que conocemos desde hace décadas. Planea todo con una precisión impresionante, compra los productos más sofisticados de ACME y, de alguna manera, siempre encuentra la forma de terminar golpeándose contra una pared.

La hora de enfretar al sistema

La diferencia es que esta vez se cansó de perder. Después de tantos años viendo al Coyote fracasar, resulta curioso que ahora queramos que gane. Ya no estamos esperando que atrape al Correcaminos; queremos verlo conseguir algo que parece mucho más sencillo: que alguien reconozca que todo lo que le ha ocurrido no es completamente culpa suya.

La película aprovecha bastante bien esa idea y convierte los clásicos accidentes del personaje en parte de su argumento. No son solamente golpes para provocar una carcajada. Son parte de la evidencia. Y después de tantos años, el Coyote probablemente tenga suficiente material para presentar una demanda bastante sólida.

Will Forte termina siendo una pieza fundamental. Su personaje sirve como contraste frente al Coyote. Mientras uno vive en un mundo completamente absurdo, el otro intenta mantener los pies en la tierra y tomarse en serio una situación que, vista desde fuera, resulta completamente ridícula.

La relación entre ambos funciona y, conforme avanza la historia, la película deja de sentirse únicamente como una aventura del Coyote para convertirse también en una historia sobre dos personajes que están intentando reconstruir sus vidas.

Un cumplidor villano

John Cena también cumple bastante bien como antagonista. Su personaje representa el lado corporativo de la historia, pero la película evita convertirlo simplemente en “el malo de turno”, lo que hace que el enfrentamiento tenga un poco más de gracia. Y aunque probablemente Will Forte termina llevándose buena parte de la película, es precisamente la combinación entre los personajes humanos y Wile E. Coyote la que consigue mantenerla entretenida.

Coyote vs. Acme funciona especialmente bien cuando deja de intentar demostrar que es una gran película y simplemente se dedica a ser una película de Looney Tunes.

Las escenas donde Wile E. vuelve a utilizar sus inventos, las situaciones físicas y esos momentos donde sabes perfectamente que algo va a salir mal son probablemente los que más disfrute. También me gustó la manera en que mezclan la animación con la acción real. No se siente como si los personajes animados estuvieran ahí únicamente para generar nostalgia. Forman parte de la historia y el mundo acepta sus reglas, algo que resulta necesario cuando tienes a un Coyote entrando a una sala de juntas o enfrentándose legalmente a una compañía que vende productos diseñados, aparentemente, para destruirlo y sí, hay momentos bastante absurdos. Pero estamos hablando de Wile E. Coyote.

Si empezamos a exigirle lógica a una película donde un personaje puede comprar un cohete ACME para atrapar a un pájaro que corre a velocidades imposibles, probablemente estamos viendo la película equivocada.

Aquí es donde creo que hay que bajar un poco las expectativas. La historia tiene una premisa muy buena, pero tampoco todo lo que ocurre alrededor de ella funciona al mismo nivel, hay momentos donde la película se siente como una comedia familiar bastante convencional y algunas situaciones pueden resultar predecibles. También hay chistes que funcionan mejor que otros y ciertas partes donde se siente que la historia podría haber aprovechado todavía más el concepto de enfrentar al Coyote contra ACME.

La ironía que hace todavía mejor la película

Después de verla, es imposible no pensar en lo que ocurrió fuera de la pantalla.

Warner Bros. decidió archivar la película cuando ya estaba terminada, lo que provocó una fuerte reacción entre quienes habían trabajado en ella y los seguidores de los personajes.

Finalmente, la cinta encontró una nueva oportunidad y consiguió llegar al público.

Y aquí es donde aparece una de esas ironías que parecen escritas por un guionista.

Una película sobre Wile E. Coyote enfrentándose a una corporación casi termina siendo destruida por una corporación. El personaje pasa toda la película intentando demostrar que ACME es responsable de sus desgracias, la película pasó años intentando demostrar que merecía ser vista y al final, ambos consiguieron una segunda oportunidad.

Eso hace que el mensaje de perseverancia de Coyote vs. Acme tenga un sabor diferente. Puede que no haya sido intencional, pero después de conocer su historia resulta imposible no verlo.

