Cine
“LICORICE PIZZA” | Reseña
La Academia celebró el regreso del director P.T. Anderson con tres nominaciones al Oscar ¿Tiene lo suficiente para llevarse alguno? Acá te contamos.
Congeniar con las películas es todo, sentirse identificado con lo que sucede en pantalla es media batalla ganada en cualquier historia que desee algún éxito comercial, puede ser el personaje, puede ser la situación, puede ser incluso algún sentimiento universal con el cual el público pueda relacionarse y conectar con la historia. Por otro lado, están las películas que son tan personales en la vida de su director que las referencias y sentimientos aludidos nos evaden, el director Paul Thomas Anderson elige este camino para su más reciente obra: LICORICE PIZZA. Película en la que ha recreado el Valle de San Fernando (Los Ángeles, California) en 1973, como único lazo al cual unirnos pone enfrente un amor juvenil y el intento de rememorar la sensación del primer amor.
Tocaré rápidamente los dos temas más controversiales para no dejarlos fuera aunque (al menos para mí) son (cinematográficamente hablando) completamente irrelevantes para ser considerados en el cuerpo posterior de la reseña. El primer reclamo en redes sociales sobre LICORICE PIZZA es respecto a la diferencia de edad de los protagonistas (en la historia al menos), pues se dice que ella cuenta con 25 y él con 15 años de edad, los reclamos y posturas saltaron de inmediato. El segundo punto controversial es la ofensiva representación de la comunidad asiática en dos escenas que no solo están sobradas sino que son completamente inesperadas conforme al tono inicial de la película. Dicho lo anterior, dependerá del espectador si estos temas merecen o no abrir la conversación una vez que vea la película.
¿DE QUÉ TRATA LICORICE PIZZA?
Gary (Cooper Hoffman) es un joven quinceañero que sabe muy bien lo que quiere gracias a sus experiencias como niño actor, lo que le ha dado la confianza para emprender sus propios negocios, es esta misma confianza lo que lo impulsa a invitar a salir a Alana (Alana Haim) quien a pesar de llevarle diez años no está muy segura de lo que desea conseguir en la vida y se ve a sí misma realizando el mismo trabajo de asistente de fotografía escolar en los años venideros. Es la fortuita necesidad de una cuidadora mayor de edad en los viajes de trabajo de Gary, el pretexto perfecto para que sus caminos se unan y comience esta historia de encuentros y desencuentros juveniles bajo la nostalgia de un tiempo y lugar que ya no van a regresar.
Es también la extraña relación entre estos jóvenes el pretexto del director para evocar algunos recuerdos (ajenos) del lugar donde vivió, algunas de las condiciones sociales y políticas, así como el ambiente de los últimos rastros de la era dorada de Hollywood.
LO BUENO
La manufactura técnica es una gozada en todo momento, la fotografía que evoca el aspecto avejentado, la gran selección musical para acompañar prácticamente toda la película con puro hit de la época, el diseño de producción y vestuario que reproduce el ambiente setentero, un manejo de cámara que se da el lujo de no fallar en el plano secuencia (sello de la casa), un reparto cumplidor liderado por actores que se presentan por primera vez ante una cámara en una larga producción, a los que se les añaden nombres del calibre de Sean Penn, Tom Waits o Bradley Cooper.
De manera completamente intencional no puse cada uno de sus méritos en párrafos independientes (que podría haberlo hecho porque su calidad da para eso), porque, para bien o para mal, es lo menos que podríamos esperar del director y con esto no quiero minimizarlo, pero es que estoy completamente consciente de que muchos hablaran de sus bondades, por acá tenemos el atrevimiento de señalar sus (posibles) faltas.
LO MALO
¿Qué es lo primero que salta a la mente con películas personales como “Roma” (2018)? Si como público estamos dentro o no, de una narrativa tan específica. Y es entonces donde viene el elemento que más opiniones va a dividir esta película: el guion.
La base sobre la que se fundamenta toda la narrativa es el precoz enamoramiento entre un joven de 15 años y una mujer de 25, quizá en este punto varios y varias se podrán identificar, tal vez no con la situación específica, pero sí la del “primer amor”, pero qué tanto puede durar esta relación entre el público y personaje cuando Gary es un niño actor que gana más dinero del que posiblemente ganó cualquier persona “normal” a esa edad, cuando Gary es capaz de poner tres negocios en los que involucra a todos sus amigos y hasta su madre trabaja para él.
