Incisiva en sus declaraciones y tensa en su narrativa. “Cónclave” se alza como una de las fuertes candidatas a los premios Oscar ¿Qué tal está? Entérate en nuestra reseña.

Hace apenas unos días se celebró la premiación de los Globos de Oro y “Cónclave” se llevó el suyo por “mejor guion”, aunque se fue con las manos vacías en otras categorías bastante reñidas, a pesar de lo anterior no deja de pisar fuerte en las próximas nominaciones para los premios Oscar. Su director Edward Berger ya tiene uno gracias a “Sin novedad en el frente” y de no ser por “El Brutalista” podría asegurar que se llevaría de nuevo la estatuilla, lo cierto es que no serán pocas las nominaciones en las que estará presente esta película que sin duda estará dentro de las favoritas del 2024 (aunque en nuestro país se estrene este año).

Basada en la novela homónima de 2013 escrita por Robert Harris, la película nos presenta una situación pocas veces representada en pantalla grande (mucho menos de esta manera) ya que goza de un alto grado de religiosidad y misterio a puerta cerrada, me refiero a la reunión y votación que se realiza en la Capilla Sixtina cada que surge la necesidad de elegir a un nuevo papa, el líder supremo de la iglesia Católica. Como pueden sospechar, el suceso da pie a muchas situaciones incómodas para los más religiosos, pero por otro lado sustenta su narrativa con un suspenso que en lo personal me tomó por sorpresa.

¿DE QUÉ TRATA “CÓNCLAVE”?

El papa ha muerto, así que 103 cardenales de todo el mundo hacen el viaje a Roma para encerrarse por el tiempo que sea necesario para elegir (de entre ellos) al sucesor y siguiente cabeza de la iglesia católica, billones de fieles en el mundo esperan con fe y curiosidad el resultado, pero no todo es tan pacífico y “santo” como parece indicar el entorno.

El señalado para conducir la secreta votación es el cardenal Lawrence (Ralph Fiennes), miembro allegado al fallecido papa, quien para su mala suerte se encuentra en una crisis de fe, afortunadamente para su labor cuenta con la amistad del cardenal Bellini (Stanley Tucci), cardenal también que suena fuerte como próximo sucesor del papa a pesar de sus ideas progresistas. Poco a poco iremos descubriendo más y más personajes dentro del colorido grupo de cardenales que esconden sus verdaderas intenciones y ansias de poder detrás de un manto religioso que debería de imponer respeto y honestidad, desarrollando así poco a poco una trama de suspenso que deja en duda si el siguiente papa realmente merece el honor.

LO BUENO DE “CÓNCLAVE”

Aunque la historia tarda un poco en arrancar, cabe señalar que las dudas y sospechas aparecen bastante pronto dentro de la narrativa, la cual va construyendo poco a poco una tensión digna de una película con tintes políticos, aumentada en su dramatismo y conflicto debido al recinto en el que se desarrolla la trama. En este sentido es el guion de Peter Straughan (apoyado en la novela de Robert Harris), los que colocan diálogos muy efectivos en boca de los distintos personajes, además de situaciones que causarán mucha controversia entre los espectadores y revuelo dentro de los más fanáticos de la iglesia católica.

Los filosos diálogos no serían lo mismo sin el gran reparto que se eligió para darles vida y de no ser porque la academia ama los personajes como el que Adrien Brody encarnó en “El Brutalista” estaríamos hablando de una posible estatuilla para Ralph Fiennes, quien tenía la complicada tarea de hacer creíble la labor de un humano en crisis de fe, pero también muy diligente en cuanto a la labor que le fue impuesta, actuación que se complementa muy bien con el trabajo de Stanley Tucci quien también se pasea por sus propios ángulos haciendo que sus personajes sean muy definidos pero a la vez más complejos de lo que uno podría pensar. El resto del reparto no se queda atrás, pero prefiero guardarme las características esenciales de cada uno de ellos para que sean ustedes quienes las descubran en este juego de sospechas, mentiras y ambición de poder.

Retratar el entorno en el que tiene lugar este drama-thriller religioso no hubiera sido posible sin el tremendo diseño de producción que le da vida a la Capilla Sixtina y la Casa de Santa Marta, obviamente el vestuario que le da color a los (a veces) ostentosos ajuares religiosos, pero sin duda es la fotografía de Stephane Fontaine (“Ammonite”, “Jackie”, “Captain Fantastic”) lo que redondea los bellos y solemnes visuales que engalanan la intensa trama hasta el final.

