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“Rifkin´s Festival” | Reseña sin spoilers

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Woody Allen regresa, como casi cada año, a la pantalla grande. Hace tiempo que esto dejó de ser un suceso esperado ¿Es hora de romper la maldición? Acá te contamos.

Desde “What´s Up, Tiger Lily?” (1966) solo en siete ocasiones el director neoyorquino ha fallado en entregar un trabajo de manera anual, siendo “Rifkin´s Festival” su película correspondiente al 2020, sin embargo cabe señalar (y esto a título muy personal), que la última película que me quitó el sueño y despertó mucho interés se remonta al 2008, la entrega de ese año fue “Vicky Cristina Barcelona”, y es que es imposible que una obra tan prolífica no vea mermada su calidad y las temáticas se noten un tanto repetitivas, si a lo anterior le agregamos que a Woody Allen se le está pasando la factura de sus decisiones personales en el pasado, es más que comprensible que su (aparente) inacabable creatividad se vea disminuida entre los conflictos de la edad (cuenta actualmente con 86 años), la condena pública, los dichos de actrices que han trabajado con el y un documental que lo deja muy mal parado.

Para fortuna de todos (y más allá de la inocencia o culpabilidad en su quehacer privado), al parecer está de regreso, con una temática que nos parece más que reconocible a todos los que estemos familiarizados con su trabajo, pero que le dota (por fin) de cierta frescura, no solo abandonando su eterno Nueva York sino dotando a su alter ego de una especie de introspección y auto redención que solo podría dar el tiempo y sus circunstancias, mientras aprovecha el viaje para rendir un sentido tributo a las películas y autores que lo formaron.

¿DE QUÉ TRATA?

El inseguro escritor Mort Rifkin (Wallace Shawn) acude al Festival de San Sebastián sobre todo porque piensa que su esposa Sue (Gina Gershon) está enamorándose de uno de los clientes de su agencia de publicidad, la sensación francesa en el circuito cinematográfico, un pretencioso director de nombre Philippe (Louis Garrel), el mundo del cine y el circuito de festivales (en términos modernos al menos), no son una experiencia grata para Mort, quien está enamorado de los clásicos sobre los cuales en algún momento dio cátedra, todos bajo el sello de nombres consagrados como Orson Welles, Jean-Luc Godard, Akira Kurosawa, François Truffaut o Luis Buñuel.

El constante sentimiento de no pertenencia saca a flote la (tan visitada por Allen) hipocondría de Mort, lo que lo orilla a visitar a la doctora Jo Rojas (Elena Anaya) con quien tiene un enamoramiento casi universitario que pretende nivelar el posible amorío de su esposa. El hermoso paraje hace que los sentimientos salgan a flote, pero los problemas también, lo que lleva a Mort a pensar en el verdadero sentido de la vida (o de la suya al menos).

LO BUENO

La ciudad de Donostia luce maravillosa, acogedora y hasta nostálgica gracias a la cinematografía de Vittorio Storaro (“Apocalypse Now”, “El último Emperador”) que le aporta un dorado casi mágico que contrasta muy bien con el blanco y negro de las secuencias de ensoñación del personaje principal.

El guion es típico de Woody Allen, los fanáticos no extrañarán los comentarios intelectuales y el sarcasmo ingenioso, pero se añade además una introspección pocas veces vista en sus trabajos, además de escenas “prestadas” de grandes clásicos del cine que serán una gozada para cualquier entendido en sus referencias, pero equilibrado en su sentido del humor para aquél que no entienda de donde provienen las secuencias en blanco y negro.

El talento del director y cinematógrafo se unen para regalarnos diversos planos muy bellos, el aspecto visual en general tienen una manufactura muy buena (quizá no espectacular), y aunado a la música y actuaciones puede ser que no se coloque como el mejor trabajo de Allen pero sí de lo más presentable en todos los aspectos que le he visto en los últimos años.

La comedia no perdona los momentos de crítica social, no solamente a las relaciones de pareja (como tanto acostumbra) sino a la industria en la que se ha convertido el cine, un monstruo ávido de dinero que tiene que recurrir a disfrazar lo banal de arte para no sentir remordimientos, definitivamente el cine ya no es lo que solía ser y Woody Allen ha estado más de cincuenta años en primera fila para atestiguarlo, para bien o para mal la industria ha cambiado, los medios de entrega han cambiado y sin tomar partido alguno creo que es valiosa la percepción de un director hecho (todavía) a la vieja escuela.