Una comedia sencilla, divertida y con bastante corazón. No reinventa a los Looney Tunes, pero tampoco intenta hacerlo. Su mayor triunfo es conseguir que un personaje acostumbrado a perder tenga finalmente una historia donde vale la pena verlo levantarse una vez más.

Calificación: 9/10

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Cuando las magical girls dejaron de ser lo que conocíamos.

Hay franquicias que simplemente cuentan una buena historia y existen otras que terminan convirtiéndose en un punto de referencia para todo un género y Puella Magi Madoka Magica pertenece claramente a la segunda categoría. Desde su estreno televisivo en 2011, la obra creada por el colectivo Magica Quartet se convirtió en una de las propuestas más importantes de la animación japonesa contemporánea, precisamente porque tomó elementos que parecían inseparables del género de las magical girls y los llevó hacia terrenos mucho más oscuros, dramáticos y psicológicos.

Puella Magi Madoka Magica The Movie Part 1: Beginnings retoma esa historia para llevarla nuevamente a la pantalla grande, porque sí, se trata de un reestreno y aún así, se sigue sintiendo tan fresca y revolucionara como hace casi 15 años. Se trata de una recompilación de los primeros episodios del anime para la televisión, con modificaciones en animación, montaje, dirección y algunos segmentos renovados para su presentación cinematográfica, pero conserva toda la narrativa obscura y madura que rompe con los estándares convencionales del género de las magical girls, siendo esto el motivo por el cual al día de hoy es considerada una obra clásica moderna y atemporal que definitivamente todo fan de este género y del anime en general, debe ver o volver a disfrutar en cines.

Una historia que rompió el género de las magical girls y nos da una obra mucho más obscura, madura y aterrizada.

En el segundo año de secundaria, Madoka Kaname lleva una vida tranquila junto a su familia y su mejor amiga, Sayaka Miki. Sin embargo, todo cambia cuando una misteriosa estudiante llamada Homura Akemi llega como nueva alumna a su escuela.

Poco después, Madoka y Sayaka conocen a Kyubey, una extraña criatura que les ofrece cumplir cualquier deseo a cambio de convertirse en chicas mágicas y luchar contra las brujas. Mientras Madoka comienza a descubrir el mundo de las magical girls de la mano de Mami Tomoe, Homura intenta impedir a toda costa que acepte el contrato.

Así comienza una historia que, detrás de su apariencia de una tradicional aventura de chicas mágicas, oculta un destino mucho más oscuro de lo que Madoka podría imaginar.

A primera vista, Madoka Magica podría parecer simplemente otra historia de adolescentes que reciben poderes mágicos para combatir criaturas sobrenaturales, pero basta prestar un poco más de atención para descubrir que prácticamente todo tiene una segunda lectura.

El mayor triunfo de Beginnings es que no necesita abandonar por completo los elementos tradicionales del género para entregarnos algo nuevo y diferente; Madoka, Homura, Mami, Sayaka y Kyoko siguen siendo personajes con diseños reconocibles, transformaciones y poderes espectaculares, sin embargo, detrás de esa estética colorida existe una historia mucho más cruel sobre deseos, sacrificios, pérdidas y consecuencias.

La serie original ya había demostrado que podía utilizar el lenguaje visual de las magical girls para contar algo completamente diferente, y la película aprovecha esa misma contradicción, que claro, no hubiera sido posible sin la dirección de Yukihiro Miyamoto, quien también estuvo a cargo del anime para televisión lo que ayuda a que se sienta como una historia redonda y no solo capítulos pegados; el guion de Gen Urobuchi y la animación del estudio SHAFT, quienes en conjunto le imprimieron una identidad única al darnos mundos y villanos surrealistas que dan ese toque final para enfatizar el peligro que representa ser una magical girl.

Madoka Magica juega constantemente con las expectativas del espectador: aquello que asumimos que puede pasar o que creemos conocemos sobre las magical girls comienza poco a poco a desmoronarse.

