Uno de los videojuegos más aterradores regresa con un remake imperdible para los fans de la franquicia y del género.

A inicios de los 2000´s Koei Tecmo nos entregó su propuesta dentro del género de los survival horror con FATAL FRAME, un juego que apostó por un tipo de terror enfocado en las maldiciones y el folclor japonés (justo en la misma época en el que las películas de terror japonesas se popularizaron) y un gameplay enfocado en el uso de una cámara fotográfica para defendernos. Si bien su primera entrega nos causó pesadillas, su secuela, FATAL FRAME II: Crimson Butterfly, mejoró en todo aspecto a su antecesor con una historia nueva y más profunda, un control más pulido y un escenario mucho más grande (pero igual de claustrofóbico), explotando a la perfección todos los elementos de terror que vemos en las mejores cintas de este estilo; con lo que se ganó el reconocimiento a uno de los juegos más aterradores jamás hechos.

Ahora, Team Ninja y Koei Tecmo nos presentan FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake, juego que logra la difícil tarea de recrear el terror del título original y adaptarlo a tiempos modernos de una manera casi imperceptible, pero muy sustancial e inclusive logrando ser la versión definitiva con nuevas mecánicas en su jugabilidad, controles mejorados, una atmósfera mucho más aterradora e historia expandia. A continuación les cuento el porqué sí o sí deben jugar FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake si aman los juegos de terror.

El Ritual del Sacrificio Carmesí.

FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake nos presenta a las gemelas Mio y Mayu Amakura, quienes tras perderse en el bosque llegan al pueblo fantasma conocido como la Villa Minakami, un lugar que ha quedado maldito tras un ritual fallido y que ejerce cierta fuerza sobre las acciones Mayu. Nosotros tomaremos el papel de Mio y nuestra misión será encontrar a Mayu y escapar del lugar, pero no será tarea fácil, ya que el lugar es acechado por almas en pena y nuestra única arma será la Cámara Obscura, una cámara fotográfica especial con la capacidad de exorcisar a fantasmas.

Control y jugabilidad modernizados sin perder el terror.

Dicho lo anterior, la jugabilidad se enfoca en explorar el pueblo fantasma mientras vamos exorcizando a los distintos fantasmas a los que nos vayamos encontrando haciendo uso de la Cámara Obscura; mientras exploramos tendremos una cámara en tercera persona por encima del hombro, pero cuando hacemos uso de la Cámara cambia a primera persona, esto no solo para agregar una capa extra de terror al ver en primer plano a los aterradores espíritus, sino que es parte esencial para exorcizar a los demonios y es que dependiendo de lo bien que enfoquemos, el timing (o el momento en que indique la cámara), el tipo de película y el filtro que utilicemos, dependerá el daño que causemos al fantasma y entre mejor lo hagamos, más rápido los exorcizamos.

Tal vez en papel suene complejo el estar al pendiente de estos elementos, pero lo cierto es que en la práctica es muy intuitivo y fácil de entender y aplicar, la propia Cámara Obscura nos guiando para tomar mejores fotografías y causar el máximo daño, eso sí, muchas veces las ventanas para lograrlo son reducidas y pondrán a prueba a nuestros reflejos, sobre todo contra los espíritus más fuertes que tienen patrones de movimiento rápidos y hasta impredecibles, siendo vital identificar el momento de esquivar si hemos perdido la toma o el timing para fotografiar y es que las fotografías que más pueden causar daño sin justamente cuando tenemos al fantasma casi encima nuestro, algo que muchos pudieran considerar injusto, pero es parte del juego y si lo sienten muy difícil se ofrece la opción de cambiar el nivel de dificultad (fácil, medio, difícil) en cualquier momento.

La sensación de vulnerabilidad y terror siempre presentes.

