Cine
Conociendo a las Aves de Presa: Huntress
La heroína de más cuidado.
Continuamos con este especial de “Conociendo a las Aves de Presa” y esta vez toca el turno a una de mis heroínas favoritas que poco a poco se ha vuelto popular más allá de los lectores de los cómics: Huntress; personaje que se característica por usar un traje negro con morado y una ballesta y cuya identidad ha sido adoptada por varias mujeres, a quienes es hora de conocer.
Huntress Golden Age.
Al igual que muchos superhéroes de DC, Huntress fue creada durante la Época de Oro de los cómics, pero no fue concebida como una heroína, sino como una villana. Paula Brooks fue la primera en adoptar este nombre, pero con el tiempo adoptó la identidad de Tigress y se casó con Sportsmaster (quienes han visto Young Justice, aquí la inspiración de los padres de Artemis).
Helena Wayne.
Hija de Batman/Bruce Wayne y Catwoman/Selina Kyle, esta Huntress pertenece a un mundo paralelo llamado Earth-2 o Tierra 2, donde prácticamente viven todos los héroes de la Golden Age. Helena fue entrenada por sus padres y toma la identidad de Huntress para llevar a la justicia a un criminal a quien culpa por la muerte de su madre, ya que la obligó a retomar sus pasos como Catwoman.
En The New 52 el origen de Helena Wayne es casi igual, viene de la Earth-2, hija de Batman y Catwoman, pero con la diferencia de que aquí Helena fue primero Robin y es la mejor amiga de Power Girl (que antes era Supergirl).
Helena Bertinelli.
La Huntress de la línea principal o del canon de DC Comics y la que veremos en el cine en Aves de Presa. Helena Bertinelli es la hija de uno de los jefes más importante de la mafia de Gotham City, lo cual provocó que toda la familia Bertinelli fuera asesinada, con excepción de Helena, quien vio cómo su familia era masacrada, lo que la hizo jurar venganza u combatir el crimen.
En sus primeros días como Huntress, Helena no logró ganarse la confianza de Batman, al considerarla demasiado violenta, Pese a ello, se volvió parte de la Justice League por un tiempo, pero fue expulsada por su temperamento y casi asesinar a un criminal.
En The New 52, conserva prácticamente lo mismos orígenes, pero como Helena Wayne hacia apariciones dentro de la Tierra Prime (la Tierra principal de DC Comics) se decidió que Helena Bertinelli sea de piel obscura para que no la confundan con la Huntress de Earth-2. Además, en este reboot es introducida como parte de la organización Spyral, en la cual Dick Grayson se infiltra a petición de Batman ya que averiguó que esta organización averiguaba la identidad secreta de los héroes para asesinarlos.
Con el tiempo Helena regresa a Gotham y adopta la identidad de Huntress, y si bien conserva los colores negro y morado en su traje, ahora usa un traje que se ve más funcional, con una gabardina, contrastando el traje que utilizó muchos años antes que era considerado sexista y poco práctico. Posteriormente se uniría a Batgirl y Black Canary para formar un nuevo equipo de las Birds of Prey.
Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn).
Como les comenté con anterioridad, la versión que veremos en la cinta de Aves de Presa será la de la línea principal de DC Comics, Helena Bartinelli, interpretada por Mary Elizabeth Winstead, y aunque su traje no es al visto en los cómics, vemos que conserva sus colores característicos, pero sobre todo su ballesta. Será interés ver a esta amada actriz en este papel a quien recordamos por ser Ramona Flowers.
Esperemos que con esto se animen en conoces a esta heroína, quizá la mayoría la ubiqué en lo cómics por su participación en Batman Hush, historia que ha sido republicada en distintos formatos en años recientes. Recuerden que Aves de Presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn) ya se estrenó y si aún tiene la dudas de ir a verla, pueden checar nuestra fantabulosa reseña aquí, o si lo prefieren, ver nuestra opinión en nuestro canal de YouTube.
Cine
Minions & Monsters lanza su tráiler final
Minions, monstruos y películas son los protagonistas del tráiler final de la próxima película de Illumination.
Minions, monstruos y películas son los protagonistas del tráiler final de la próxima película de Illumination.