No puedo finalizar este espacio sin resaltar la cierta valentía que tiene la película para abordar ciertos temas escabrosos de la iglesia católica, pero sobre todo humanizar (y a veces hasta envilecer) la personificación de humanos que aspiran a la santidad pero, como muchas veces pensamos, sucumben ante el pecado más de lo que nos gustaría admitir.

LO MALO DE “CÓNCLAVE”

A pesar de que el giro de tuerca tiene su toque de controversia, de alguna manera se puede percibir desde (al menos) la mitad de la película.

La historia no se salva de ciertas convenciones narrativas que permiten que la película siga fluyendo, además de algunos momentos más bien paródicos y hasta caricaturescos que contrastan de manera negativa con la solemnidad y drama que permea durante gran parte de la película.

Como dije al inicio, la trama tarda en arrancar y sin duda hacer interesante la repetición de una aburrida votación es un tema que el director supo sortear (desde mi punto de vista) pero que no será tan atrayente para algunos espectadores durante dos horas que quizá pudieron ser un poco menos.

¿VALE LA PENA VER “CÓNCLAVE”?

No tiene mucho que la película “Hereje” tuvo la endeble intención de hacer tambalear la fe de algunos creyentes con sus propuestas anti religiosas que perdieron fuerza al final, “Cónclave” por su parte, sostiene mucho mejor la humanidad que tanto ha perjudicado a la iglesia a lo largo de la historia, y es que mucho ha pasado desde que un hombre en sandalias nos dijo que debemos amar al prójimo como a uno mismo, en este largo recorrido las injusticias, traiciones, uniones políticas, perversiones y corrupción de menores han sido el pan de cada día dentro de una institución que se aferra al gran negocio que le traen sus billones de seguidores alrededor del mundo.

La gente inteligente no tomará esta película como un documental fidedigno, ni mucho menos la representación certera de muchas figuras religiosas que (no tengo duda) llevan de manera correcta el difícil camino que eligieron dentro de su fe, pero si se dará una muy buena idea de todo aquello que nos imaginamos que podría suceder dentro de las entrañas de la iglesia y muy específico dentro del desarrollo de una de las votaciones más antiguas en la historia civilizada, todo lo anterior sin olvidar la parte de “entretenimiento” que demanda una película que busca recuperar el costo de su inversión, por lo que aseguro que el thriller propuesto por “Cónclave” valdrá la pena de su boleto.

Aférrense a su crucifijo si son creyentes, aférrense a sus palomitas si no lo son y acudan a ver “Cónclave” a partir de este 9 de enero para que empiecen las apuestas rumbo a la carrera del Oscar.

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‘LA HABITACIÓN DE AL LADO’ el primer largometraje en inglés de Pedro Almodóvar, habla de sus obsesiones recurrentes y nos muestra dos perspectivas de la vida y la muerte. ¿Qué tal está la reciente ganadora del “León de Oro” en Venecia? Lee la reseña para saber nuestra opinión.

Con una gran trayectoria de 24 películas (y otros tantos cortometrajes) a lo largo de 46 años, el calzadeño Pedro Almodóvar no tiene que probarle nada a nadie, sin embargo es ya la tercera ocasión que se coloca a sí mismo en una posición que está fuera de su zona de confort al escribir y dirigir en una lengua que no es la propia, una decisión que no es cualquiera si recordamos lo personal de sus relatos, la repetición de sus gustos y obsesiones durante toda su filmografía.

Es por eso que “La habitación de al lado” levanta expectativas en todos sentidos ¿Podrá el director español colocar su firma a pesar de moverse de latitud y lengua? Sigue leyendo para enterarte de nuestra opinión.

¿DE QUÉ TRATA “LA HABITACIÓN DE AL LADO”?

La escritora de ficción Ingrid (Julianne Moore) está en una firma de su más reciente novela cuando recibe la noticia de que Martha (Tilda Swinton) está hospitalizada. Al irla a visitar se entera que Martha padece un agresivo cáncer, pero tiene la esperanza aún de que un método experimental pueda salvarla de la situación.

El medicamento falla y a Martha le quedan algunos meses de vida, los cuales asume que serán en lenta agonía, así que recurre a Ingrid (aprovechando su fortuito reencuentro) para solicitarle que le ayude a ganarle a la muerte natural, lo único que le pide a cambio es acompañarla, no quiere estar sola cuando llegue el momento, así que le solicita que esté en “la habitación de al lado” cuando el momento llegue.

