Crisol: Theater of Idols, encarnamos a Gabriel, un soldado con una misión divina encomendada por el mismísimo Dios Sol. La historia no lleva a una versión cruda y oscura de España (Hispania) donde la religión “católica” y la iconografía religiosa cobran vida.

La premisa atrapa desde el inicio, la ambientación es su punto más fuerte. El juego logra sumergirte en un horror “religioso” que se siente fresco y más para los que venimos de familias católicas. La historia es directa, girando en torno al misterio de la isla y el sacrificio, con personajes bastante aterradores. Es una narrativa de devoción que funciona gracias a su atmósfera opresiva.

Gameplay

Mecánicamente es un shooter sencillo, se siente hasta torpe, pero con un giro atractivo: tu sangre es tu munición. Crisol: Theater of Idols cada disparo cuenta (disparar cuesta vida), creando un sistema de riesgo-recompensa brutal que te obliga a pensar. Pero no todo es color de rosas, el apuntado puede sentirse tosco, similar a los survival horror clásicos, además que los movimientos de tu personaje no son tan responsivos y un gran ausente es la mecánica de salto.

Mundo

El juego es pasillero, un retorno a la vieja escuela que se agradece. No hay mundo abierto innecesario. En Hispania cada rincón está diseñado para incomodar. El diseño guía de forma natural a través de escenarios que mezclan decadencia y monumentalidad religiosa. La exploración es limitada pero ligeramente gratificante, enfocada en encontrar recursos vitales para recuperar la sangre que gastas al defenderte. De igual forma, si eres un poco despistado, tendrás un mapa para guiarte entre los pasillos.

Apartado visual

Siendo un AA, no tiene el presupuesto y las bondades de un juego AAA, y se notan ciertas costuras: en animaciones con los enemigos, espreciones faciales o texturas. Sin embargo, la dirección artística es bastante buena. El uso de imaginería del catolicismo, estatuas policromadas y nazarenos como enemigos es algo que me facino. Algo que en mi país (México) se suele ver en cada esquina.

Es la prueba de que una buena dirección de artele gana a la potencia gráfica bruta. Recuerda mucho a la estética decadente de BioShock pero con sabor hispano.

Sonido y música

El apartado sonoro cumple con creces. Los efectos de las armas y los quejidos de los enemigos construyen una atmósfera pesada. Mención honorífica al doblaje (especialmente en español, que le da autenticidad) y a la banda sonora, que mezcla tonos religiosos con disonancias para tenerte siempre en tención.

Aspecto técnico

Lo jugué en PC (Steam), hay pocos problemas técnicos, caídas de fps en lugares en específicos, pero con actualizaciones seguro mejora este aspecto, pero nada que rompa el juego, además siendo un AA, me parece que cumple bien en este apartado.

Contenido y duración

Crisol ofrece una experiencia algo contenida pero directa, con un precio de lanzamiento bastante atractivo de $209.00 pesos MXN . Dura lo justo para no aburrir, ofreciendo una campaña intensa.

Conclusión

Crisol: Theater of Idols es un título muy entretenido que, si bien no viene a reinventar nada, logra enganchar gracias a una historia atrapante y una estética visual increíble. Es cierto que tiene sus carencias, animaciones algo torpes, un sistema de disparo sencillo que a veces no se siente gratificante y una exploración que no siempre recompensa al jugador.

Sin embargo, el juego tiene un encanto innegable. Nunca se hace aburrido y, aunque es corto, su precio reducido lo convierte en un imperdible de este año, especialmente si eres fan de BioShock y buscas algo que te recuerde a esa experiencia. A pesar de sus fallos técnicos, es una experiencia concreta que vale completamente la pena.

Lo bueno y lo malo

Lo bueno:

• Atmósfera increíble.
• Mecánica de riesgo-recompensa
• Dirección artística y diseño de enemigos
• Precio de lanzamiento muy competitivo.

Lo malo:

• Sensación de disparo que se siente tosca.
• Animaciones y acabados técnicos que llegan a tocar lo malo.

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Soñar en grande es para todos.