El estudio ha tenido un excelente comienzo de año con el éxito de Super Mario Galaxy: La Película, y ahora regresa con Minions & Monsters.
Como alguien que no es muy fan de estas películas, este concepto es quizás el que más me interesa hasta ahora.
Claro que a todos nos encantan las películas, y una versión de El Artista con los Minions y un Cthulhu de marca blanca podría finalmente convencerme de verlas.
Quizás. Por ahora, tenemos un nuevo póster y el tráiler final con mucho material nuevo, incluyendo un nuevo vistazo a lo que probablemente será nuestro jefe final: una enorme masa naranja con muchos ojos.
Toda la diversión de Minions & Monsters
Tras el éxito arrollador de la comedia más divertida del verano de 2024, Gru 4: Mi Villano Favorito, Illumination expande su universo animado con un nuevo y divertidísimo capítulo, protagonizado por personajes totalmente nuevos, en la franquicia animada global más grande de la historia: Minions & Monsters.
Esta es la historia alocada, disparatada y totalmente real de cómo los Minions conquistaron Hollywood, se convirtieron en estrellas de cine, lo perdieron todo, desataron monstruos sobre el mundo y luego se unieron para intentar salvar el planeta del caos que acababan de crear.
Minions & Monsters está dirigida por Pierre Coffin, nominado al Premio de la Academia, director de las tres primeras películas de Gru, mi villano favorito y de la primera película de Minions.
Más de diez años después de su creación, los Minions se han convertido en los personajes animados más icónicos de su generación.
Reconocidos mundialmente y adorados por fans de todas las edades, han impulsado a Gru, mi villano favorito y Minions de Illumination a una recaudación mundial de más de 5.600 millones de dólares.
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Cine
Viernes 13 está muy cerca de regresar
Tras más de una década sumida en un caos legal, la franquicia de Viernes 13 regresa este año con Crystal Lake, una esperada precuela
Tras más de una década sumida en un caos legal, la franquicia de Viernes 13 regresa este año con Crystal Lake, una precuela que se estrenará en Peacock este otoño.
Esta será la primera vez que los fans del terror regresen al mundo de Jason Voorhees desde el reinicio de 2009, que recibió malas críticas (pero fue un éxito de taquilla), y podría ser otro intento de redefinir el canon de esta icónica franquicia slasher.
Crystal Lake se sitúa antes de la película original de Viernes 13 y cuenta con Linda Cardellini como Pamela Voorhees, la madre de Jason.
El joven actor Callum Vinson también tendrá un papel recurrente como Jason (Vinson también protagonizará la adaptación de Dios de la Guerra de Amazon como Atreus)
. El reparto se completa con William Catlett (Black Lightning) como el nuevo personaje Levon Brooks, Devin Kessler como Briana Brooks, Cameron Scoggins como “Dorf” (presumiblemente el oficial Dorf de Viernes 13) y Gwendolyn Sundstrom como Grace.
Lo que sabemos de la nueva producción de Viernes 13
Los detalles de la trama se mantienen en secreto, pero se presume que la serie revelará nuevos detalles sobre la vida de Pamela antes de la muerte de su hijo y ayudará a explicar cómo se convirtió —alerta de spoiler para una película de hace 46 años— en la asesina de la película original.
Mientras Hollywood ha seguido explotando otras franquicias clásicas de terror como Halloween y Scream, Viernes 13 se encuentra en un limbo legal tras una disputa sobre quién posee los derechos de la franquicia.
Como resultado, no hemos visto a Jason en pantalla desde aquella película de 2009, que la mayoría de los fans del terror probablemente preferirían ignorar. Antes de eso, a principios de la década de 2000, Jason viajó al espacio y luchó contra Freddy Krueger.
Alguna versión de Crystal Lake ha estado en desarrollo desde 2003, aunque el concepto ha cambiado drásticamente desde entonces.
En la década de 2020, A24 adquirió los derechos y contrató a Bryan Fuller, creador de Hannibal, como showrunner.
Crystal Lake se estrena en Peacock el 15 de octubre.
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Anime
LA CHICA QUE SALTABA A TRAVÉS DEL TIEMPO | Reseña
Este 2026 se cumplen 20 años de “La Chica que saltaba a través del Tiempo” y gracias a Konnichiwa! y Más Que Cine, llega a Cinépolis
Una historia de fantasía con viajes en el tiempo desde una perspectiva mucha más humana.
