Una historia que si bien cuenta increíble animación y una interesante propuesta en su historia, sufre de tropiezos en su guion.

El director, guionista y animador Mamoru Hosoda se ha ganado el reconocimiento como uno de los mejores directores de largometrajes de anime gracias a películas como “La chica que saltaba a través del tiempo”, “Mirai o “Belle”; ahora y gracias a Sony Pictures México, llega a las salas de cines su más reciente propuesta Scarlet, una historia que de busca tener un tono más obscuro e inspirada en la obra de Hamlet, todo con una increíble y ambiciosa animación y una premisa que busca ir más allá de la típica historia de venganza, lamentablemente y aún contando con una gran protagonista, la película no sabe como terminar de desarrollar su historia ¿Vale la pena verla en cine? Por supuesto, pero está lejos de ser esa aventura épica que todos esperábamos y a continuación les cuento el porqué.

El camino de la venganza.

Scarlet es un anime a cargo de Studio Chizu y nos presenta a Scarlet (voz a cargo de Mana Ashida), princesa de Dinamarca a finales del siglo XVI, quien tras el asesinato de su padre a manos de su tío, jura venganza, sin embargo es bien sabido que el camino de la venganza nunca es un camino seguro ni recto, por lo que nuestra princesa terminará en un mundo que se encuentra justo entre la vida y la muerte, sin embargo esto es apenas el inicio de su historia en donde deberá enfrentar sus deseos de venganza y que marcarán su destino final.

Lo bueno.

Indudablemente si hay una razón para ver Scarlet es por su increíble animación, la cual Studio Chizu cuidó de tal manera que pareciera una mezcla entre personajes en 2D con escenarios en 3D, pero en realidad todo es CGI, pero esto es casi imperceptible gracias a la fluidez y expresionismo que tienen cada uno de los personajes.

Y es que estos dos aspectos hacen toda la diferencia y nos enganchan desde los primeros minutos; las expresiones de Scarlet y su semblante dicen mucho sin siquiera tener que mediar diálogo alguno.

Me sorprende lo bien capturado que está esto sobre todo en la primera mitad de la película cuando aún cuando tenemos un personaje “inexpresivo” está diciendo mucho con su mirada y gestos faciales y si a esto le sumamos el gran trabajo que hace Mana Ashida logrando transmitir con su voz los sentimientos de ella, tenemos un gran personaje que lamentablemente su desarrollo no estuvo tan bien cuidado como su creación, pero de eso hablaré más adelante.

En realidad todos los personajes tienen una gran expresividad, pero con Scarlet se notan más y eso es suficiente para enamorarse de su protagonista, de igual manera como era de esperarse la película cuenta con intensas escenas de acción, las cuales se encuentran muy bien dirigidas y con una fluidez que nos hacen sentir la tensión en cada una de ellas; ya no se digan los escenarios que tienen un diseño hiperrealista que lejos de contrastar con el diseño de personajes, son cohesivos con ellos y con la propia historia y eso es también gracias a la dirección de arte con la que cuenta y la paleta de colores utilizada, destacando los efectos en las transparencias o efectos traslúcidos para el agua, la luz,la combinación de ambos.

Todo esto viene acompañado de un bello soundtrack con temas musicales con letra que acompañan el propio desarrollo de Scarlet durante esta aventura, la cual cuenta con una premisa muy interesante; sí, es una aventura de venganza pero al menos no sigue el típico camino que se nos ha planteado, sino que aborda un tema más introspectivo respecto al deseo de la vendetta y el dejar consumirse por ella ¿vale la pena? ¿es la vida de a quien está vengando lo que hubiera querido para ella? ¿al final qué satisfacción deja, sobre todo si ya ambos están muertos? (no es spoiler, se dice en los primeros minutos), son algunas de las preguntas que se plantean, lamentablemente el cómo se ejecuta es el pequeño gran problema con Scarlet.

Lo malo.

Scarlet ofrece una premisa interesante que el propio Mamoru Hosoda (quien también escribió el guion) no supo desarrollar y es que su primera mitad es muy interesante y enganchante, la propia Scarlet se vuelve un personaje interesante llena de contrastes como lo sería una joven princesa entrenada con el único deseo de lograr una venganza autoimpuesta y cuya penitencia es saber que falló, pero su motor es el tener una segunda oportunidad para lograrlo, es decir que de inicio tenemos una protagonista muy bien construida, pero que a mitad de la película se va cayendo y no por querer desear una vida ajena a la venganza como en su niñez, sino por el cómo se ejecuta.

Y es que sí, como en toda buena historia de venganza hay un punto donde la protagonista debe decidir qué camino tomar, el de la redención o el de dejarse consumir por la ira y aquí no es distinto, sin embargo la manera en la que se maneja en ese punto se siente apresurado y poco orgánico, y esto es en gran medida a la introducción de un personaje secundario que lejos de ser ese soporte o equilibrio en la moralidad de la protagonista, se siente como la salida fácil (y forzada)para llegar al final que se buscaba contar y hasta haciendo que la película caiga en clichés del propio director que ya antes hemos visto.

