Cine
“Rifkin´s Festival” | Reseña sin spoilers
Woody Allen regresa, como casi cada año, a la pantalla grande. Hace tiempo que esto dejó de ser un suceso esperado ¿Es hora de romper la maldición? Acá te contamos.
Desde “What´s Up, Tiger Lily?” (1966) solo en siete ocasiones el director neoyorquino ha fallado en entregar un trabajo de manera anual, siendo “Rifkin´s Festival” su película correspondiente al 2020, sin embargo cabe señalar (y esto a título muy personal), que la última película que me quitó el sueño y despertó mucho interés se remonta al 2008, la entrega de ese año fue “Vicky Cristina Barcelona”, y es que es imposible que una obra tan prolífica no vea mermada su calidad y las temáticas se noten un tanto repetitivas, si a lo anterior le agregamos que a Woody Allen se le está pasando la factura de sus decisiones personales en el pasado, es más que comprensible que su (aparente) inacabable creatividad se vea disminuida entre los conflictos de la edad (cuenta actualmente con 86 años), la condena pública, los dichos de actrices que han trabajado con el y un documental que lo deja muy mal parado.
Para fortuna de todos (y más allá de la inocencia o culpabilidad en su quehacer privado), al parecer está de regreso, con una temática que nos parece más que reconocible a todos los que estemos familiarizados con su trabajo, pero que le dota (por fin) de cierta frescura, no solo abandonando su eterno Nueva York sino dotando a su alter ego de una especie de introspección y auto redención que solo podría dar el tiempo y sus circunstancias, mientras aprovecha el viaje para rendir un sentido tributo a las películas y autores que lo formaron.
¿DE QUÉ TRATA?
El inseguro escritor Mort Rifkin (Wallace Shawn) acude al Festival de San Sebastián sobre todo porque piensa que su esposa Sue (Gina Gershon) está enamorándose de uno de los clientes de su agencia de publicidad, la sensación francesa en el circuito cinematográfico, un pretencioso director de nombre Philippe (Louis Garrel), el mundo del cine y el circuito de festivales (en términos modernos al menos), no son una experiencia grata para Mort, quien está enamorado de los clásicos sobre los cuales en algún momento dio cátedra, todos bajo el sello de nombres consagrados como Orson Welles, Jean-Luc Godard, Akira Kurosawa, François Truffaut o Luis Buñuel.
El constante sentimiento de no pertenencia saca a flote la (tan visitada por Allen) hipocondría de Mort, lo que lo orilla a visitar a la doctora Jo Rojas (Elena Anaya) con quien tiene un enamoramiento casi universitario que pretende nivelar el posible amorío de su esposa. El hermoso paraje hace que los sentimientos salgan a flote, pero los problemas también, lo que lleva a Mort a pensar en el verdadero sentido de la vida (o de la suya al menos).
LO BUENO
La ciudad de Donostia luce maravillosa, acogedora y hasta nostálgica gracias a la cinematografía de Vittorio Storaro (“Apocalypse Now”, “El último Emperador”) que le aporta un dorado casi mágico que contrasta muy bien con el blanco y negro de las secuencias de ensoñación del personaje principal.
El guion es típico de Woody Allen, los fanáticos no extrañarán los comentarios intelectuales y el sarcasmo ingenioso, pero se añade además una introspección pocas veces vista en sus trabajos, además de escenas “prestadas” de grandes clásicos del cine que serán una gozada para cualquier entendido en sus referencias, pero equilibrado en su sentido del humor para aquél que no entienda de donde provienen las secuencias en blanco y negro.
El talento del director y cinematógrafo se unen para regalarnos diversos planos muy bellos, el aspecto visual en general tienen una manufactura muy buena (quizá no espectacular), y aunado a la música y actuaciones puede ser que no se coloque como el mejor trabajo de Allen pero sí de lo más presentable en todos los aspectos que le he visto en los últimos años.
La comedia no perdona los momentos de crítica social, no solamente a las relaciones de pareja (como tanto acostumbra) sino a la industria en la que se ha convertido el cine, un monstruo ávido de dinero que tiene que recurrir a disfrazar lo banal de arte para no sentir remordimientos, definitivamente el cine ya no es lo que solía ser y Woody Allen ha estado más de cincuenta años en primera fila para atestiguarlo, para bien o para mal la industria ha cambiado, los medios de entrega han cambiado y sin tomar partido alguno creo que es valiosa la percepción de un director hecho (todavía) a la vieja escuela.
