Robin Hood | Reseña Sin Spoilers

5.5 out of 10

Un cuento clásico muy, muy modernizado.

Uno de los héroes/forajidos más conocidos recibe una nueva adaptación para nuevas generaciones, esta vez con tintes modernos que no le sientan tan bien como uno creería.

Dirigida por Otto Bathurst y protagonizada por Taron Egerton (Robin Hood), Jamie Foxx (Little Jon/el Pequeño John), Eve Hewson (Marian) y Ben Mendelsohn (Sheriff of Nothingham/ el Jefe de Nothingham), está nueva adaptación del arquero se aleja demasiado de cualquier historia antes contada de él, inclusive, la película es muy sincera desde su inicio, ya le dice al espectador que “se olvide de cualquier cuento que hayan oído de este héroe”, y es justamente lo que se debe hacer para tratar de disfrutarla.

La historia gira en torno a Robin de Loxley, un noble de alta cuna, quien se enamora perdidamente de Marian, una mujer de orígenes humildes, pareja que se ve separada con motivos de la guerra, para ser más precisos, una cruzada, siendo Robin reclutado para combatir en nombre de la iglesia, y tras cuatro años de servicio, regresa a su hogar sólo para descubrir que lo ha perdido todo, y que para recuperarlo, deberá luchar contra el gobierno y la iglesia, no sin antes haber sido entrenado por el Pequeño John.

Si bien la premisa es un tanto genérica, se esperaría que la ejecución hubiera sido buena, más por el reparto con el que cuenta, sin embargo no es así, con un guión bastante mediano y predecible, y actuaciones que se sienten vacías, la película nunca termina de atrapar la atención, menos llega a emocionar con sus escenas de acción, las cuales si bien se encuentran bien coreografadas, son bastantes abruptas y mal tomadas, impidiendo disfrutar de las mismas, a tal grado que podría provocar al espectador preguntarse ¿qué acaba de pasar?

Asimismo y si bien estamos ante una adaptación moderna de este conocido héroe, le película peca en querer presentar una historia con tintes modernos, lo cual queda en evidencia desde el vestuario hasta escenas tipo de marines que, en lugar de portar un rifle, portan arco y flechas, situciones que a veces funcionan, pero en su mayoría causa cortocircuitó y se siente fuera de contexto.

Aunado a que jamás se siente una una verdadera evolución en los personajes, y un villano que juega más el papel de comic relief, estamos ante una adaptación muy mediana o mala de Robin Hood, quizá llegue a tener a sus fans, y muy quizá llegué a alcanzar el status de película de culto, pero para que lo juzguen por ustedes mismos, les recomiendo esperen a que llegue a alguna plataforma de streaming para verla, pero si insisten, la película se estrenará el próximo 30 de noviembre.

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Rencor Tatuado – Reseña

Nos quejamos de que el cine mexicano solo tiene comedias románticas que ofrecer, pero cuando intenta algo distinto ¿salen bien las cosas? Acá les contamos si vale la pena o no ver esta nueva opción.

Es una verdadera lástima que ésta historia que rondaba la cabeza de su director Julián Hernández hace más de diez años, hoy sea tan tristemente vigente, las mujeres están desapareciendo y siendo asesinadas a niveles alarmantes y pareciera que el gobierno ni la sociedad pudiera hacer nada (o quizá hasta consientan la lúgubre realidad).

Julián Hernández se ha destacado por retomar en su películas temas LGBTT y ésta no es la excepción, sin embargo, ese es apenas uno de los sitios que intenta narrar “Rencor Tatuado”, una película con tintes de cine noir y thriller policiaco que resalta su estética con un pulido blanco y negro, pero cuya historia se divide en tres líneas temporales que se distinguen gracias al color en su fotografía, un intento valiente y bien intencionado que lamentablemente no desarrolla su narrativa de la mejor manera.

¿De qué trata?

Estamos en la Ciudad de México, a mediados de los 90´s, nuestro personaje principal se llama Aída Cisneros (Diana Lein), una polémica artista que es severamente castigada por meter la nariz donde no debía, asesinan a su familia y pierde al hijo que esperaba lo que la lleva al suicidio, sin embargo, tiempo después comienza a retomar fama “La Vengadora”, una justiciera a quien recurren las mujeres víctimas de abuso, en busca de la justicia que el sistema político y judicial les ha negado, esta vengadora seduce a los victimarios y los somete a un tatuaje que les hará recordar por siempre el horror que cometieron, los actos de esta justiciera anónima toman mayor relevancia cuando se hacen públicos a través de una fotografía, es entonces cuando conocemos a Vicente Colmenares (Irving Peña), un documentalista que se obsesiona con la fotografía y la búsqueda de su autor.