Sony Pictures Animation se ha vuelto un nombre que garantiza diversión, entretenimiento y una impecable animación, después de todo son quienes han estado detrás de Spider-Man: Into the Spider-Verse o Kpop Demon Hunters y ahora nos traen La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT o GOAT por su título en inglés (un juego de palabras en inglés ya que goat significa cabra, pero también es un anagrama de Greatest Of All Time, el mejor de todos los tiempos), cinta con una gran y vibrante animación, un humor moderno y tropicalizado para todas las edades y un mensaje inspirador para todos. A continuación les contamos el porqué deben de ver GOAT: La cabra que cambió el juego.

No hay sueño imposible.

La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT nos presenta un mundo reinado por animales antropomorfos en el que el deporte por excelencia es el “Roarball“, una variante mucho más agresiva del basketball, en el cual participan los animales más grandes, fuertes o veloces por su propia naturaleza como jaguares, rinocerontes, avestruces, etcétera. Aquí conocemos a Will Cabrera (Emmanuel Bernal), una joven cabra que sueña con ser un jugador de Roarball y que se ha entrenado toda su vida para ello, pero que por su tamaño no se le ha dado la oportunidad; pero todo podría cambiar cuando los Tornados de Vineland apuesten por él, aunque eso signifique  herir el orgullo de la capitana y leyenda Jett Filmore (Bárbara de Regil) quien no solo tendrá que aprender a aceptar a su nuevo compañero de equipo, sino aprender a jugar en equipo para conseguir el campeonato y llevarse La Garra.

Lo “GOAT” en animación.

La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT es una bien lograda animación que combina todo lo bueno de una cinta deportiva con un buen humor. Empezando con su animación impecable, Sony Pictures Animation ya domina este ámbito con su propio estilo que ya es muy fácil de reconocer, pero no por ello ha dejado de seguir superando sus estándares y en esta ocasión lo hace en el diseño y animación de los personajes y escenarios para que se vean reales, pero sin dejar de perder un estilo caricaturescos.

Algo que podría parecer sencillo, pero es absurdamente increíble el nivel de detalle en el diseño de personajes y escenarios, no es el mismo pelaje el que le vemos a Will al de Jett, ni que decir de las escamas de Drago o la piel de Rino; asimismo los escenarios son una locura y es que el Roarball no es un deporte convencional y se juega al extremo en canchas con distintos biomas tipo jungla, estalactitas, hielo o un volcán y cada uno de ellos se siente con vida, es como el sueño de jugar una partida de baloncesto en los lugares más desafiantes.

La dirección a cargo de Tyre Dillihay (Bob´s Burger) es un gran trabajo al darnos una buena combinación de acción, humor y desarrollo, en las dosis correctas para que el espectador nunca se aburra y disfrute de inicio a fin.

Siempre sueña en grande.

La historia de La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT está inspirada de la leyenda de la NBA Stephen Curry y va más allá de la típica aventura de superación, ya que si bien ese es su eje y punto de partida, también toca temas como el miedo al fracaso, la ansiedad, inseguridad y el que siempre el trabajar y respetar al equipo son el punto clave para el éxito. Como cinta deportiva guarda muchas moralejas y un trasfondo interesante en cada uno de sus personajes, ya que si bien el desarrollo de personajes se centra en Will y Jett, otros como Drago Modo (Faisy), Olivia Burke (Carolina Díaz) y Rino Everhardt (Gerardo Vázquez), tienen sus respectivos momentos de protagonismo para resolver sus propios miedos y brillar en pantalla, logrando hacer que cada miembro de los Tornados se roben nuestro corazón.

Su historia es interesante de principio a fin y aunque guarda una estructura que ya conocemos, su guion, personajes encantadores, conflictos individuales, gran animación y buen humor, hacen que se sienta como una cinta muy única. De hecho tiene un muy buen humor que si bien se llega a recarga en el lenguaje del internet y algunos memes, jamás se siente sobrecargado de este humor, al contrario, se siente natural y resulta ser bastante ad hoc acorde a la época y es que además el doblaje está muy bien localizado para Latinoamérica, pero son caer en algo exagerado.

