Un thriller psicológico que nos recuerda que la realidad puede ser mucho más aterradora que la ficción.

La fotografía es uno de los artes más complejos, saber tomar y capturar un momento que quede grabado para siempre en una imagen y que a la vez logre transmitir la misma emoción que en ese momento se vivía muy pocos pueden lograrlo, pero cuando se hace es simplemente conmovedor ¿Pero qué pasa cuando el momento que se captura es el fin de una vida? La fotografía toma otro matiz, muchas veces lleno de morbo,  (morbo que muchos medios han utilizado para vender), pero también puede ser solemne, no por lo que muestra, sino por la manera en que nos invita a detenernos y descubrir todo lo que hay detrás de ella. Y es ahí donde deja de ser simple morbo para convertirse en un testimonio crudo de la fragilidad humana, capaz de conmovernos incluso desde el horror.

Justamente esto es lo que me dejó Ciudad de Muertos, película dirigida por José Manuel Cravioto que toma como inspiración el extraordinario trabajo de Enrique Metinides, uno de los fotógrafos de nota roja más importantes de México, para construir un thriller psicológico que por momentos se siente como un cuento de terror clásico sobre un artista que termina atrapado por sus propias obras y que al final nos recuerda que todos vamos para allá.

Más allá del morbo de la nota roja.

La historia nos presenta a Enrique (Jero Medina), un fotógrafo de nota roja en la Ciudad de México de los años cincuenta, cuya fascinación por documentar la muerte lo lleva a involucrarse en la investigación de un misterioso asesinato. Sin embargo, después de un terremoto y una serie de acontecimientos inexplicables, comienza a experimentar visiones y encuentros inquietantes que desdibujan la frontera entre los vivos y los muertos, obligándolo a confrontar aquello que su cámara ha capturado durante toda su vida.

Un thriller con un tipo de terror nada convencional.

Lo primero que debemos entender es que no estamos ante una película de terror convencional; aquí el miedo no depende de sobresaltos, criaturas o situaciones diseñadas para provocar sustos, sino de algo mucho más cercano y perturbador: la crudeza de la vida y los terribles momentos que Enrique Metinides llegó a fotografiar. Es precisamente ahí donde la película encuentra su mayor fortaleza, convirtiendo algunas de las imágenes más icónicas del fotógrafo en secuencias cinematográficas que resultan tan impactantes como difíciles de contemplar, pero a la vez imposibles de dejar de ver.

La historia que nos ofrece

Narrativamente, es una película que apuesta mucho por la ambigüedad y la contemplación y es que durante buena parte de la cinta podemos sentirnos tan desconcertados como su protagonista, tratando de entender qué está ocurriendo realmente y cómo se relacionan todos los acontecimientos. Esto puede jugar en su contra, pues por momentos la historia se siente predecible debido a su premisa y algunas actuaciones pueden resultar algo planas. 

Y si bien esta arma de doble filo (su ambigüedad) puede llegar a dificultar nuestra conexión con lo que estamos viendo, cuando finalmente las piezas comienzan a encajar y llegamos a su desenlace, todo cobra sentido y terminamos comprendiendo la historia prácticamente al mismo tiempo que Enrique, aunque su premisa sea más que evidente.

Una fotografía bien cuidada que vale la pena verla en cine.

El trabajo de José Manuel Cravioto en la dirección y Diego Sebastián Tenorio en la fotografía elevan muchísimo a esta película, siendo razón suficiente para verla; ambos consiguen recrear estas imágenes de una manera sumamente cruda, precisa y, al mismo tiempo, artística.

Cada encuadre parece tener una intención, los detalles están por doquier y existe una composición visual que nos permite apreciar el talento detrás de aquellas fotografías, pero también sentir ese vacío en el estómago que provocan las tragedias que representan.

Propositiva en su estilo

Se nota la intención de que esto se manejara con un cuidado y atención al detalle minucioso, puesto que la cinta busca y logra recrear las fotografías que se nos presentan al final, de una manera tan “natural” que da miedo, lo cual hace todo el sentido que sea una película tan contemplativa y el hecho que se haya apostado por un filtro en blanco y negro, con momentos en rojo y negro, ayuda a que se sienta como una película de época.

Porque sí, otro gran apartado de la película es el trabajo realizado en recrear una Ciudad de México de mediados del siglo pasado y lo más interesante es que lo hace con pocos elementos, pero muy bien trabajados, más allá del vestuario, en verdad se nos traslada a los años 1950´s.

Conclusión.

Ciudad de Muertos es una película contemplativa que busca rendir homenaje al extraordinario trabajo de Enrique Metinides, un fotógrafo cuyo talento para capturar la tragedia consiguió convertir momentos terribles en imágenes que forman parte de la memoria colectiva.

Es una película que vale por completo verla en cines por su bella fotografía y el hecho que se sale de todo lo convencional, apostando por un thriller contemplativo con el que muchos puede que no conecte por su ambigüedad y un final predecible.

Sin embargo al final es una experiencia que nos deja helados al recordarnos que, en ocasiones, la realidad puede ser mucho más aterradora que cualquier historia de ficción.