Algo que me encantó del juego es que nunca se deja de sentir la sensación de miedo o esa vulnerabilidad de estar entre fantasmas solo con una cámara como arma y es que cada vez que tenemos cierta sensación de seguridad, los ruidos ambientales combinada con su banda sonora y hasta algunos jump scares, nos sacan de esa zona y nos recuerdan que estamos en medio de la nada en pueblo maldito, lo cual se enfatiza con nuestra protagonista Mio, una adolescente con un diseño que pareciera frágil y cuyo único motor es encontrar a su hermana, por lo que sus movimiento son lentos y torpes porque si bien está enfrentando a estos fantasmas, no deja de sentir terror al hacerlo (como nosotros).

Siendo la atmósfera los efectos de sonido un elemento vital para este juego, desde los lamentos de los espíritus hasta cuando escuchamos que movemos un lato mientras caminamos, todo está cuidado para conservar esa sensación de horror y si a eso le sumamos la dirección de arte y hasta el añadido de un filtro granular (el cual se puede quitar) que nos hace sentir en una película de terror de hace años, tenemos una de las ambientaciones mejor construidas dentro de un juego de terror.

Y no es que los controles no sean orgánicos o responsivos, todo lo contrario, el control moderno está muy bien logrado y pensado para tiempos actuales, pero esto también va de la mano con los movimientos de Mio que deben ser acorde a su personaje y su narrativa, por ello resultaría absurdo quejarse de que no corra o esquive de una manera mucho más rápida o menos torpe, cuando eso es claramente a propósito pues se respeta el perfil del personaje.

Mejorando la experiencia original (algo que todo remake debe hacer).

Además de la clara mejora gráfica, el juego ofrece muchos cambios que, aunque sutiles, cambian la experiencia de juego y de hecho, si no han jugado el original en años es probable que ni se den cuenta de ello, como el cambio de la cámara que pasa de estar fija a estar sobre el hombro en tercera persona o un mejor control en el manejo de la Cámara Obscura. Así como el poder ir de la mano con Mayu para restaurar la salud y hasta misiones secundarias que tratan de expandir la historia y el lore y un nuevo final para este remake.

Gráficamente luce aterrador (en el buen sentido), los efectos de iluminación, los detalles en las estructuras, objetos, fantasmas y ese filtro granulado (que insisto es opcional), hacen de esta entrega la mejor a nivel gráfico y que contrasta a la perfección con el diseño de las protagonistas.

Además, este remake ofrece mucha rejugabilidad al tener varios finales y muchos desbloqueables postgame.

Pero al igual que Mayu, este remake cojea en ciertos puntos.

En términos generales FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake es un juego muy sólido, aunque no perfecto, a nivel gráfico llega a presentar algunas caídas de frame rate (irónico) y en jugabilidad las misiones secundarias lejos de ayudar a hacer una experiencia más redonda, se sienten innecesarias y no recompensan el esfuerzo, inclusive adelantando esa sensación por momentos que da de un gameplay repetitivo.

Conclusión.

FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake logra algo que pocos remakes consiguen: respetar la esencia de un clásico mientras lo adapta con inteligencia a los estándares actuales; Team Ninja y Koei Tecmo entregan una experiencia que destaca por su atmósfera opresiva, su diseño sonoro impecable y una jugabilidad que, aunque más accesible, mantiene intacta esa sensación de vulnerabilidad que define a la saga. Si bien presenta algunos tropiezos técnicos y decisiones de diseño que no siempre terminan de cuajar, como misiones secundarias que no compensan del todo el tiempo invertido, estos detalles no opacan el resultado final y estamos ante una reinterpretación sólida, cuidadosamente construida y, para muchos, la mejor forma de experimentar esta historia, demostrando el porqué esta entre los mejores juegos de terror.

Ya sea que regreses a la Villa Minakami o la visites por primera vez, este remake se posiciona como una pieza imprescindible dentro del survival horror moderno, demostrando que el miedo, cuando se hace bien, nunca pasa de moda. FATAL FRAME II: Crimson Butterfly Remake ya está disponible en PlayStation 5, NIntendo Switch 2, Xbox Series X|S y PC.

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Te gusta la novia de tu mejor amigo, pero está muerto ¿Te considerarías chapulín? Esta y otras preguntas románticas propone esta película. Entérate de más detalles en nuestra reseña.