Por un lado tenemos personajes adorables, transformaciones llamativas y una estética que inicialmente parece relativamente convencional y por el otro tenemos brujas con diseños surrealistas, escenarios que parecen sacados de una pesadilla y secuencias que rompen deliberadamente con la estética tradicional del anime. La participación de Gekidan Inu Curry en el diseño de los mundos alternativos es particularmente importante, ya que sus creaciones contribuyen a que cada encuentro con una bruja se sienta como entrar en una realidad completamente diferente. Es una decisión visual que sigue funcionando extraordinariamente bien.

Acción, tragedia y una animación que todavía sorprende.

Aunque Beginnings es fundamentalmente una historia dramática, también contiene algunas escenas de acción particularmente memorables; las batallas no están ahí únicamente para ofrecer espectáculo, cada enfrentamiento tiene un peso narrativo y, conforme comprendemos las reglas de este mundo, incluso una pelea aparentemente sencilla puede sentirse mucho más peligrosa.

La animación sigue siendo uno de los grandes puntos fuertes de la película e insisto, no estamos ante una simple recopilación de episodios trasladados directamente a una pantalla de cine, se realizaron modificaciones y actualizaciones para mejorar la experiencia cinematográfica. 

Aun así, hay momentos puntuales en los que se puede percibir que el material procede originalmente de una producción televisiva. No es algo que arruine la experiencia, pero sí existen determinadas escenas donde el nivel de animación o movimiento resulta menos impresionante que en las secuencias más trabajadas.

¿Un final o un cliffhanger?

Y aquí encontramos quizá el principal inconveniente de Beginnings: El cierre funciona perfectamente dentro de la estructura de un anime episódico, donde el espectador sabe que podrá continuar con el siguiente capítulo, pero trasladado a una película, el efecto es diferente ya que el final se siente como si se cortara el “momentum” que la película viene construyendo.

Claro, este cliffhanger es suficientemente impactante como para despertar inmediatamente las ganas de descubrir qué ocurre después, de hecho probablemente esa sea precisamente su mayor virtud, pero sin duda se siente como un corte en el final del segundo acto, pero es entendible puesto que es una adaptación del anime para televisión, cuya historia ya estaba diseñada para desarrollarse progresivamente a lo largo de sus episodios. Por eso, el corte tiene mucho más sentido cuando se entiende como una división cinematográfica de una obra previamente existente que como el final de una película tradicional.

Una banda sonora que define la atmósfera.

Si existe un elemento que consigue unir todas las piezas de Madoka Magica, es la música de Yuki Kajiura: su trabajo consigue transmitir solemnidad, tristeza, tensión y desesperanza, pero sin perder completamente ese sentimiento de fantasía que caracteriza al género.Es una contradicción que funciona extraordinariamente bien y esa dualidad es precisamente la esencia de Madoka Magica.

Conclusión.

Puella Magi Madoka Magica The Movie Part 1: Beginnings demuestra que una obra verdaderamente trascendente puede regresar a la pantalla casi 15 años después y conservar intacta su capacidad para sorprender, emocionar y hasta dejarnos un vacío. Su mayor virtud continúa siendo la manera en que utiliza los elementos clásicos de las magical girls para construir algo completamente diferente: una historia obscura, madura y emocionalmente devastadora. Quizá su único punto débil como experiencia cinematográfica sea precisamente su estructura. El cliffhanger funciona de maravilla dentro del anime, pero en pantalla grande corta abruptamente el momentum que la película había construido y aún así nos deja con unas ganas enormes de descubrir qué sucede después.

Por todo esto, Puella Magi Madoka Magica The Movie Part 1: Beginnings no solo es una oportunidad para que los fans vuelvan a encontrarse con una de las obras más importantes de las magical girls, sino también una excelente puerta de entrada para quienes todavía no han descubierto por qué esta franquicia marcó un antes y un después en el anime. Una película imperdible para los seguidores del género y una prueba de que, cuando una historia está bien construida, el paso del tiempo solo demuestra que se trata de un clásico contemporáneo.

Puella Magi Madoka Magica The Movie Part 1: Beginnings  llega a las salas de cine de Cinépolis este 20 de agosto junto a su segunda parte “Eternal” y con ello Konnichiwa! y Más Que Cine abren el camino para el próximo estreno de Walpugisnacht.

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