Ciudad de Muertos ya llegó a las salas de cine de México y por supuesto a las salas de Cinemex Alternativo.

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Una aventura clásica que demuestra que las buenas historias nunca pasan de moda.

Desde hace tiempo Bandai Namco Entertainment ha remasterizado los juegos clásicos de su saga de RPG  “Tales of”, lo cual se agradece puesto que muchas de sus entregas no pudieron ser disfrutadas en su momento por todos, además claro del trabajo de preservación, más cuando logran trascender gracias a sus personajes, su historia y una jugabilidad capaz de mantenernos enganchados durante horas. Ahora toca el turno de Tales of Eternia Remastered es uno de esos clásicos que nos recuerda porqué esta saga ocupa un lugar tan especial entre los amantes de los JRPG.

Una clásica aventura que va de menos a más, pero que prueba que los lazos de amistad pueden contra cualquier obstáculo.

Tales of Eternia Remastered nos presenta a Reid, Farah, Meredy y Keele, un grupo de protagonistas que deberá encontrar la manera de evitar una catástrofe que amenaza con destruir dos mundos; lo interesante de esta historia es que no se limita a presentarnos una amenaza de proporciones épicas, sino que también aprovecha su premisa para explorar las diferencias culturales, los prejuicios y los conflictos que surgen cuando dos sociedades con formas de vida distintas se ven obligadas a entenderse.

Y aunque el ritmo narrativo y algunos diálogos pueden sentirse propios de otra época, la aventura conserva ese encanto de los JRPG clásicos en los que conocer a los personajes y compartir su viaje resulta tan importante como derrotar al enemigo final.

Una jugabilidad que conserva la esencia de la saga.

Si hay algo que distingue a Tales of Eternia de otros RPG de su generación, es su sistema de combate en tiempo real y es que en lugar de limitarse a seleccionar comandos en un menú y esperar nuestro turno, aquí podemos movernos por el campo de batalla, atacar directamente a los enemigos y combinar nuestras habilidades para crear enfrentamientos mucho más dinámicos. Un sistema de combate que estableció las bases del action RPG moderno.

El sistema Aggressive Linear Motion Battle System conserva esa sensación de estar participando en un combate de acción en dos dimensiones, donde aprender a utilizar las Artes, administrar nuestros recursos y coordinar al equipo resulta fundamental para superar los encuentros más exigentes. A esto se suma el sistema de Craymels, espíritus elementales que amplían las posibilidades estratégicas y aportan profundidad a la configuración de nuestras habilidades. 

Y si bien, su sistema de juego es un clásico y sigue sintiéndose divertido y muy moderno para su época, es inevitable no notar el paso del tiempo y aunque cuenta con varias mejoras para hacer más amena la experiencia para tiempos actuales, lo cierto es que los jugadores más nuevos se podrían sentir frustrados con los combates aleatorios y algunos combates menos dinámicos, hasta con su propia narrativa muy de su época.

Mejoras que hacen más llevadera la aventura.

Uno de los aspectos más importantes de esta remasterización es la incorporación de funciones de calidad de vida que permiten adaptar la experiencia a nuestras preferencias, entre ellas opciones para modificar la frecuencia de los encuentros aleatorios, indicadores que facilitan localizar nuestro siguiente objetivo, ajustes para acelerar determinadas acciones durante los combates automáticos y funciones que ayudan a recuperarnos o reintentar una batalla, así como dificultades adicionales.

Un apartado gráfico y sonoro que apuesta por la nostalgia.

Visualmente, Tales of Eternia Remastered mantiene el estilo en 2D con ese toque de “pixel art” que caracterizó a la versión original. Los personajes conservan sus sprites y diseños clásicos, mientras que la presentación incorpora ajustes destinados a que la aventura luzca mejor en las pantallas actuales. Además de contar con subtítulos y menús en español.

Pero también permite alternar entre los gráficos remasterizados y los originales, lo que es uno de sus detalles más interesantes ya que nos permite apreciar las diferencias entre ambas presentaciones y disfrutar de la experiencia de acuerdo con nuestras preferencias, demostrando que el juego busca preservar esa identidad que resulta encantador para quienes amamos el estilo retro, aunque también deja al descubierto algunas limitaciones técnicas y visuales.

El apartado sonoro sigue siendo una parte fundamental de la experiencia (como lo es en todo JRPG), la música acompaña los momentos de exploración, refuerza la intensidad de los combates y ayuda a construir la identidad de los diferentes escenarios que visitamos durante nuestra aventura y en este aspecto también podemos alternar entre los efectos de sonido originales y los remasterizados.

Tal vez no es para todos.

Aunque Tales of Eternia Remastered conserva suficientes virtudes para justificar su regreso e integra nuevos elementos para tiempos modernos, es imposible no notar el paso del tiempo: los encuentros aleatorios, ciertos tramos de exploración y la necesidad de regresar sobre nuestros pasos pueden afectar el ritmo de la aventura, especialmente cuando queremos avanzar en la historia, aspectos que solo los más fans o quienes entienden y disfrutan de los juegos clásicos entenderán y podrán sobrellevar. Son inconvenientes que no destruyen la experiencia final del juego, pero que son de considerar para nuevos jugadores.