Y la brecha se hace cada vez más grande porque ¿Cuántos de nosotros estuvimos en la década de los setentas? ¿Cuántos serán capaces de reconocer las múltiples referencias? El logo de la productora, el aspecto de los créditos iniciales, la aportación cultural a Los ángeles (y a la película) del padre de Leonardo Di Caprio, todas las referencias de cultura pop en el plano secuencia, que les resuenen los nombres de Jon Peters o Barbra Streisand, los diálogos de “Breezy” (1973) o el reparto de “Los puentes de Toko-Ri” (1954).
Pero ahí no acaba todo, el enamoramiento juvenil (que podría sostener todas esas extravagancias del director lanzadas quizá para sí mismo, sus amigos y los que conecten con las referencias) se van tornando en momentos episódicos que parecen que solo extienden el argumento para tratar de justificar la verdadera intención del director que es rememorar esa época y este tipo de cine, no que esté mal o no se agradezca (dentro de toda la marea de cine de fórmula), pero estoy seguro que muchos de los espectadores se sentirán ignorados y desplazados en el viaje que plantea.
VEREDICTO
Que no les sorprenda la cantidad de reseñas que alabarán casi al grado de obra maestra este extraño “Coming of age”, y es que como dije al principio, LICORICE PIZZA tiene los elementos para estar a la altura, el punto decisivo no está (lamentablemente) de parte del gran producto cinematográfico que tenemos enfrente, sino de la recepción del público, no es prejuicioso o discriminatorio pensar que todos los críticos que saldrán enamorados de esta película tendrán también el conocimiento para disfrutar tanto como el director, todos los demás nos tenemos que conformar, primero, con disfrutar su (no muy bien colocado) sentido del humor, no los voy a engañar, muchos se rieron en la sala cuando tuve oportunidad de verla, yo asomé una o dos veces una sonrisa y después, con una relación de personajes interesantes pero no muy buena química entre ellos.
Insisto en que la calidad de Paul Thomas Anderson detrás de la cámara está intacta, es su historia la que no es una apuesta segura para la conquista del público masivo (y se nota además que no le interesa mucho), en ese sentido no me queda más que apoyar en misma medida tanto aquéllos que piensen que es una maravilla, como aquéllos que saldrán de la sala pensando que es una basura aburrida y pretenciosa y es que (desde mi punto de vista) realmente es ambas, en cierta medida.
Me parece que lo verdaderamente valioso de LICORICE PIZZA sería resaltar que pocas veces aparecen películas capaces de evocar ambas características, por el momento es una parada obligada para cualquier fanático del director y amante del cine, ya será su propia experiencia la que haga que tome un lado o el otro, solo el tiempo revelará qué lado tiene la razón. Por lo pronto (y tramposamente) acudo a poner en la balanza el resto de las películas que le he visto al director para decidirme por una calificación y cierro con mi predicción de que este controversial guion se llevará la codiciada estatuilla el próximo 27 de marzo, más que nada porque a Hollywood le encanta vanagloriarse en su propia nostalgia.
LICORICE PIZZA llega a salas nacionales este 24 de febrero y como siempre la última palabra la tienen ustedes.
Cine
Resident Evil: Noche Cero – Reseña
¿Será esta la mejor adaptación al cine de Resident Evil? Te lo contamos en nuestra reseña de Resident Evil: Noche Cero.
¿Será esta la mejor adaptación al cine de Resident Evil? Te lo contamos en nuestra reseña de Resident Evil: Noche Cero.
Una vez más es momento de regresas a Raccoon City en la pantalla grande con Resident Evil: Noche Cero, la nueva película dirigida por Zach Cregger, director de Barbarian y Weapons, quien apuesta por algo que los fans de los videojuegos conocemos muy bien: el survival horror.
Y debo decirlo desde el principio: la película entiende muy bien el concepto de Resident Evil.
La historia sigue a Bryan, un transportador de órganos que prácticamente funciona como un Uber de paquetes médicos y que al final de su turno recibe el encargo de llevar con urgencia un misterioso paquete hasta el Hospital General de Raccoon City.