Muchas dudas acuden a la cabeza de Ingrid y el director español aprovecha el momento para hacer sus propias disertaciones alrededor de temas varios mientras vemos el drama de estas dos amigas y sus tomas de decisión.

LO BUENO

Cuando se habla de una película de Pedro Almodóvar es casi obligado hacer mención del cuidado a detalle en el vestuario, ambas protagonistas justifican muy bien sus elegantes estilos con los cuales definen su personalidad y sin duda está conectada al diseño de producción y gran fotografía de colores contrastantes que predomina en la filmografía de este director y que acá no es la excepción. Muchos de los momentos dramáticos por los que el espectador tendrá que atravesar de la mano de sus protagonistas tienen una belleza propia al estilo de Almodóvar y su mirada estilística gracias a sus movimientos de cámara. En resumen, de manera técnica la película casi no muestra falla.

La elección del casting por parte de Almodóvar fue muy acertado, si bien es posible que Tilda Swinton haya aparecido debido a su anterior trabajo juntos en “La voz Humana” (2020), se dice que ambos tuvieron en mente a Julianne Moore como la indicada para hacer el contrapeso de la mirada macabra del personaje de Swinton. Está casi de más mencionar que ambas hacen un perfecto trabajo y no se siente en ningún momento una competencia por robarse el protagonismo, sino que entendieron perfectamente el importante lugar de cada una y asumieron física e histriónicamente su lugar de manera correcta y adecuada.

El guion de Pedro Almodóvar, aunque recargado en la novela “Cuál es tu tormento” de Sigrid Nunez, es muy inteligente en intercambiar, cual pelota de tenis, las opiniones alrededor de la muerte de sus dos protagonistas, capaz de que seamos hasta cierto punto empáticos con ambas visiones y así poder comprender mejor las decisiones de cada una sin que los juicios propios nos desvíen tanto de las intenciones de la narrativa.

El trabajo de maquillaje para con Tilda Swinton resalta muy bien su proceso de enfermedad, la actriz siempre ha gozado de una figura muy esbelta pero incluso se nota que hubo un esfuerzo físico de su parte para hacer notar el deterioro de una enfermedad como la del personaje que le toca encarnar.

El humor macabro y oscuro con el que constantemente juega Pedro Almodóvar está presente y ayuda un poco a relajar el tenso ambiente en el que se desenvuelve su historia, quizá no todo el humor acierta (no sé si fue el cambio de idioma), pero en general su narrativa es “entretenida” dentro de sus propios límites dramáticos.

LO MALO

Ignoro exactamente de dónde proviene la falla, si fue cortesía de Pedro Almodóvar o de la obra fuente de donde bebe inspiración, el punto es que, quizá con el objetivo de rebasar la hora y media, la película agrega algunas historias y personajes extras que apenas si agregan a la sazón de su historia principal, no estoy diciendo que no tengan su propio contenido y propósito, sino que más bien funcionan como exposiciones aparte de temas varios que giran muy lejanos de la temática principal, en este sentido el error (o a mí me lo pareció) consiste en que estos momentos rompen de alguna manera el ritmo de la película.

A pesar de que en párrafos anteriores se halagó el trabajo de maquillaje, el final cuenta con una decisión (la cual no especificaré más para no arriesgarme a caer en un spoiler) que no sentí tan atinada, es verdad que maquillaje hace lo que puede y de alguna manera entiendo la justificación de esa decisión, pero sin duda resulta más poética que correcta.

De nueva cuenta aparece el final y es que si no están acostumbrados al trabajo de Pedro Almodóvar o no están atentos a su fina (y repetitiva) construcción hacia el poético cierre, se puede entonces entender como un cierre anti climático comparado con los momentos dramáticos que se ofrecen antes, y es hasta cierto punto correcto aseverar que quizá no sea el mejor final, pero si que es adecuado conforme a sus propias intenciones.

VEREDICTO

Ver una película de Pedro Almodóvar es una experiencia que siempre va a generar opiniones divididas y lo mismo ocurrirá en su tercer intento directo para el mercado de habla inglesa, aquellos desencantados por sus contrastes fotográficos y mujeres al mando de las narrativas seguirán decepcionados, porque jamás una película de Almodóvar sabe a otra cosa, pero de alguna manera aquellos fanáticos que ya tiene en la bolsa y todos los que se permitan disfrutar una buena película saldrán contentos (medianamente al menos) con el gran trabajo y momentos de drama que propone “La habitación de al lado”.