Salvo algunos momentos, el ritmo es muy bueno y el final es un toque agridulce que resulta en la cereza del pastel.

LO MALO

Como ocurre con casi cualquier creativo, es muy posible que el toque del director se sienta por momentos repetitivo y a pesar de las sutiles diferencias no me sorprenderá que muchos tilden a esta película como “una más” dentro del acervo del neoyorquino.

La coproducción estadounidense, española e italiana, así como el entorno en el que se desarrolla la historia justifica muy bien el reparto variopinto de la historia, sin embargo no estoy seguro de si la elección de éste fue la mejor, lo que hace que la historia se sienta un poco fuera de balance en cuanto al trabajo actoral de algunos de sus interpretes.

Las referencias directas a la obra de los directores arriba mencionados pasarán desapercibidas para aquellos que no estén acostumbrados a ver películas del siglo pasado, si bien (como dije arriba), no es requisito para “entenderle” a la trama, si que será uno de los puntos más fuertes de la historia, un tributo en general que pasará de largo a cierto parte del público.

El ego (golpeado pero no extinto) del director hace que la historia gire alrededor del personaje principal sin permitirle (casi) a los demás personajes presentar un arco que tenga que ver más allá de la relación que tienen con Mort, lo que la hace por momentos en un monólogo que los más acostumbrados entenderán, pero que se hubiera agradecido un trato más redondo para con los personajes secundarios.

VEREDICTO

Sin estar a la altura de las obras que hicieron de Woody Allen un ícono y referente cultural (hoy golpeado y venido a menos), “Rifkin´s Festival” resulta un respiro en una serie de obras muy medianas, donde se nota el exilio comercial del que ha sido objeto este director, lo que se refleja en un guion, quizá igual de personal que todos los anteriores, pero distinto en su autopercepción y pertinente en la reflexión que hace de el mismo (a través de su alter ego) sobre la importancia y el valor de las cosas, el regreso a las eternas preguntas que mueven a la humanidad, en lugar del regodeo en las mismas historias, en los mismos “problemas”, muchas veces abordados simplemente por moda o en busca de algún beneficio económico y la retribución en taquilla.

No me cabe duda que los fanáticos de este director sabrán que esperar, el reto es con aquéllos que se quieran acercar por primera vez a su estilo, aquéllos enemigos que se echó a la bolsa por sus problemas personales, la soberbia que un día lo llevó a no asistir a la entrega de premios Oscar (a pesar de llevarse la estatuilla) es de alguna manera puesta sobre la mesa, lo que se siente no como un arrepentimiento o redención sino como el hecho de que dentro de toda su pedantería, son temas que también se ha llevado a la cama para la reflexión.

A veces el mejor cine es el más humano, el cine que confundimos con aburrido, porque la vida no es siempre dinámica, no es siempre feliz, no es siempre cómica como no puede ser siempre trágica y en medio de tantas secuencias irreales, Woody Allen nos entrega un pedacito muy real de sí mismo y por ende de las relaciones humanas, con la esperanza de que, como Mort, nosotros también hagamos un autoexamen y revisemos los actos que nos han llevado al día de hoy, si tenemos el poder de cambiar, de mejorar, si no es demasiado tarde. Lo único que puedo opinar es que si a los 85 años Woody Allen está proponiendo esto, seguramente todos tenemos la oportunidad de buscar nuestro sentido en la vida.

La película estrena el día de hoy 20 de enero en algunas salas nacionales y recomiendo mucho que no se pierdan la oportunidad de ver la propuesta de un neurótico amante del cine.

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Cine

The Fantastic Four protagonizan la portada de la revista TIME

La campaña de marketing retrofuturista de Marvel Studios para The Fantastic Four: First Steps ha revelado una nueva imagen de la Primera Familia de Marvel

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The Fantastic Four

La campaña de marketing retrofuturista de Marvel Studios para The Fantastic Four: First Steps ha revelado una nueva imagen de la Primera Familia de Marvel en las portadas de la revista Time.

Marvel Studios ha lanzado una de sus campañas de marketing más impresionantes hasta la fecha para The Fantastic Four: First Steps.

Con publicaciones como Time, Men’s Health y People que presentan a miembros de la Primera Familia de Marvel en una serie de artículos de portada dentro del universo.