A la par de la investigación de Colmenares, comienza una caza de brujas en contra de “La Vengadora”, su identidad y todo lo que ha logrado se pone en riesgo y todo el engranaje de un sistema corrupto está en su contra, los victimarios no quieren dejar de serlo y esta heroína anónima no es bien recibida.

Lo Bueno

No es una comedia romántica por lo que se merece que el espectador regular se de oportunidad de apoyarla.

La técnica es atrevida, tratando de desarrollar una historia aparentemente simple de una manera un poco complicada que se agradece mucho, visualmente está bien lograda y su dirección es competente, si bien (por momentos) baja a calidad televisiva (sobre todo cada que aparece Itatí Cantoral), constantemente se rescata a sí misma gracias a las innovadoras tomas (para una película mexicana) y movimientos de cámara que luchan por mantener la tensión con ayuda de la música que pone al espectador en el ambiente deseado para que sea efectiva.

La actuación de César Romero, a pesar de ser su primer largometraje es el más creíble y natural de todos en su papel de transexual y bailarina de un table dance donde tienen lugar varios de los descabellados actos a cargo de hombres poderosos en la política cuyo desarrollo de personaje es el más interesante de todos los participantes, además de que no es un personaje forzado o metido con calzador para que la temática se dirigiera hacia ella.

Es una historia escrita por una mujer (Malú Huacuja del Toro) y con personajes femeninos en su mayoría que denuncia actos violentos que lamentablemente hoy son tan actuales como en el tiempo en que se sitúa la película (quizá estemos peor) y con un mensaje de empoderamiento que estoy seguro que será muy bien recibido por el publico femenino y de orientaciones sexuales distintas a las heterosexuales que les servirá como catarsis ante aquéllo que la realidad tristemente no resuelve.

Lo Malo

La mercadotecnia (en su trailer al menos) nos presenta una película de venganza al estilo de “La chica del Dragón Tatuado” (2011) o “Lady Vengeance” (2005), y aunque empieza como tal, poco a poco se va encaminando para otro lado, lo que me lleva al primer error: el guion. Quizá sea justo librar a la escritora de la culpa, ya que sospecho que habría que señalar más directamente a Julián Hernández, quien en su afán de insertar una historia romántica que no tenía cabida poco a poco va transformando la historia casi en un melodrama que baja muchísimo la intensidad inicial y nuevamente es el director quien le resta protagonismo al personaje de Diana Lein para irle aumentando importancia al de Cesar Romero (aunque esto último no le salió tan mal).

Las actuaciones son regulares, pero constantemente se ven mermadas por sus diálogos (ahí si, culpa de Malú Huacuja) y una puesta de escena casi teatral que hace que actúen de manera mas bien robótica (sobre todo Diana Lein), las tomas y ángulos que muchas veces son adecuados (y que realcé más arriba) por momentos rayan también en la exageración y la obsesión de querer mostrar siempre tomas “distintas” a lo estándar.

La historia carece de profundidad y desarrollo a pesar de sus dos horas y media de duración, dejando a algunos personajes sin motivaciones aparentes para su actuar y aunque el conflicto es resuelto de manera satisfactoria se siente un vacío respecto al destino y actuar de algunos personajes.

Veredicto

Si bien es de agradecerse que haya directores que traten de contar otras historias a las que abundan en el cine mexicano comercial y que lo haga con garra y corazón, aún está lejos de tener la eficacia técnica pero sobre todo narrativa para que ésta historia sea competente frente a una audiencia variopinta, el tema era bueno y actual, las piezas están presentes, pero se toma mucho tiempo y termina por desviarse en favor de otra línea argumental que se va cimentando a partir de la mitad de la película y deja a un lado la primera hora en pro de un discurso de empoderamiento que aunque necesario actualmente no fue llevado de la mejor manera.

La película por lo pronto se estrena el 14 de Febrero en circuitos culturales (Cineteca Nacional, Cine Tonalá, Cinemanía, IFAL, Casa del Cine, entre otros) y se merece que sea apoyada la propuesta, más por diferente que por buena, pero como siempre usted será el mejor juez y (aunque puede esperar a que salga en algún servicio de streaming) si le llama la atención el tema, el director o solamente quiere ver algo distinto no dude en acudir a la sala de cine, pero si por otro lado, espera el nivel (presupuestario, artístico o narrativo) de otras películas similares, saldrá un poco decepcionado

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6.5 out of 10

Violet Evergarden: Eternity and the Auto Memory Doll | Reseña sin spoilers

Una bella película en todos los sentidos.