Esta es la tercer historia de la novelista Colleen Hoover que es llevada a pantalla grande, no le tomó mucho tiempo darse cuenta que el romance sigue siendo negocio aún fuera de sus páginas, así que en esta ocasión se sube al barco como productora y guionista, aunque se apoya en Lauren Levine quien también estrena puesto en su primera escritura y se agrega a la fórmula Vanessa Caswill en su segundo largometraje (aunque para ser honestos tiene experiencia en formato televisivo).

La novelista tiene a su favor el hype que han causado sus novelas, el recibimiento favorable que han tenido sus películas (incluso con todo y la controversia de “Romper el círculo“) y por supuesto, un mercado femenino que está siempre deseoso de llenar las salas de cine con el objetivo de suspirar y llenar el vacío romántico. Y es que esta historia va a necesitar que el espectador brinde concesiones, pero empecemos por el principio.

¿DE QUÉ TRATA “NO TE OLVIDARÉ”?

Kenna Rowan (Maika Monroe) acaba de salir de prisión dos años antes de su condena debido al buen comportamiento, acusada de homicidio involuntario en contra de su novio, después de un accidente automovilístico en donde fue encontrada con rastros de sustancias tóxicas.

El primer paso de Kenna fuera de la cárcel es regresar a su pueblo natal, el lugar del accidente, ya que en prisión tuvo una hija, fruto del amor que se tenía con su novio fallecido pero que nunca ha podido ver debido a que la bebé nació prematura y se la quitaron de manera inmediata después del parto.

La situación no pinta bien para Kenna, quien además tiene en su contra el odio natural de Grace (Lauren Graham) y Patrick (Bradley Whitford), ambos padres de su expareja y quienes piensan que no tuvo remordimientos después de lo sucedido.

Para fortuna del romance (viva el amor), aparece Ledger (Tyriq Withers), el amable (ex) mejor amigo de su novio fallecido para ayudarle y (¿por qué no?) enamorarse en el camino.

LO BUENO

Aunque la historia es muy simple y parece sacada de un capítulo de “La rosa de Guadalupe”, hay que aceptar que la manufactura es aceptable, la cámara explota los montañosos paisajes del lugar y la historia avanza de manera fluida a pesar de sus casi dos horas de duración.

De manera muy tramposa, la película acude al romance y sentimentalismo forzado, alivios cómicos, el soundtrack, personajes demasiado humanos y hasta un gatito, insisto, todo muy tramposo, pero no deja de ser funcional.

Zoe Kosovic es la verdadera estrella de la película, la pequeña niña brilla en todas las escenas en las que sale y puedo asegurar que es la poseedora de los mejores diálogos, la inocencia, carisma y encanto que proyecta es lo que sostiene más de la mitad de la película.

LO MALO

Un capítulo de “La rosa de Guadalupe” dura aproximadamente una hora (con comerciales), insisto, casi dos horas para una historia tan simple es un exceso.

El guion carece de habilidad para deshacerse de una explicativa voz en off (primero), recargarse en una explicación proveniente de cartas (segundo, aunque quizá esto venga desde el libro), tratar de hacer creíble que el mejor amigo y la novia del mejor amigo nunca se habían visto y reservarse un flojo “plot twist” que hace que al final todo se resuelva gracias al poder del amor. Esto no es spoiler ¿Acaso no han visto el póster? Claro que la pareja acaba junta.

El soundtrack es meloso pero aporta casi nada de manera narrativa.

Y claro, no podemos dejar afuera el tema central de la película: la protagonista regresa a un lugar donde no es bienvenida y se enamora del único que no debería en todo el pueblo, el tipo por su parte olvida por completo a las personas con las que ha convivido como familia durante los último cinco años, en nombre del amor.