Salvo algunos momentos, el ritmo es muy bueno y el final es un toque agridulce que resulta en la cereza del pastel.
LO MALO
Como ocurre con casi cualquier creativo, es muy posible que el toque del director se sienta por momentos repetitivo y a pesar de las sutiles diferencias no me sorprenderá que muchos tilden a esta película como “una más” dentro del acervo del neoyorquino.
La coproducción estadounidense, española e italiana, así como el entorno en el que se desarrolla la historia justifica muy bien el reparto variopinto de la historia, sin embargo no estoy seguro de si la elección de éste fue la mejor, lo que hace que la historia se sienta un poco fuera de balance en cuanto al trabajo actoral de algunos de sus interpretes.
Las referencias directas a la obra de los directores arriba mencionados pasarán desapercibidas para aquellos que no estén acostumbrados a ver películas del siglo pasado, si bien (como dije arriba), no es requisito para “entenderle” a la trama, si que será uno de los puntos más fuertes de la historia, un tributo en general que pasará de largo a cierto parte del público.
El ego (golpeado pero no extinto) del director hace que la historia gire alrededor del personaje principal sin permitirle (casi) a los demás personajes presentar un arco que tenga que ver más allá de la relación que tienen con Mort, lo que la hace por momentos en un monólogo que los más acostumbrados entenderán, pero que se hubiera agradecido un trato más redondo para con los personajes secundarios.
VEREDICTO
Sin estar a la altura de las obras que hicieron de Woody Allen un ícono y referente cultural (hoy golpeado y venido a menos), “Rifkin´s Festival” resulta un respiro en una serie de obras muy medianas, donde se nota el exilio comercial del que ha sido objeto este director, lo que se refleja en un guion, quizá igual de personal que todos los anteriores, pero distinto en su autopercepción y pertinente en la reflexión que hace de el mismo (a través de su alter ego) sobre la importancia y el valor de las cosas, el regreso a las eternas preguntas que mueven a la humanidad, en lugar del regodeo en las mismas historias, en los mismos “problemas”, muchas veces abordados simplemente por moda o en busca de algún beneficio económico y la retribución en taquilla.
No me cabe duda que los fanáticos de este director sabrán que esperar, el reto es con aquéllos que se quieran acercar por primera vez a su estilo, aquéllos enemigos que se echó a la bolsa por sus problemas personales, la soberbia que un día lo llevó a no asistir a la entrega de premios Oscar (a pesar de llevarse la estatuilla) es de alguna manera puesta sobre la mesa, lo que se siente no como un arrepentimiento o redención sino como el hecho de que dentro de toda su pedantería, son temas que también se ha llevado a la cama para la reflexión.
A veces el mejor cine es el más humano, el cine que confundimos con aburrido, porque la vida no es siempre dinámica, no es siempre feliz, no es siempre cómica como no puede ser siempre trágica y en medio de tantas secuencias irreales, Woody Allen nos entrega un pedacito muy real de sí mismo y por ende de las relaciones humanas, con la esperanza de que, como Mort, nosotros también hagamos un autoexamen y revisemos los actos que nos han llevado al día de hoy, si tenemos el poder de cambiar, de mejorar, si no es demasiado tarde. Lo único que puedo opinar es que si a los 85 años Woody Allen está proponiendo esto, seguramente todos tenemos la oportunidad de buscar nuestro sentido en la vida.
La película estrena el día de hoy 20 de enero en algunas salas nacionales y recomiendo mucho que no se pierdan la oportunidad de ver la propuesta de un neurótico amante del cine.
Cine
LETRAS ROBADAS | Reseña
Las historias sobre músicos frustrados suelen inclinarse hacia el drama, pero Letras Robadas opta por un camino mucho más optimista
Una cálida comedia musical sobre los sueños, el éxito y las segundas oportunidades
Las historias sobre músicos frustrados y oportunidades perdidas suelen inclinarse hacia el drama, pero Letras Robadas opta por un camino mucho más ligero, cálido y optimista, la cual podemos disfrutar en las salas de Cinépolis gracias a Cinépolis Distribución, ofreciendo una experiencia sencilla, divertida y reconfortante que deja una sonrisa al salir del cine.