En el 2018, Netflix nos trajo un anime que muchos empezamos a ver por lo bonito que se veía su animación, pero que descubrimos que era mucho más que eso: Violet Evergarden. A lo largo de 13 episodios vimos cómo Violet, una ex-soldado que perdió ambos brazos por la guerra y quien ahora usa un par de prótesis tipo “automails”, pasa de ser una máquina de guerra incapaz de expresar sus sentimientos, a descubrir el significado de la palabra “amor” y además lograr transmitir los sentimientos de las personas a través de cartas, esto gracias a su empleo como Auto Memory Doll (cuyo labor es el lograr plasmar los sentimientos de las personas en cartas); ahora, está por llegar a cines mexicanos Violet Evergarden: Eternity and the Auto Memory Doll, cuya historia y animación son de las más conmovedoras y bellas que hemos visto en los últimos años y que si son fans de la serie segura ya tienen sus boletos y de no ser así, déjenme ayudarles a convencerlos.

Un deleite para los ojos.

Empecemos con el aspecto pro el que muchos conocimos Violet Evergarden, su animación, que para esta esta película sigue estando a cargo de Kyoto Animation, (estudio que lamentablemente sufrió hace unos meses de un ataque que cobró la vida de varios de sus trabajadores) y no encuentro otra palabra para describirla como hermosa. Cada detalle en las luces y sombras, en los movimientos del cabello, en la expresividad corporal y facial de los personajes, en el agua, etcétera, son impecables; no hay escena que no esté bien cuidada y detallada a tal grado de poder sentir la inmensidad de un gran salón vacío o el calor de una habitación en la noche iluminada sólo por el calor de las velas. En resumen, su animación es impecable, y gracias a su soundtrack, hacen de esta película una cinta contemplativa.

Una historia conmovedora.

Si bien podría recomendarles Violet Evergarden sólo por su bella animación, déjenme decirles que su historia es también suficiente para verla. Eternity and the Auto Memory Doll se enfoca en dos hermanas que, por cuestiones de la vida, son separadas y será Violet el vínculo por el cual, a través de cartas, lograrán reencontrase, recordándonos que la distancia y el tiempo no son más que un pretextos para no estar con esas personas a quienes extrañamos.

Me gustaría ahondar un poco más en su historia y cómo nos es contada, pero sería entrar en spoilers, aunque ya se hay estrenado en Japón hace unos meses.

¿A quién se la recomiendo?

Obviamente si vieron el anime/serie, esta de más decir que deben ver Eternity and the Auto Memory Doll, ya que aún cuando Violet es sólo el medio por el cual conocemos la historia de estas hermanas, (es decir que la película no se enfoca en ella), toda la narrativa, la emotividad y la bella animación de la serie, son plasmadas en esta película.

Si nunca han visto el anime de Violet Evergarden, también van a disfrutar de esta historia si son de quienes les gusta el género drama/romance, pero sin duda la van a disfrutar más si vieron la serie, disponible en Netflix.

Conclusión.

Violet Evergarden: Eternity and the Auto Memory Doll es una película imperdible para los fans de este anime y en sí para quienes disfrutan de la animación japonesa con emotivas historias, y cuya animación es un deleite para los ojos que los dejará con ganas de escribirle una carta a esa persona especial.

Violet Evergarden: Eternity and the Auto Memory Doll es traída gracias a Konnichiwa Festival y se estará proyectando en varias salas de Cinépolis de México los días 14, 15 y 16 de Febrero (por ahora únicas fechas), y ya está confirmada su proyección en otros países de Latinoamérica.

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9.5 out of 10

Aves de Presa y la Fantabulosa Reseña de La Comikeria

Aves de Presa es un cómic hecho película (un cómic de Harley Quinn).

No es ningún secreto que las películas del DCUE (DC Universe Extended) han tenido varios altibajos, mientras que las películas en solitario de héroes como Wonder Woman, Aquaman y Shazam han sido grandes trabajos, sus películas de súper equipos no han sido bien recibidas, ni por la crítica ni por los fans. Ahora, con Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn), Warner y DC tienen la oportunidad de quitarse esa piedra del zapato ¿lo lograron? Les puedo adelantar que sí y con creces.