El problema es que, obviamente, Raccoon City no es precisamente el mejor lugar para hacer una entrega.
No pasa mucho tiempo antes de que el terror se cruce en su camino, y con él algunas mutaciones que los fans de Resident Evil reconocerán, además de otras criaturas que buscan sorprender incluso a quienes ya conocen este universo.
Resident Evil: Noche Cero nos ofrece una premisa bastante sencilla: Un personaje que debe llegar del punto A al punto B sin muchas explicaciones. Zach Cregger aprovecha el recorrido para construir una experiencia que se siente muy cercana a género survival horror de los videojuegos.
Hay planos secuencia bastante tensos, sonidos que te hacen sospechar que algo está a punto de aparecer, momentos de exploración y hasta secuencias que utilizan el punto de vista del protagonista y su arma para hacernos sentir que somos nosotros quienes estamos caminando por Raccoon City.
Lo bueno de Resident Evil: Noche Cero
El diseño de los diferentes monstruos que no se limita solo a mostrar zombies genéricos y los efectos especiales cumplen con lo que esperaba de una película de Resident Evil. Además, hay una buena cantidad de gore sin caer en lo exagerado y algunos jump scares bastante efectivos que seguramente harán brincar a más de uno de su asiento.
También funciona bastante bien el humor de Cregger, que se ajusta bastante a los chistes cliché a los que estamos acostumbrados a ver en los videojuegos, aunque siento que hizo falta una mención al “Jill Sandwitch”. En esta ocasión se siente mucho más orgánico gracias al carisma del protagonista y a la manera en que la historia utiliza sus momentos de tensión para liberar un poco de presión.
La película consigue transmitir esa incertidumbre y sensación de peligro constante de los videojuegos: entrar a un lugar sin saber qué hay detrás de la siguiente puerta, escuchar un ruido extraño y preguntarte si realmente quieres seguir avanzando.
Lo malo de Resident Evil: Noche Cero
Quizá el mayor problema (o su mayor ventaja) es que Resident Evil: Noche Cero tiene una historia que podría haber funcionado incluso sin utilizar el nombre de Resident Evil.
Esto puede provocar sentimientos encontrados entre los fans más clavados de la franquicia, especialmente para quienes esperan una adaptación mucho más cercana a determinados juegos o personajes. Ya que aunque una vez más nos llevan a vivir el desastre de Raccoon City, en esta ocasión se introducen creaturas que no deberían estar en el incidente y se dejan fuera a algunas otras para sustituirlas por mutaciones originales.
Sin embargo, la originalidad y el desapegarse de lo considerado canon es una de sus mayores fortalezas: la película no intenta copiar exactamente un videojuego, sino capturar su sensación de jugarlo.
¿Vale la pena Resident Evil: Noche Cero?
Después de tantas adaptaciones de Resident Evil, unas más entretenidas que otras, se agradece que Noche Cero apueste nuevamente por el terror, la tensión y el survival horror, en lugar de convertir la franquicia únicamente en una película de acción que nos cuenta una y otra vez la misma historia de Raccon City.
Resident Evil: Noche Cero quizá no sea la adaptación fiel y calcada a lo que vivimos en los videojuegos que todos los fans estaban esperando, pero sí logra llevar a la pantalla grande algo muy importante: esa sensación de estar en peligro y no saber qué demonios se encuentra esperando en la siguiente habitación.
Si buscan una película de terror entretenida para este fin de semana, con criaturas, gore, jump scares y bastante tensión, Resident Evil: Noche Cero es una opción que vale la pena considerar.
La película llega a salas de cine en México gracias a Sony Pictures, incluyendo funciones en IMAX para quienes quieran vivir la experiencia con una mayor sensación de inmersión.
Resident Evil: Noche Cero
Overall
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Historia
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Efectos especiales
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Banda sonora
Resident Evil: Noche Cero - Reseña
Resident Evil: Noche Cero quizá no sea la adaptación fiel y calcada a lo que vivimos en los videojuegos que todos los fans estaban esperando, pero sí logra llevar a la pantalla grande algo muy importante: esa sensación de estar en peligro y no saber qué demonios se encuentra esperando en la siguiente habitación.