La polémica detrás del star talent.

La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT se une a la lista de cintas que se ven envueltas en la polémica por tener a star talent en el doblaje, pero debo decir que al menos han sido bien dirigidos y en personajes como Drago, Faisy hace un buen trabajo y se vuelve uno de los favoritos y aunque tal vez Bárbara de Regil no haga un trabajo impecable con Jett, no lo hace tampoco mal, tal vez no nos dé algo memorable, pero es bastante disfrutable.

De hecho en la función en la que estuve el problema no fue con el doblaje, sino con el sonido del cine o de la cinta que se proyectó, en la que pareciera haber un trabajo inconcluso de audición en el que se oían mucho más fuerte las voces de doblaje sobre el sonido del ambiente, los efectos de sonido y la música, lo cual en verdad espero sea un problema único de la función que nos tocó y no así un problema general

Un hueco en la defensa.

Tal vez el único problema y eso tomándolo con pincitas, es que no se explota el potencial del universo tan tico que hay aquí y es que se sobreponen los conflictos personales a los propios partidos de Roarball, siendo estos de una muy corta duración y momentos fugaces que no permiten disfrutar y contemplar los escenarios tan únicos, siendo solo el partido final el único en el que se toma el tiempo para hacer uso de todos los recursos de una cancha natural y volátil tiene para ofrecer en un juego de este estilo.

Conclusión.

La Cabra Que Cambió El Juego – GOAT es una muy divertida película animada con un nivel de detalle asombroso, que apuesta por una historia clásica de superación (yendo un poco más allá de eso), pero que se envuelve en una estética moderna, un ritmo ágil y un humor claramente influenciado por la cultura del internet. y aunque su mensaje sobre creer en uno mismo y enfrentar el miedo al fracaso no es nuevo, la cinta logra hacerlo accesible y cercano para nuevas generaciones. Su animación enérgica, el carisma de su protagonista y la combinación de actores de voz con star talent le dan personalidad propia, aún cuando algunas decisiones humorísticas pueden sentirse pasajeras o que algunas ideas no se explotaron del todo. En conjunto, es una propuesta entretenida, optimista y efectiva, que recuerda que los sueños no siempre cambian el mundo, pero sí a quien se atreve a perseguirlos.  

GOAT: La cabra que cambió el juego se estrena este 12 de febrero de manera exclusiva en cines.

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El primer Code Vein fue ese Souls-like que muchos miraron de reojo en 2019 pensando “anime + dificultad = experimento raro”… y luego resultó ser bastante mejor de lo esperado.

No reinventaba nada, pero tenía identidad, estilo y suficientes ideas propias como para justificar su existencia en un género dominado por gigantes.

Ahora llega Code Vein 2, y aquí viene la paradoja: es claramente un juego mejor que el original en casi todos los aspectos técnicos y de diseño… pero se siente menos especial.

No porque haga algo mal, sino porque el género Souls-like ha evolucionado a una velocidad absurda, y esta secuela, pese a ser sólida, parece correr un maratón con pesas en los tobillos.

Anime, vampiros y viajes en el tiempo

Esta vez la historia nos lleva a un futuro postapocalíptico donde humanos y Remanentes —vampiros con problemas existenciales— conviven como pueden. La cosa se tuerce (obviamente) y tu líder, Lady Lavinia, decide que la mejor solución es enviarte al pasado para alterar el destino de tres héroes caídos.

Sí, viajes en el tiempo, tragedias predestinadas y drama con estética de opening de anime: todo muy Code Vein, todo muy intenso.

La narrativa, en general, funciona. Los personajes están bien escritos, tienen motivaciones claras y el juego se toma el tiempo para que los conozcas de verdad. Lou y Holly, en particular, destacan gracias a diálogos bien llevados y un doblaje que vende muy bien el drama. Además, algunas decisiones que tomas influyen en el final, lo que añade un pequeño empujón de rejugabilidad.