De hecho la segunda parte de la historia de Scarlet se llega a sentir ajena a lo que se nos mostró en un inicio, y quiero ser muy enfático en que no porque la protagonista no pueda cuestionarse si su camino es el correcto o llegue a tener una especie de redención, sino por la manera en que se nos presenta ese desarrollo y el cómo se va forjando la propia relación con el personaje que el ayuda a ello, algo que arrastra a la propia trama con un tercer acto demasiado apresurado en donde son más evidentes los agujeros de guion.

Haciendo que el propio peso del mensaje o moraleja idealista y antibélica (que ahora es cuando más lo necesitamos) que busca dejar la película tenga un menor impacto y raye en lo cursi.

Conclusión.

Scarlet es, sin duda, una película que demuestra el enorme talento visual de Mamoru Hosoda y de Studio Chizu; su animación, dirección de arte y expresividad de personajes son suficientes para justificar verla en la pantalla grande, especialmente para quienes disfrutan del anime con propuestas visuales ambiciosas. Sin embargo, detrás de ese impresionante apartado técnico se esconde una historia que comienza con una premisa poderosa y reflexiva sobre la venganza y el perdón, pero que termina perdiendo parte de su fuerza por decisiones narrativas apresuradas y un desarrollo que no logra sostener todo el potencial de su protagonista (que no por ello deja de ser una gran protagonista).

No significa que Scarlet sea una mala película, ni mucho menos; simplemente es una obra que se siente irregular, con momentos muy brillantes que contrastan con otros donde el guion parece tomar atajos. Al final, queda como una experiencia visualmente impactante y con ideas interesantes sobre el peso de la venganza, pero que se queda a medio camino de convertirse en la gran epopeya emocional que prometía ser.

Aun así, para los seguidores de Hosoda y para quienes disfrutan del anime en la pantalla grande, Scarlet sigue siendo una propuesta que vale la pena experimentar, aunque quizá no alcance el mismo nivel que algunas de las obras más recordadas de su director, la cual ya está disponible en las salas de cine de México.

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Arnold Schwarzenegger compartió emocionantes novedades sobre varios proyectos muy esperados durante el Arnold Sports Festival, incluyendo la elusiva película de King Conan…

El legendario actor de acción Arnold Schwarzenegger ha compartido emocionantes novedades sobre varios proyectos que lo verán repetir algunos de sus papeles más icónicos, incluyendo uno que se creía archivado definitivamente hace un par de años.

La estrella de Terminator habló con The ArnoldFans.com durante el Arnold Sports Festival de este fin de semana en Columbus, Ohio, y reveló que la elusiva película de King Conan sigue adelante en 20th Century Studios con nada menos que Christopher McQuarrie como guionista y director.

Con King Conan, es una historia muy antigua: Conan fue rey durante cuarenta años y ahora lo obligan a abandonar el reino, y hay conflicto, por supuesto, pero de alguna manera regresa y hay todo tipo de locura, violencia, magia, criaturas y cosas así. Y ahora, por supuesto, hay todo tipo de efectos especiales.

El estudio tiene mucho dinero para hacer esas películas realmente grandes, así que estoy deseando ver todos esos proyectos , comentó el legendario actor.

El regreso de Arnold Schwarzenegger a Predator

Schwarzenegger también confirmó que ha hablado con el director de Depredador: Badlands, Dan Trachtenberg, sobre regresar como Dutch en una futura película.

“Hicieron otra película de Depredador, y el director (Dan Trachtenberg) ha hecho un trabajo excelente. Ahora quiere que esté en la próxima. Ya lo hemos hablado. De hecho, FOX Studios ha redescubierto a ‘Arnold’. Me han dicho: ‘Queremos que hagas Depredador, acabamos de recibir un guion para que hagas Commando 2′”.

Schwarzenegger interpretó al mayor Alan “Dutch” Schaefer en la película original de Depredador de John McTiernan de 1987, que sigue siendo la única aparición del personaje en acción real en la franquicia.

Sin embargo, un holandés criogénicamente congelado apareció en una escena del epílogo de la película animada Killer of Killers, junto con el teniente Mike Harrigan (Danny Glover) de Depredador 2 (1990) y Naru (Amber Midthunder) de Presa (2022).

Trachtenberg reveló previamente que contactó con Schwarzenegger para obtener su aprobación para usar su imagen en la escena, y posteriormente dijo que estaría interesado en “inventar algunas cosas” para el actor en un futuro proyecto.

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La gira de documentales cumple 21 años y comienza su recorrido en Ciudad de México. Entérate del documental inaugural y más detalles para que no te pierdas todo lo que tiene preparado.

La cita fue en el Teatro Esperanza Iris y el documental fue “Historias del buen valle” (2025) dirigido por Jose Luis Guerín, pero antes de la proyección nos dieron la bienvenida Daniela Alatorre (directora del IMCINE), Leopoldo Maldonado (director de “Artículo 19”), Carlos Tornel (académico y activista), además de Lucia Cavalchini (subdirectora de Ambulante) quienes mencionaron que la temática del evento gira en torno a la palabra “Confabulario”.