Antes que nada, quiero hacer hincapié en que Aves de Presa es una película enfocada un 50% del tiempo en Harley Quinn y el otro 50% enfocada en los demás personajes ¿esto es malo? Realmente no, ya que esto es utilizado a su favor, puesto que, al estar centrada en Harley Quinn, tiene el pretexto perfecto para que sea ella quien nos narre esta historia, con lo que a su vez logra que tenga una narrativa fluida para introducir a cada uno de los personajes y aunque se trata de una breve introducción, es suficiente para hacernos sentir empatía con cada uno ellos y sus motivaciones.

Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn) es un cómic hecho película muy divertido, lleno de grandes escenas de acción, chistes en los momentos adecuados, girl power y un castor con un tutú de ballet.

Esto obviamente es logrado gracias a su directora Cathy Yan (y quizá algo tuve que ver Margot Robbie como productora), quien además de todo logra incluir durante toda la película un mensaje feminista que para nada se siente forzado, además de incluir grandes detalles desde referencias a cómics hasta el detalle de que las mujeres de cabello largo necesitan una cinta para el cabello para patear traseros.

Las escenas de acción son muy entretenidas y las coreografías bien logradas, aunque sí hay algunos movimientos que se repiten y algunas de las coreografías no se sintieron tan fluidas como otras (ya quisiera verlos tratar de patear traseros con pantalones de cuero), pero nada grave, aunado a sus buenos efectos de sonido que nos hacen sentir cada hueso roto.

Si antes Margot Robbie nos había encantado en este papel, aquí la actriz se consolida como esta antiheroína y nos demuestra que nació para ser Harley Quinn, demostrando lo multifacética que puede llegar a ser y que claramente ama interpretar a este personaje, ya que no queda duda de que para su preparación se inspiró en Batman The Animated Series, los los cómics de Harley Quinn de Amanda Conner y Jimmy Palmiotti y hasta en los videojuegos en donde ha aparecido.

Por lo que hace a las Aves de Presa que en este caso son Black Canary interpretada por Jurnee Smollett-Bell, Huntress por Mary Elizabeth Winstead y la Detective Renee Montoya a cargo de Rosie Perez, no hay queja alguna, cada una le da vida a su personaje para darnos una versión apegada al cómic en cuanto a su personalidad, pero también lo suficientemente única para separarlas de otros títulos en donde han hecho su aparición.

Obviamente no podría ser una buena película sin un buen villano y gracias a Ewan McGregor, quien interpreta a Black Mask, es que tenemos a uno de los mejores villanos en este subgénero de superhéroes; por un lado nos deja ver que Roman Sionis es este jefe de la mafia con poder y al que todos temen, pero que claramente tiene “daddy issues” (no puedo evitar pensar que se inspiró en el Black Mask de la película animada Batman: Under The Red Hood), pero claro, inyectándole su estilo único que sólo Ewan puede lograr. En cuanto a Zsaz, Chris Messina también supo capturar la esencia de este retorcido villano y logra transmitir ese terror que el asesino nos hace sentir en los cómics por ser un personaje que sí puede existir (y de alguna manera ha existido) en la vida real.

Y no crean que me he olvidado de Cassandra Cain, interpretada por Ella Jaj Basco, (para hablar de ella daré un pequeño SPOILER, por si quieren saltarse este párrafo), pero la dejo al final por ser la personaje más desperdiciada en toda la película, y no es que Ella actúe mal, sino que la Cassandra que vemos aquí no es la ex-asesina que se convierte en Batgirl, y aunque su papel en la cinta es ser el segundo elemento para que se formen las Aves de Presa, bien pidieron usar el nombre de cualquier otro personaje para el rol que interpretaría. Esto ya es algo a nivel personal y que obviamente no tomó en cuenta para la reseña, pero que quizá decepcione a quienes esperaban verla un poco como en los cómics.

Conclusión.

Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn) es una de las mejores películas de superhéroes y me atrevo a decir que es la que mejor ha retratado lo que hemos visto en los cómics, a la pantalla grande y que nos deja con ganas de más. Sus escenas de acción, su comedia, su mensaje feminista, su fan service y referencias a los cómics de Harley Quinn de The New 52 de Amanda Conner y Jimmy Palmiotti y a los videojuegos como Injustice, lo que la hacen una película imperdible de este 2020 y nos deja en claro que DC y Warner saben hacer películas de cómic con su toque único y continúan con su buena racha. Eso sí, la película es muy violenta y llena de groserías, no apta para niños.

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8.5 out of 10

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