La mayoría de los anuncios contienen referencias obvias a los personajes (la loción para después del afeitado de Johnny Storm, etc.), pero el reciente anuncio de H.E.R.B.I.E. de la revista People incluyó una referencia, casi imperceptible, al villano Doctor Doom.

Primeros Pasos está protagonizada por Pedro Pascal (The Last of Us, Freaky Tales) como Reed Richards, alias Mr. Fantastic; Vanessa Kirby (Misión: Imposible – Dead Reckoning) como Sue Storm, alias la Mujer Invisible; Joseph Quinn (Stranger Things, Un Lugar Tranquilo: Día Uno) como Johnny Storm, alias la Antorcha Humana; Ebon Moss-Bachrach (The Punisher, The Bear) como Ben Grimm, alias la Cosa; y Julia Garner (El Hombre Lobo, Ozark) como Silver Surfer.

Los spoilers sobre The Fantastic Four: First Steps

Según filtraciones recientes de la trama de Primeros Pasos, Doom no aparece en la película (lo más cercano que encontramos es una referencia a Latveria), pero sí aparece en la escena post créditos.

Sue le lee un libro a Franklin. Se levanta para coger otro. De fondo, oímos el sonido de un dispositivo de teletransportación activándose. Al regresar, se queda paralizada.

El libro se le resbala de la mano. Frente a ella hay una figura encapuchada: el Doctor Doom. No vemos su rostro, pero su cuerpo completo es visible bajo una capa plateada.

En una mano, sostiene su icónica máscara (realizada por computadora); en la otra, lleva a un Franklin inconsciente.

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Superman (2025) – Reseña

El universo DC se reinicia y Superman sería la primera película de este nuevo inicio. todo esta bajo la dirección de James Gunn

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Ya pasaron tres años desde que James Gunn y Peter Safran tomaron las riendas de DC Studios, y desde entonces sabíamos que venían cambios grandes. El universo DC se reinicia casi por completo, y Superman sería la primera película de este nuevo inicio.

Desde que se anunció que el propio Gunn dirigiría la cinta, las expectativas eran altas. No solo porque venía de hacer cosas memorables en Marvel (Guardianes de la galaxia), sino porque tenía en sus manos a uno de los personajes más complicados de adaptar al cine. Superman es, al final del día, casi una divinidad, y no es fácil hacerlo sentir humano o cercano sin que se vuelva aburrido o plano.

Pero para mi sorpresa, y alegría, puedo decirlo claro, es una buena película. Y más importante, vale la pena verla en el cine.

Una historia que ya va caminando

Lo primero que me gustó es que no es una historia de origen. A estas alturas, volver a ver cómo Kal-El llega a la Tierra y descubre sus poderes ya no era necesario. En esta versión, Superman lleva tres años como héroe, ya trabaja como Clark Kent en el Daily Planet, y el mundo que lo rodea está bien establecido.

Gunn no nos dice “aquí empieza todo”, sino más bien “este es mi universo, y ya está funcionando”. Eso se agradece bastante.

Ahora, si hablamos del desarrollo de la trama en sí, la historia es quizá el punto más flojo. Es sencilla, avanza sin complicarse demasiado y cumple, pero el tercer acto se siente algo acelerado. El final necesitaba un poco más de espacio para respirar, para que ciertas decisiones tuvieran más peso. No arruina la película, pero sí le resta fuerza al cierre.

Superman con alma y personajes bien construidos

Lo que realmente hace funcionar la cinta es la forma en la que Gunn maneja a los personajes. Aquí no hay villanos por ser malos o secundarios sin razón de ser. Cada personaje tiene un propósito, una personalidad bien definida, y sus motivaciones están claras.

Superman, en particular, tiene una esencia propia. Por momentos recuerda un poco al tono de Guardianes de la Galaxia, pero sin perder su identidad. Es un tipo noble, algo torpe en lo social, pero nunca cae en lo ridículo. Es un buen sujeto que se gana tu empatía desde el principio.

Y hablando de robarse escenas…

Cripto, el perro que se lleva el corazón

Sí, Cripto es una joya. No es un chiste metido a la fuerza ni una simple mascota: es parte esencial de la historia. Aporta emoción, humor y momentos entrañables. Es de esos personajes que, sin decir una sola palabra, se vuelven inolvidables.

Además, ya me imagino los peluches, figuras y todo el merchandising que se viene. Y sí, lo vamos a querer todos.