Cine
Crazy Taxi de SEGA tendrá película live-action en Netflix
Desde Crazy Taxi hasta Stranger Than Heaven y Sonic, SEGA se une con Netflix para tres nuevas adaptaciones, incluida una cinta de live action
Desde Crazy Taxi hasta Stranger Than Heaven y Sonic, SEGA se asocia con Netflix para tres nuevas y ambiciosas adaptaciones, incluida una película de live action basada en el querido clásico de arcade.
Netflix ha anunciado que se está preparando una película de acción real de Crazy Taxi para la plataforma de streaming.
Este proyecto, anunciado como parte de un acuerdo histórico entre la compañía y SEGA, es uno de los tres títulos de gran envergadura que conforman esta nueva lista de producciones.
Crazy Taxi será el primer proyecto en llegar; el guion correrá a cargo de Dan Gregor y Doug Mand, la pareja de escritores responsable del reinicio de The Naked Gun previsto para 2025.
Neal H. Moritz, Toby Ascher y Toru Nakahara —los productores visionarios detrás de la franquicia Sonic— participarán también en la producción.
Los proyectos de la unión de SEGA y Netflix
También está en camino una película live action de Stranger Than Heaven. Desarrollado por RGG Studio —creadores de la saga Like a Dragon/Yakuza—, el juego se ambienta en el Japón de principios del siglo XX y sigue la historia de un extranjero que lucha por ascender desde la indigencia hasta convertirse en un temido yakuza y, finalmente, en un magnate del entretenimiento.
Por su parte, Sonic contará con una nueva serie de animación —actualmente en desarrollo con Carlos Stevens y Toru Nakahara— que presentará a Sonic y a sus amigos como héroes dirigidos a un público infantil de mayor edad
Toru Nakahara, productor principal de SEGA, añadió: “Estamos encantados de continuar nuestra larga relación con SEGA y de dar vida a Crazy Taxi junto a nuestros socios de Netflix. “
Estos juegos de SEGA se unirán al creciente catálogo de adaptaciones de videojuegos de Netflix, que incluye: una serie de acción real de Assassin’s Creed; una película de acción real de Gears of War; series de animación basadas en Minecraft, Magic: The Gathering y Clash of Clans; un concurso basado en *Overcooked.”
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Cine
Optimus Prime: Awakening sorprende con primer adelanto
El universo de Transformers se prepara para uno de los estrenos más emotivos de su historia con Optimus Prime: Awakening
El universo de Transformers se prepara para uno de los estrenos más emotivos de su historia con Optimus Prime: Awakening
Antes del reestreno en cines de The Transformers: The Movie, se ha revelado el primer avance oficial de ‘Optimus Prime: Awakening’, un nuevo cortometraje que ha impactado de inmediato a la comunidad de fans por su tono oscuro y revelaciones inesperadas.
El metraje de apenas doce minutos servirá como epílogo especial durante las proyecciones en pantalla grande.
En el primer fragmento revelado, la tensión es absoluta: vemos a Optimus Prime siendo perseguido por Soundwave en un planeta remoto mientras intenta sobrevivir a una emboscada.
Durante la escena, se escucha a Bumblebee dedicarle unas palabras al líder de los Autobots: “No importa cuántas veces caigas, siempre te vuelves a levantar”.
La sorpresa detrás de Optimus Prime: Awakening
Sin embargo, el clip guarda un giro dramático que ha encendido las teorías de los seguidores: Bumblebee no está allí para rescatarlo, sino que opera como un agente encubierto al servicio de los Decepticons.
Aunque aún se desconoce el contexto completo de esta traición —o si la trama gira en torno a una pesadilla dentro del concepto de Awakening—, el impacto visual y narrativo ha dejado una gran expectativa.
Este proyecto cobra un valor histórico inolvidable al marcar la interpretación final del legendario Peter Cullen como la voz de Optimus Prime, tras su reciente e inesperada partida.
Cullen, quien inmortalizó al personaje desde la serie animada de los 80, la película clásica y las adaptaciones live-action de Michael Bay, se despide de la franquicia en una obra diseñada para homenajear su legado.
The Transformers: The Movie y el cortometraje exclusivo ‘Optimus Prime: Awakening’ llegarán a las salas de cine próximamente proyectándose inmediatamente al finalizar los créditos de la cinta principal.
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