Este 2026 se cumplen 20 años desde el estreno de “La Chica que saltaba a través del Tiempo” y gracias a Konnichiwa! y Más Que Cine, llega a las salas de Cinépolis de México y Latinoamérica como parte del Festival de Cine de Mamoru Hosoda y vaya que es una maravilla de película que merece la pena completamente revisitar o ver por primera vez esta conmovedora historia que combina viajes en el tiempo, fantasía, diversión y emotividad de una manera como nunca se ha hecho y descubrir porqué es un clásico, pero corran que estará hasta el 10 de mayo.
“Saltitos” en el tiempo.
La chica que saltaba a través del tiempo es una de esas películas que logra tomar un concepto de ciencia ficción tan complejo como los viajes en el tiempo y convertirlo en una historia íntima, humana y profundamente emocional; dirigida por Mamoru Hosoda, la cinta sigue a Makoto Konno, una estudiante despreocupada que descubre accidentalmente la habilidad de viajar en el tiempo, usando ese poder para evitar problemas cotidianos, mejorar momentos incómodos o simplemente alargar los días felices junto a sus amigos.
Lo interesante es que la película nunca convierte los viajes temporales en un espectáculo exagerado, al contrario, los usa como una herramienta para hablar sobre crecer, madurar y entender que cada decisión, incluso las más pequeñas, puede afectar a las personas que amamos. Makoto es una protagonista increíblemente humana: impulsiva, inmadura y egoísta en ocasiones, pero precisamente por eso resulta tan fácil conectar con ella.
Introspección dentro de la fantasía.
Visualmente, la película mantiene un estilo sencillo pero lleno de vida, la animación transmite perfectamente la calidez de los días de verano, la nostalgia de la juventud y esa sensación de que el tiempo pasa más rápido de lo que quisiéramos. Además, la dirección de Hosoda logra momentos muy contemplativos que invitan a la introspección sin perder nunca el ritmo ligero y encantador de la historia.
Otro de sus mayores aciertos es cómo aborda emocionalmente el tiempo, en lugar de enfocarse en paradojas complejas, la cinta explora algo más cercano: el deseo de evitar errores, conservar momentos felices y escapar de los cambios inevitables de la vida y justamente ahí es donde golpea más fuerte emocionalmente.
Un final un poco ambiguo.
Siendo tal vez el único “pero” su final que debido a su narrativa apresurada en su último acto, llega a sentirse ambiguo y hasta incoherente, pero una vez que nos detenemos a pensar en el final entendemos que todo tiene sentido, aunque no quita su ambigüedad.
Conclusión.
“La chica que saltaba a través del tiempo” demuestra que no hace falta complicar los viajes en el tiempo con enormes paradojas o reglas complejas para contar una historia memorable. Mamoru Hosoda convierte esta fantasía en un relato profundamente humano sobre crecer, valorar el presente y aceptar que no podemos huir para siempre de los cambios de la vida. Sí, su desenlace puede sentirse ambiguo en un primer momento, pero incluso eso termina reforzando el mensaje emocional de la película. A 20 años de su estreno, sigue siendo una obra emotiva, nostálgica y atemporal que merece completamente ser vista o revisitada en pantalla grande.
“La chica que saltaba a través del tiempo” se estuvo proyectando hasta el 10 de mayo.
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La chica que saltaba a través del tiempo | Reseña
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Animación
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Historia
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Música
La chica que saltaba a través del tiempo
“La chica que saltaba a través del tiempo” demuestra que no hace falta complicar los viajes en el tiempo con enormes paradojas o reglas complejas para contar una historia memorable. Mamoru Hosoda convierte esta fantasía en un relato profundamente humano sobre crecer, valorar el presente y aceptar que no podemos huir para siempre de los cambios de la vida. Sí, su desenlace puede sentirse ambiguo en un primer momento, pero incluso eso termina reforzando el mensaje emocional de la película. A 20 años de su estreno, sigue siendo una obra emotiva, nostálgica y atemporal que merece completamente ser vista o revisitada en pantalla grande.