VEREDICTO

Las historias de romance (siendo el ejemplo más reciente “Cumbres Borrascosas”) demuestran una y otra vez que las telenovelas seguirán siendo un éxito, solo que el formato ha cambiado, la forma es mas artística, más vistosa, pero el contenido superficial sigue siendo el mismo y sigue funcionando. Si bien, debo aceptar que tiene una presentación y armado mucho más decente que “Romper el círculo”, incluso las actuaciones están mejor logradas a pesar de que son personajes bastante unidimensionales y que viven en un mundo de caramelo donde la sororidad es la única ley que se respeta, pero no deja de ser aceptable y hasta ahí.

La buena noticia es que es perfecta para una cita romántica, la película es súper consciente de su objetivo y dudo mucho que falle, si tu no eres romántico es probable que no la sufras tanto, debido a los constantes alivios cómicos (de eso a que realmente te rías es distinto, pero te harán más ligero todo), requiere que el espectador se suba al carruaje rosado que propone y acompañe el viaje de los protagonistas sin preguntar mucho, así que si eres de los que va a devorar palomitas y pasar el tiempo en una sala acompañado, tal vez no sea tan mala idea.

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Una historia que si bien cuenta increíble animación y una interesante propuesta en su historia, sufre de tropiezos en su guion.

El director, guionista y animador Mamoru Hosoda se ha ganado el reconocimiento como uno de los mejores directores de largometrajes de anime gracias a películas como “La chica que saltaba a través del tiempo”, “Mirai o “Belle”; ahora y gracias a Sony Pictures México, llega a las salas de cines su más reciente propuesta Scarlet, una historia que de busca tener un tono más obscuro e inspirada en la obra de Hamlet, todo con una increíble y ambiciosa animación y una premisa que busca ir más allá de la típica historia de venganza, lamentablemente y aún contando con una gran protagonista, la película no sabe como terminar de desarrollar su historia ¿Vale la pena verla en cine? Por supuesto, pero está lejos de ser esa aventura épica que todos esperábamos y a continuación les cuento el porqué.

El camino de la venganza.

Scarlet es un anime a cargo de Studio Chizu y nos presenta a Scarlet (voz a cargo de Mana Ashida), princesa de Dinamarca a finales del siglo XVI, quien tras el asesinato de su padre a manos de su tío, jura venganza, sin embargo es bien sabido que el camino de la venganza nunca es un camino seguro ni recto, por lo que nuestra princesa terminará en un mundo que se encuentra justo entre la vida y la muerte, sin embargo esto es apenas el inicio de su historia en donde deberá enfrentar sus deseos de venganza y que marcarán su destino final.

Lo bueno.

Indudablemente si hay una razón para ver Scarlet es por su increíble animación, la cual Studio Chizu cuidó de tal manera que pareciera una mezcla entre personajes en 2D con escenarios en 3D, pero en realidad todo es CGI, pero esto es casi imperceptible gracias a la fluidez y expresionismo que tienen cada uno de los personajes.

Y es que estos dos aspectos hacen toda la diferencia y nos enganchan desde los primeros minutos; las expresiones de Scarlet y su semblante dicen mucho sin siquiera tener que mediar diálogo alguno.

Me sorprende lo bien capturado que está esto sobre todo en la primera mitad de la película cuando aún cuando tenemos un personaje “inexpresivo” está diciendo mucho con su mirada y gestos faciales y si a esto le sumamos el gran trabajo que hace Mana Ashida logrando transmitir con su voz los sentimientos de ella, tenemos un gran personaje que lamentablemente su desarrollo no estuvo tan bien cuidado como su creación, pero de eso hablaré más adelante.

En realidad todos los personajes tienen una gran expresividad, pero con Scarlet se notan más y eso es suficiente para enamorarse de su protagonista, de igual manera como era de esperarse la película cuenta con intensas escenas de acción, las cuales se encuentran muy bien dirigidas y con una fluidez que nos hacen sentir la tensión en cada una de ellas; ya no se digan los escenarios que tienen un diseño hiperrealista que lejos de contrastar con el diseño de personajes, son cohesivos con ellos y con la propia historia y eso es también gracias a la dirección de arte con la que cuenta y la paleta de colores utilizada, destacando los efectos en las transparencias o efectos traslúcidos para el agua, la luz,la combinación de ambos.