El problema es el ritmo. Hay demasiadas escenas cinemáticas eternas donde los personajes se quedan hablando… y hablando… y hablando. Algunas están bien dirigidas, pero muchas cortan la inercia del juego justo cuando empezabas a sentirte en control. No es que la historia sea mala, es que a veces parece olvidar que estás jugando y no viendo una serie.

El verdadero endgame es crear tu personaje y gameplay de Code Vein 2

Antes de repartir espadazos, toca crear protagonista, y aquí Code Vein 2 saca músculo. El nivel de personalización es ridículamente amplio.

No hablamos solo de caras y peinados, sino de ropa, accesorios, capas, guantes, botas y conjuntos completos que parecen sacados de una pasarela postapocalíptica. Si te gusta que tu guerrero luzca como modelo de portada de JRPG gótico, aquí vas a perder fácil una hora sin darte cuenta.

En combate, el juego vuelve a apoyarse en su sistema de Códigos de Sangre, que funcionan como clases intercambiables con habilidades y estadísticas propias. Es una idea que sigue siendo interesante porque te permite cambiar de estilo sin empezar de cero, pero también puede volverse un poco pesada cuando quieres experimentar y te das cuenta de que subir nuevos códigos requiere tiempo y farmeo.

Las peleas normales son entretenidas, aunque muchos enemigos comunes caen con demasiada facilidad. Luego llegan los jefes y el juego pisa el acelerador de golpe. Los combates importantes sí exigen aprender patrones, gestionar bien la resistencia y usar habilidades con cabeza. El salto de dificultad puede sentirse brusco, pero al menos evita que todo se vuelva un paseo.

Los compañeros controlados por la IA regresan y siguen siendo clave. No solo ayudan en combate, también influyen en habilidades y mejoras de armas, añadiendo una capa estratégica extra. No es revolucionario, pero sí lo bastante profundo como para mantener las batallas interesantes durante muchas horas.

Un mundo grande… y a veces vacío

El juego apuesta por un mundo amplio que transmite sensación de escala desde el principio.

Sobre el papel suena genial, pero en la práctica hay tramos de exploración que se sienten alargados sin demasiada sustancia entre punto y punto. Sí, tienes una moto futurista para moverte más rápido, pero controlarla es más incómodo de lo que debería. Se siente rígida y poco precisa, lo cual es casi un crimen cuando tu mapa es tan grande.

Las mazmorras opcionales ofrecen retos adicionales y buenas recompensas, pero reciclan tanto sus estructuras y enemigos que acaban pareciendo contenido de relleno más que desafíos memorables.

Visualmente, Code Vein 2 cumple con creces si te gusta la estética anime estilizada. Personajes expresivos, efectos vistosos y entornos coloridos dentro de su tono apocalíptico hacen que el juego tenga personalidad propia. No compite en realismo, pero tampoco lo necesita.

Donde sí tropieza es en el rendimiento. Incluso en hardware potente, el framerate sufre caídas inexplicables en momentos que no parecen especialmente exigentes. Puedes elegir modos gráficos, pero ninguno elimina del todo esos bajones molestos. En un juego donde la precisión en combate es clave, estos tropiezos técnicos se notan más de lo que deberían.

Un buen juego atrapado en un género sobresaturado

Code Vein 2 hace muchas cosas bien. Tiene un sistema de combate competente, personajes interesantes, personalización brutal y una historia que, cuando no se alarga de más, logra enganchar. Pero en un panorama donde los Souls-like experimentan con mundos, narrativas y sistemas cada vez más atrevidos, esta secuela se siente demasiado segura.

No es que no tenga identidad, es que ya no es suficiente. Lo que antes era “el Souls anime diferente” ahora es simplemente “otro Souls anime competente”.

Lo que puedes esperar de Code Vein 2

Code Vein 2 mejora la base de su predecesor con más opciones, mejor narrativa y combates sólidos, pero no logra dar el salto creativo que necesitaba para destacar en un género cada vez más competitivo.

Es disfrutable, especialmente para fans del primero o del estilo anime oscuro, pero también es un recordatorio de que hacer las cosas bien ya no siempre es suficiente.

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