Lo mejor que pueden hacer para adentrarse en el más reciente universo de Almodóvar es ponerse en la piel de sus protagonistas y pensar ustedes mismos qué harían en una situación parecida, para que entre en juego su propia moralidad y su propia visión de la amistad, contrapuestos con el pensamiento de sus personajes alrededor de la mortandad, de la maternidad, de la vida, del sufrimiento y el dolor así como la dignidad de un final bajo nuestros propios términos, todo un cuestionamiento con el extra de un par de actrices experimentadas y en gran momento, un lujo que se pudo permitir Pedro Almodóvar y al que se unió incluso John Turturro como parte de sus medios para expresar sus propias manías y preocupaciones, una película que sin ser lo mejor del director es bastante cumplidora en todo sentido y que les llegará a los espectadores de distinta manera de acuerdo a la situación por las que estén atravesando en sus vidas.

Vayan a ver “La habitación de al lado” y sumerjanse una vez más en el universo Almodovariano que propone y decidan ustedes mismos si es justo ganador del “León de Oro”.

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¿Cuál es el origen de Mufasa? El noble rey que conocimos de manera trágica hace más de 30 años. Barry Jenkins nos responde con una película familiar digna del legado Disney.

Fue en 1994 que la casa del ratón nos contó su propia versión de “Hamlet” , marcando a toda una generación que no recibió muy bien su versión “live action”, pero que sin embargo sentó un precedente en cuanto a la manera de llevar la ficción a la realidad. Si a ti te gustó la versión anterior entonces no creo que tengas ningún problema con esta precuela, sin embargo son los detractores de esa versión de 2019 los que seguirán tropezando con su nostalgia.

Hace 5 años fue Jon Favreau el valiente director que se atrevió a “faltarle al respeto” a tan querida obra animada, en este año se eligió al ganador del Oscar Barry Jenkins (“Moonlight”, “If Beale street could talk”) para darle más seriedad al asunto y contar la historia de origen de Mufasa.

Proyecto se recarga en la pluma de Jeff Nathanson (“Piratas del Caribe: La venganza de Salazar”, “Un golpe de altura”, “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”), además del regreso de parte del talento artístico que le dio voz a los personajes anteriormente. Una parte crítica (se comentará este aspecto más adelante) corrió a cargo de Lin-Manuel Miranda quien aportó las canciones que apoyarán el viaje de auto conocimiento que lleva al pequeño cachorro Mufasa hasta la “La Roca del Rey”. Los ingredientes parecen estar presentes pero ¿Funcionan? Sigue leyendo para enterarte de nuestra opinión.

¿DE QUÉ TRATA “MUFASA: EL REY LEÓN”?

Es una época importante dentro del “ciclo de la vida” y tanto Nala (Beyoncé/Fela Domínguez) como Simba (Donald Glover/Carlos Rivera) tienen que abandonar su hogar de manera momentánea, dejando a su pequeña hija Kiara (Blue Ivy Carter/María Regina) a cargo de los locuaces Timón (Billy Eichner/Luis Leonardo Suárez) y Pumba (Seth Rogen/Sergio Carranza), a quienes no se les ocurre una mejor idea que contarle una graciosa historia en medio de una tormenta, sin embargo Rafiki (John Kani/Arturo Mercado) interviene para alivio de la asustada Kiara y así relatar el difícil camino de su abuelo para llegar a ser el noble rey que nunca pudo conocer.

Es así como Rafiki toma la batuta y nos presenta a un pequeño Mufasa, cuya accidentada vida quedará para siempre unida con la de Taka (Theo Somolu/André Real), un cachorro con linaje noble pero carente de las características de un líder. Ambos sufrirán las consecuencias del ambicioso Kiros (Mads Mikkelsen/René García), un león blanco que quiere gobernar toda la sabana africana y que los perseguirá en busca de venganza.

LO BUENO de “MUFASA”

El aspecto visual se mantiene en comparación a lo ofrecido hace 5 años, se agradece mucho el cuidado en el detalle, cada pelo, cada roca, cada gota de agua luce muy bien.

Lo que si mejora y mucho es el ritmo, además del movimiento de las imágenes para contarnos la historia, se nota la mano de un director mucho más artístico que seguramente debió luchar mucho por tratar de darle su toque a un producto que se sabe dirigido completamente al éxito comercial.