Todo esto viene acompañado de un bello soundtrack con temas musicales con letra que acompañan el propio desarrollo de Scarlet durante esta aventura, la cual cuenta con una premisa muy interesante; sí, es una aventura de venganza pero al menos no sigue el típico camino que se nos ha planteado, sino que aborda un tema más introspectivo respecto al deseo de la vendetta y el dejar consumirse por ella ¿vale la pena? ¿es la vida de a quien está vengando lo que hubiera querido para ella? ¿al final qué satisfacción deja, sobre todo si ya ambos están muertos? (no es spoiler, se dice en los primeros minutos), son algunas de las preguntas que se plantean, lamentablemente el cómo se ejecuta es el pequeño gran problema con Scarlet.

Lo malo.

Scarlet ofrece una premisa interesante que el propio Mamoru Hosoda (quien también escribió el guion) no supo desarrollar y es que su primera mitad es muy interesante y enganchante, la propia Scarlet se vuelve un personaje interesante llena de contrastes como lo sería una joven princesa entrenada con el único deseo de lograr una venganza autoimpuesta y cuya penitencia es saber que falló, pero su motor es el tener una segunda oportunidad para lograrlo, es decir que de inicio tenemos una protagonista muy bien construida, pero que a mitad de la película se va cayendo y no por querer desear una vida ajena a la venganza como en su niñez, sino por el cómo se ejecuta.

Y es que sí, como en toda buena historia de venganza hay un punto donde la protagonista debe decidir qué camino tomar, el de la redención o el de dejarse consumir por la ira y aquí no es distinto, sin embargo la manera en la que se maneja en ese punto se siente apresurado y poco orgánico, y esto es en gran medida a la introducción de un personaje secundario que lejos de ser ese soporte o equilibrio en la moralidad de la protagonista, se siente como la salida fácil (y forzada)para llegar al final que se buscaba contar y hasta haciendo que la película caiga en clichés del propio director que ya antes hemos visto.

De hecho la segunda parte de la historia de Scarlet se llega a sentir ajena a lo que se nos mostró en un inicio, y quiero ser muy enfático en que no porque la protagonista no pueda cuestionarse si su camino es el correcto o llegue a tener una especie de redención, sino por la manera en que se nos presenta ese desarrollo y el cómo se va forjando la propia relación con el personaje que el ayuda a ello, algo que arrastra a la propia trama con un tercer acto demasiado apresurado en donde son más evidentes los agujeros de guion.

Haciendo que el propio peso del mensaje o moraleja idealista y antibélica (que ahora es cuando más lo necesitamos) que busca dejar la película tenga un menor impacto y raye en lo cursi.

Conclusión.

Scarlet es, sin duda, una película que demuestra el enorme talento visual de Mamoru Hosoda y de Studio Chizu; su animación, dirección de arte y expresividad de personajes son suficientes para justificar verla en la pantalla grande, especialmente para quienes disfrutan del anime con propuestas visuales ambiciosas. Sin embargo, detrás de ese impresionante apartado técnico se esconde una historia que comienza con una premisa poderosa y reflexiva sobre la venganza y el perdón, pero que termina perdiendo parte de su fuerza por decisiones narrativas apresuradas y un desarrollo que no logra sostener todo el potencial de su protagonista (que no por ello deja de ser una gran protagonista).

No significa que Scarlet sea una mala película, ni mucho menos; simplemente es una obra que se siente irregular, con momentos muy brillantes que contrastan con otros donde el guion parece tomar atajos. Al final, queda como una experiencia visualmente impactante y con ideas interesantes sobre el peso de la venganza, pero que se queda a medio camino de convertirse en la gran epopeya emocional que prometía ser.

Aun así, para los seguidores de Hosoda y para quienes disfrutan del anime en la pantalla grande, Scarlet sigue siendo una propuesta que vale la pena experimentar, aunque quizá no alcance el mismo nivel que algunas de las obras más recordadas de su director, la cual ya está disponible en las salas de cine de México.

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