Esta palabra, de acuerdo al diccionario de la Real Academia, significa “ponerse de acuerdo para emprender algún plan, generalmente ilícito”, lo cual se vuelve más que pertinente cuando vivimos en una actualidad en donde parece que la cultura y la búsqueda de crecimiento parece ciertamente un delito, cuando la violencia y desigualdad se cierne sobre el país y el mundo, así que confabular para la búsqueda de un mejor futuro no solo es necesario sino casi obligatorio.

La gira “Ambulante” comienza en la Ciudad de México pero no termina aquí. El itinerario es como sigue:

Ciudad de México: 5 al 14 de marzo

Querétaro: 19 al 26 de marzo

Michoacán: 16 al 26 de abril

Morelos: 23 al 26 de abril

Baja California: 14 al 21 de mayo

Sin embargo las actividades y programación para Ciudad de México ya ha sido liberada y les compartimos algunos momentos que nos llaman la atención.

SEDES

En esta ocasión el festival se divide en zona Centro, San Rafael, Roma – Chapultepec, Sur y Santa María la Ribera, repartidas en distintas sedes como la Plaza de la tres culturas, Museo experimental “El Eco”, Casa del lago, Cine Tonalá, Cineteca Nacional, Museo Universitario del Chopo, además de algunas salas comerciales de Cinepolis. Para consultar todas las sedes puedes ingresar aquí.

DOCUMENTALES

La diversidad siempre ha sido un referente de “Ambulante” y esta ocasión no es la excepción, con documentales que abordan temáticas sociales y políticas de distinto rango, buscando siempre además la buena hechura dentro de sus propuestas. La lucha de campesinos y pescadores en defensa de su territorio en “Boca Vieja” (Dir: Yovegami Ascona Mora), el viaje de Olimpia Coral Melo para impulsar la ley que ahora lleva su nombre en “Llamarse Olimpia” (Dir: Indira Cato), la aventura de rastrear una esquiva manda de elefantes con “Elefantes fantasma” (Dir: Werner Herzog).

Los amantes de la música tendrán oportunidad de satisfacer el gusto melómano y cinéfilo a la par con el seguimiento de la carrera de “The Residents” en “Ladrando en la oscuridad” (Dir: Marie Losier), el ascenso de la reina del pop Madonnna, desde su salida de Michigan hasta convertirse en referente mundial con “Becoming Madonna”; o la fugaz carrera de un músico con “It´s never over, Jeff Buckley” (Dir: Amy Berg).

Los más pequeños también tienen oportunidad de gozar su momento con “Ambulantito” y los varios cortometrajes, pero en especial con el documental íntimo de Michel Gondry que involucra a su propia hija como protagonista.

ACTIVIDADES EXTRA:

Alguna funciones contarán con la presencia de la persona realizadora o protagonista del documental para sesión de preguntas y respuestas o conversatorios al finalizar la proyección.

El sábado 7 de marzo en Casa del lago, la función de “It´s all gonna break” además de un “Q&A” tendrá una presentación acústica por parte de algunos miembros de Broken Social Scene.

Previo registro, podrás acceder a algunos talleres impartidos por los realizadores.

Para enterarte de los horarios, sedes y actividades en su totalidad, no dudes consultar la página de AMBULANTE.

“HISTORIAS DEL BUEN VALLE”

Sospecho que este documental fue elegido para inaugurar la gira, porque de alguna manera encierra varios de los aspectos de este pretendido “confabulario”. En un barrio a las afueras de Barcelona, España, viven desde hace muchos años algunos migrantes de todo tipo que se instalaron de manera subrepticia en la localidad, los más viejos están ahí para ser testigos de cómo el progreso y crecimiento los ha ido alcanzando, al grado de tener que moverlos de sus casas antiguas para acomodarlos en departamentos debido a la construcción de carreteras y una vía del tren.

La mirada casi silenciosa de Jose Luis Guerín se mete en la simple vida de sus habitantes, muchos de ellos aún con costumbres rurales donde la cosecha y el cultivo es una forma de vida, acostumbrados al aire limpio, la naturaleza y el contacto con un río que siempre ha estado con ellos y que sin embargo ahora está prohibido y con el riesgo de convertirse en un corredor turístico.

No hay una historia lineal, la masa vecinal es la forma sobre la que la cámara se tiende para presentarnos muchas historias, quizá inconclusas o en continua evolución, historias del pasado (con los ancianos), del presente (con los adultos) y de un futuro (con los niños) cuyo pueblo ya solo vivirá en sus recuerdos.

Si bien el circuito de “AMBULANTE” continuará por diversos lugares del país, tienen hasta el 14 de marzo para aprovecharlo en la Ciudad de México. Una oportunidad única para conocer otras miradas, otras perspectivas, otras latitudes, así que recomiendo que no se lo pierdan.

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