Lex Luthor: un villano con peso

Otro de los grandes aciertos es Lex Luthor, interpretado por Nicholas Hoult. Por fin vemos un Luthor bien escrito, con un trasfondo sólido y fiel a los cómics. No es un simple obstáculo para el héroe, sino un antagonista con presencia, ideas claras y un ego tan grande como su ambición.

Hoult entrega una actuación tremenda, llena de matices. Es frío, calculador, pero también humano en ciertos momentos. Sin soltar spoilers, me encantaría verlo nuevamente en futuras entregas del DCU.

Visuales, acción y música al estilo Gun

En cuanto a los efectos especiales, el resultado es positivo. La mayoría de las secuencias se ven espectaculares: vuelo, combates, rayos láser, explosiones… todo lo que esperas de una cinta de Superman. Eso sí, hay uno o dos momentos donde el CGI no luce del todo bien, y rompe un poco la ilusión, pero son detalles menores.

Y si hay algo que James Gunn sabe hacer como nadie, es elegir música. La banda sonora acompaña perfectamente cada escena clave, elevando la emoción sin robarse el protagonismo. Es parte de su sello como director, y aquí vuelve a brillar.

Conclusión

Superman (2025) es una muy buena forma de arrancar el nuevo DCU. Tiene corazón, personalidad y la intención clara de construir algo sólido desde los personajes, no desde los efectos o las referencias.

¿Es perfecta? No. La historia pudo estar mejor desarrollada y el final necesitaba más tiempo. Pero aún así, cumple. No es una película que busca redefinir al personaje, sino recordarnos por qué Superman sigue siendo relevante: porque representa esperanza, bondad y fuerza, incluso en tiempos donde todo parece que no lo hay.

Si esto es solo el comienzo, me emociona ver lo que viene después.

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Pecadores confirma su fecha de estreno en Max

Del visionario cineasta, Ryan Coogler —director de Black Panther y Creed— y protagonizada por Michael B. Jordan, llega PECADORES

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Del visionario cineasta, nominado al Oscar, Ryan Coogler —director de Black Panther y Creed— y protagonizada por Michael B. Jordan, llega ‘PECADORES’.

Una nueva visión del miedo que estrena este viernes 4 de julio en Max

Buscando dejar atrás un pasado turbulento, dos hermanos gemelos (interpretados por Jordan en un impactante doble papel) regresan a su ciudad natal con la esperanza de comenzar de nuevo. Pero lo que los espera es una presencia aún más oscura.

Escrita y dirigida por Coogler, ‘PECADORES’ cuenta con un elenco estelar encabezado por Michael B. Jordan, la nominada al Oscar Hailee Steinfeld (Bumblebee, True Grit), Jack O’Connell (Ferrari), Wunmi Mosaku (Passenger), Jayme Lawson (The Woman King), Omar Miller (True Lies) y Delroy Lindo (Da 5 Bloods).

La cinta es una producción de Proximity Media, con Zinzi Coogler, Sev Ohanian y Ryan Coogler como productores. Los productores ejecutivos son Ludwig Göransson, Will Greenfield y Rebecca Cho.

El éxito detrás de Pecadores

El equipo creativo reúne a los colaboradores de confianza de Coogler en Black Panther, incluyendo a la directora de fotografía Autumn Durald Arkapaw, la diseñadora de producción ganadora del Oscar Hannah Beachler, el editor Michael P. Shawver, la diseñadora de vestuario Ruth E. Carter y el compositor Ludwig Göransson.

La reciente película de Ryan Coogler, Sinners, ha emergido como un éxito inesperado en taquilla, superando con creces las proyecciones iniciales y consolidando la reputación del director para crear obras impactantes.

Este thriller, cuya trama ha mantenido en vilo al público y la crítica, demuestra la habilidad de Coogler para explorar narrativas complejas con una maestría única.

El triunfo de Sinners se debe a su dirección magistral, un guión que atrapa desde el primer minuto y actuaciones que han sido ampliamente elogiadas. Coogler, conocido por su trabajo en Black Panther, ha entregado una cinta que, a pesar de su tono oscuro y sus dilemas morales, ha conectado profundamente con una amplia audiencia.

Este éxito no solo celebra la visión artística del director, sino que también sugiere un apetito creciente del público por películas que desafían y provocan la reflexión.

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