Conclusión.

Tales of Eternia Remastered es una oportunidad para reencontrarnos con una aventura que conserva buena parte de aquello que hizo especial a los JRPG de su generación:  su historia, sus personajes y su sistema de combate siguen teniendo personalidad, mientras que las mejoras de calidad de vida ayudan a que el viaje resulte más cómodo para los jugadores actuales, aunque precisamente es imposible no notar el paso del tiempo. No es una remasterización que transforme por completo el juego original, pero sí una invitación a descubrir (o redescubrir) una aventura que demuestra que, cuando una historia tiene corazón y sus personajes consiguen conectar con nosotros, el paso del tiempo no necesariamente le resta magia.

Tales of Eternia Remastered está disponible en PlayStation 5, PlayStation 4, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 y PC.

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Blue Lock mete un gol con su película en acción real.

Pocas series deportivas han conseguido convertirse en un fenómeno como Blue Lock, una historia que revolucionó el género al poner el ego, la ambición y la competencia individual en el centro del fútbol. Su filosofía, encabezada por Jinpachi Ego, rompe con la idea tradicional de que un jugador siempre debe priorizar al equipo y plantea que confiar en las propias capacidades, reconocer el talento individual y tener la ambición de ser el mejor también puede ser la clave para alcanzar la victoria.

Titulada simplemente como Blue Lock, esta popular historia da el salto a la acción real con una película que busca trasladar esa intensidad a la pantalla grande y es una adaptación fiel y entretenida que conserva la esencia del anime, aunque tiene algunos detalles que le impiden alcanzar su máximo potencial y a continuación les cuento el porqué.

Una competencia por convertirse en el mejor.

Dirigida por Yūsuke Taki y protagonizada por Fumiya Takahashi como Yoichi Isagi, Kaito Sakurai como Meguru Bachira y Masataka Kubota como Jinpachi Ego, la cinta adapta la primera fase del proyecto Blue Lock. La historia nos presenta a 300 jóvenes delanteros que deberán enfrentarse a una serie de pruebas y competir entre sí para conseguir una sola meta: convertirse en el mejor goleador de Japón. Entre ellos se encuentra Isagi, quien tendrá que descubrir sus verdaderas fortalezas y desarrollar su propio estilo para sobrevivir a una competencia en la que no todos conseguirán llegar hasta el final.

El ego entra a la cancha.

Uno de los mayores aciertos de esta adaptación es que consigue trasladar correctamente la esencia de la obra original y del anime, sobre todo, la filosofía del ego (bien aplicado) que mueve toda la historia.

La película muestra cómo cada jugador debe reconocer sus habilidades, confiar en su potencial y desarrollar la ambición necesaria para imponerse sobre sus rivales. 

No se trata simplemente de ser egoísta, sino de atreverse a asumir la responsabilidad de marcar la diferencia y luchar por convertirse en el mejor.

A esto se suman partidos emocionantes que consiguen trasladar las habilidades características de cada personaje a la acción real y aunque  los efectos visuales cumplen con su cometido al representar algunas de estas jugadas, en determinados momentos pudieron ser más convincentes para transmitir toda la espectacularidad que caracteriza al anime y si a esto le sumamos la gran caracterización de personajes, pues tenemos fanservice puro.

Otro de sus grandes aciertos está en su apartado musical, encabezado por Ado con el tema Monstro, una canción que aporta energía a la experiencia y acompaña muy bien la intensidad de esta competencia.

Además, para el público latinoamericano, la película cuenta con doblaje al español con el elenco que conocemos del anime, un detalle que ayuda a mantener la familiaridad con los personajes y hace más disfrutable esta nueva versión.

El precio de llevar el anime a la acción real.

Como era de esperarse en una adaptación de este tipo, uno de los principales sacrificios está en el desarrollo de sus personajes. El tiempo limitado de una película obliga a concentrar la historia en los protagonistas más importantes, como Isagi, Nagi, Bachira y Chigiri, dejando menos espacio para profundizar en otros jugadores y en las relaciones que se construyen entre ellos.

Sin embargo, su verdadero talón de Aquiles está en algunas de sus secuencias de acción; los primeros planos y las tomas cerradas durante las carreras no siempre consiguen transmitir movimientos naturales y convincentes, lo que rompe por momentos con la intensidad de los partidos y evidencia las dificultades de trasladar el dinamismo del anime a los actores reales.

Conclusión.

Blue Lock es una buena adaptación en acción real que mete un gol al conservar la esencia de su material original. Sus partidos, su filosofía del ego, la música de Ado y el respeto por los personajes hacen que valga la pena para los seguidores de la franquicia, aunque el desarrollo limitado de algunos jugadores y ciertas secuencias poco convincentes le restan puntos. Aun con estos detalles, es una buena oportunidad para disfrutar de esta historia desde otra perspectiva y, para quienes todavía no conocen este universo, una excelente puerta de entrada para después adentrarse en el anime y el manga.

Blue Lock llega a los cines de México este 29 de octubre de la mano de nuestros amigos de Zima Entertainment.

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