Paul vs Nick.
Dirigida por John Carney, Letras Robadas o Power Ballad, sigue a Rick (Paul Rudd), un músico talentoso que alguna vez soñó con triunfar en la industria, pero que ahora pasa sus días tocando en bodas y eventos para ganarse la vida. Su rutina cambia inesperadamente cuando conoce a Danny (Nick Jonas), ex-integrante de una exitosa boy band que, a diferencia de sus antiguos compañeros, nunca consiguió consolidar una carrera como solista.Tras una noche de inspiración y colaboración musical, Danny termina convirtiendo una canción creada por Rick en un éxito mundial, el problema es que lo hace sin otorgarle ningún crédito, detonando así el conflicto principal de la historia.
Lo bueno.
Lo mejor de Letras Robadas es la sencillez en su premisa y humor que se ejecutan de una manera precisa y efectiva para entregarnos un divertido drama musical, algo que para nada es fácil de lograr y es que si bien desde su título sabemos de qué va (al punto de ser predecible) es la manera en que se desarrolla la historia donde la película hace magia.
Y es que Letras Robadas es que no se limita a ser una historia sobre plagio musical o disputas legales, sino que utiliza esta situación para explorar temas mucho más universales, como los sueños que dejamos atrás, la necesidad de reconocimiento, las oportunidades perdidas y la importancia de valorar aquello que ya forma parte de nuestras vidas.
En el apartado actoral sin duda Paul Rudd se lleva la cinta y nos recuerda que un humor sencillo es siempre efectivo.
Gran parte del encanto de la cinta recae en su humor, aún cuando no se trata de una comedia explosiva ni llena de situaciones extravagantes, sino de un humor sencillo, bien construido y apoyado en personajes entrañables. En ese sentido, la química entre Paul Rudd y Nick Jonas funciona muy bien y de una manera sutil; ambos actores logran transmitir una amistad/rivalidad creíble y natural con sus respectivos conflictos internos que ayuda a sostener incluso los momentos más predecibles de la trama.
La película logra ocultar sus fallas en sus aciertos.
La historia sigue una estructura bastante convencional y muchos de sus giros pueden anticiparse con facilidad, vamos, su estructura es algo que ya hemos visto, aunque el verdadero atractivo no está en sorprender al espectador, sino en la forma en que desarrolla sus personajes y en la calidez con la que aborda sus conflictos.
Su desenlace también apuesta por una visión idealizada y romántica de los acontecimientos, algo que podría no convencer a quienes buscan un retrato más realista; sin embargo, esa misma decisión es parte fundamental de su identidad, Letras Robadas no pretende ser una reflexión amarga sobre la industria musical, sino una película optimista diseñada para hacer sentir bien al público.
Conclusión.
Letras Robadas cae bien como un tecito de manzanilla con miel: reconfortante, cálida y perfecta para quienes buscan tomarse un respiro de historias más complejas o pesadas; una película que, sin reinventar nada, encuentra su fuerza en la sencillez, el carisma de sus protagonistas y un mensaje que invita a valorar tanto los sueños que perseguimos como las cosas buenas que ya tenemos.
Letras Robadas ya se estrenó en las salas de Cinépolis.
Letras Robadas | Reseña sin spoilers
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Guion
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Dirección
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Actuaciones
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Score
Letras Robadas | Reseña sin spoilers
Letras Robadas cae bien como un tecito de manzanilla con miel: reconfortante, cálida y perfecta para quienes buscan tomarse un respiro de historias más complejas o pesadas; una película que, sin reinventar nada, encuentra su fuerza en la sencillez, el carisma de sus protagonistas y un mensaje que invita a valorar tanto los sueños que perseguimos como las cosas buenas que ya tenemos.
Cine
Disney estrena el tráiler final del live-action de Moana
Disney ha lanzado un tráiler final de la cinta live action de Moana lleno de acción junto con varios pósteres y emocionantes noticias
Disney ha lanzado un tráiler final de la cinta live action de Moana lleno de acción junto con varios pósteres y emocionantes noticias sobre el reparto.
Las entradas para la nueva versión de live actio de Moana de Disney ya están a la venta. Junto con esta noticia, llega un nuevo tráiler de la películ, protagonizada por Catherine Laga’aia como la intrépida exploradora Moana y Dwayne Johnson, quien retoma su papel como el astuto semidiós Maui.