El doblaje mexicano siempre ha estado a la altura y de nueva cuenta Katya Ojeda (“Tron: El legado”, “Star Wars Episodio IX”, “Space Jam: Una nueva era” y un largo etcétera) entrega un muy buen trabajo adaptando la obra al español para no perder la gracia y dramatismo en voces experimentadas dentro del mismo rubro, un elemento poco mencionado pero importantísimo para el mercado infantil y todos aquellos que prefieren el español por encima del idioma original.

El guión detrás de Mufasa

En su momento Jon Favreau tuvo un trabajo más “fácil” al llevar a la animación hiperrealista una historia ya conocida por todos, en el caso de “Mufasa” el difícil objetivo del guion sería contar una historia de origen nueva, que de alguna manera conectara con el canon de la historia original, añadiendo el drama y humor necesarios para intentar hacerla igual de memorable.

Mi sentir es que estuvieron bastante cerca y es que la animación logra dar mucha ternura cuando se trata de los pequeños personajes, pero el guion los va dotando de los antecedentes y crecimiento argumental como para que nos interese aquello que les ocurra sin importar que, de alguna manera, ya sepamos de antemano su futuro.

En este sentido, el guion incluso acierta en darnos muchos referentes que sirven como golpes de nostalgia y hasta explicación al comportamiento posterior de los personajes. No ahondaré en más explicaciones para evitar spoilers pero basta decir que sus personajes tiene el justo desarrollo para llevar a buen puerto su narrativa.

La grandiosidad del guion está respaldado por el gran talento que estuvo detrás de Barry Jenkins para la realización de la película, no son pocos los planos abiertos para mostrarnos el vasto territorio africano, pero también son bien ejecutados los acercamientos que añaden dramatismo, así como los planos secuencia o diversas escenas de acción, los constantes reflejos y hasta cambios en el paisaje, todo llevado de manera estética casi a la perfección.

LO MALO de “MUFASA”

Las canciones de Lin-Manuel Miranda no encajan casi en ningún momento, son estos pedazos musicales los que se sienten hasta ajenos a la película y el “tono Disney” en general, tiene apenas unos días que pude ver la película y honestamente no recuerdo ni una sola canción, para ser justo debo mencionar que no soy fanático del compositor neoyorquino, pienso que se exageran sus dotes musicales, pero ya serán ustedes mejores jueces auditivos que yo a la hora de que se presentan estos números musicales.

En gran parte debido al ingreso de estos musicales que parecen de trámite, pero también debo agregar que a la historia le sobran unos cuantos minutos, dos horas de duración es algo exagerado para una historia cuyo desenlace ya conocemos.

El villano es algo genérico y aunque de manera narrativa es un buen vehículo para que Mufasa tenga su arco argumental, sus motivaciones y ambiciones son algo simplonas, se agrega por ahí un elemento de venganza que intenta justificar su actuar, pero en general se pierde dentro de su propio objetivo, un villano olvidable que por lo mismo no afecta a la película para bien, pero afortunadamente tampoco para mal.

VEREDICTO FINAL de MUFASA

Muchos factores están afectando la industria del entretenimiento y una de las quejas más comunes en el cine es el exceso de secuelas y precuelas (ahora hasta recuelas), la falta de historias originales y la aparición de películas que parecen completamente innecesarias, en este sentido “Mufasa: El rey león” es definitivamente una historia que nadie estaba pidiendo y sin embargo llega de manera más que competente a la pantalla grande.

Una historia que se apega a la fórmula, que persigue el éxito en taquilla pero que también nos deja algunos flashazos de genialidad, sobre todo en su apartado técnico y la mirada que el director alcanzó a lanzar por encima de ella.

Su trama acude a la presentación básica del camino del héroe, se recarga en algunos momentos cliché y finalmente un discurso facilón que cierra la exposición de unión a pesar de nuestras diferencias, sin embargo todo lo anterior no deja de ser funcional y hasta emocionante sin olvidar sus toques de humor cortesía de Timón y Pumba.

La nostalgia e idealización de nuestros recuerdos fueron los principales enemigos de la versión anterior, sin duda serán los principales enemigos de esta nueva historia, pero para todos aquellos que estén más abiertos a pasarla bien en el cine “Mufasa: El rey león” ofrece muy buenos momentos para pasarlos en familia, cierta inocencia y simplicidad para el mercado infantil, pero buenos acabados y una historia un poco más seria de fondo para los más grandes, narradas ambas con el estilo de un buen director y el presupuesto de una millonaria corporación como es Disney.

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