El nuevo tráiler no presenta grandes sorpresas, ya que parece una adaptación bastante fiel de la querida película de animación de Disney.
Aquella ya era visualmente impresionante, por lo que este adelanto no logra superarla (disminuyendo un poco el impacto habitual de ver la animación cobrar vida de esta manera).
El anterior tráiler de Moana recibió una respuesta mayoritariamente negativa, con muchas críticas dirigidas a la peluca y el traje musculoso de Johnson.
Muchas expectativas alrededor de Moana
Como era de esperar, no se han realizado cambios importantes en Maui desde la última vez que lo vimos, y así es como está.
En definitiva, Disney confía en que las familias acudan a ver esta película, especialmente porque Moana es una de sus franquicias animadas más exitosas.
A este increíble elenco de talentos del Pacífico se une Jemaine Clement, quien ahora ha confirmado que retomará su papel como la voz del cangrejo gigante y obsesionado con el glamour, Tamatoa, el mismo personaje al que dio voz en la versión animada de Moana.
Clement se une al elenco previamente anunciado, que incluye a Laga’aia como Moana, Johnson como Maui, Rena Owen como la venerada abuela Tala de Moana, John Tui como el sensato padre de Moana, el jefe Tui, y Frankie Adams como la juguetona y decidida madre de Moana, Sina.
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La película está dirigida por Thomas Kail, ganador de los premios Emmy y Tony (Hamilton); producida por Dwayne Johnson, Beau Flynn, Dany Garcia, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda.
Cuenta con la producción ejecutiva de Scott Sheldon, Charles Newirth, Kail y Auliʻi Cravalho, quien prestó su voz a Moana en las películas animadas Moana y Moana 2.
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Cine
Así son los vasos y palomeras de Toy Story 5 en Cinépolis
La nueva colección vasos y palomeras de Cinépolis inspirada en Toy Story 5 reúne a algunos de los personajes más queridos de la franquicia
La nueva colección vasos y palomeras de Cinépolis inspirada en Toy Story 5 reúne a algunos de los personajes más queridos de la franquicia que apelan directamente a la nostalgia de quienes crecieron acompañando las aventuras de Woody, Buzz y sus amigos.
Primero apareció una pieza. Después comenzaron las especulaciones. Luego llegaron los videos, las publicaciones, los grupos de coleccionistas y las listas de “la necesito”. Y ahora sí podemos verla completa.
La colección incluye:
- Palomera 3D protagonizada por Buzz Lightyear, Jessie y Lilypad. Precio: $785 pesos.
- Snack & Drink inspirado en Buzz Lightyear. Precio: $549 pesos.
- Vasos 3D coleccionables de Woody, Jessie y Buzz Lightyear. Precio: $245 pesos.
- Vasos Stackable inspirados en Rex, Alien, Buzz Lightyear y Woody. Precio: $39
Ahora resulta más fácil entender por qué la conversación comenzó a crecer en internet.
Las piezas, que parecen haber llegado directamente desde el cuarto de Andy, fueron desarrolladas por Ping Solutions.
El amor de los fans a Toy Story
Con la colección completa finalmente revelada, tu niño interior podrá decidir cuál de estos personajes merece un lugar en su colección.
Información sobre fechas, disponibilidad, preventas deberá consultarse exclusivamente a través de los canales oficiales de Cinépolis.
El amor de los fans hacia Toy Story es un fenómeno cultural y generacional verdaderamente inquebrantables.
Desde el revolucionario estreno de la primera película en 1995, el público no solo adoptó a Woody y Buzz Lightyear como íconos del cine, sino como compañeros de vida.
Los espectadores que eran niños en los años noventa crecieron a la par de Andy, experimentando en carne propia la melancolía y el dolor de tener que despedirse de la infancia.
La genialidad de Pixar radica en transformar juguetes en espejos de la experiencia humana, abordando temas complejos como los celos, la crisis de identidad, la lealtad y el inevitable arte de madurar.
Este profundo lazo emocional convierte cada secuela en un evento nostálgico masivo, donde adultos y nuevas generaciones se unen en las salas de cine.
Para la comunidad, Toy Story no es solo animación; es un refugio eterno sobre el valor de la amistad.
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