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Reseñas

SaGa Emerald Beyond, pudo ser mejor/ Reseña

La última entrada nueva de la serie SaGa Emerald Beyond llega ocho años después de su última entrega a la consola portatil de Nintendo

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En los últimos años hemos tenido varios remakes de SaGa, una serie que nunca ha estado en la cima de la lista de las famosas franquicias de Square Enix.

La última entrada nueva de la serie SaGa Emerald Beyond llega ocho años después de su última entrega y el primer juego nuevo de SaGa en Switch después de más de media docena de otras reediciones en el sistema.

SaGa Emerald Beyond
Foto: Square Enix

Desafortunadamente, es posible que la espera no haya valido la pena porque Emerald Beyond es un juego desigual y a menudo aburrido impulsado por un sólido sistema de combate.

La experiencia de gameplay de SaGa Emerald Beyond

Emerald Beyond presenta una estructura no lineal donde la elección del jugador lo guía en diferentes direcciones para cada historia.

Eliges entre cinco personajes diferentes, desde la aspirante a bruja Ameya Aisling hasta el robot cantante Diva No. 5, y luego eliges entre algunas opciones diferentes para explorar diferentes mundos que conducen a una conclusión narrativa abierta.

La cuál luego te anima a jugar con un personaje diferente o repite uno de los personajes que ya has completado. Cada partida tomó alrededor de cinco horas (más o menos), pero cuanto más profundiza cada repetición más se volvía monótono.

SaGa Emerald Beyond
Foto: Square Enix

Los recorridos construyen una historia general y están llenos de suficientes áreas diferentes para visitar y cosas que hacer que no son simplemente recorridos idénticos

Pero la superposición en el juego y la presentación comienzan a desdibujar todos los mundos, convirtiéndolos en una verdadera sopa de búsqueda dentro del género de los RPG.

Una gran variedad de personajes

La variedad de personajes es enorme, ya que además de la bruja adolescente y el robot cantante antes mencionados, también tienes un rey vampiro, un titiritero mágico y un par de policías novatos.

Y aunque teniendo un line up interesante de personaje uno pensaría que es llevada a buen puerto pero en la ejecuciónsimplemente no se llega a concretar.

Mucho de esto proviene de la presentación plana, tanto en la forma en que se presentan los personajes 3D en el mundo 2D como en el diálogo en sí. Todo está sobrecargado y demasiado largo, muy lejos de la fuerte localización en SaGa Scarlet Grace que era uno de los aspectos favoritos del juego.

SaGa Emerald Beyond
Foto: Square Enix

Lamentablemente, el diálogo en Emerald Beyond se desarrolla con una precisión casi inquietantemente lógica, sin las vacilaciones naturales de la conversación humana.

La temible monotonia

Si bien Emerald Beyond cuenta con 17 mundos diferentes para explorar y trazar hilos que se conectan en segundo plano, la jugabilidad momento a momento en cada mundo es muy similar.

Entras en una nueva área, presionas un botón para buscar automáticamente puntos de interés, eliges entre uno de los pocos puntos de interés, te sientas en un diálogo lento y largo y, ocasionalmente, peleas una batalla.

Todo esto es simplemente deambular punto a punto por áreas planas. Además, de vez en cuando tendrás que resolver algún sencillo tangram. Ese es básicamente el juego.

SaGa Emerald Beyond
Foto: Square Enix

Parte de esa configuración es similar a cómo operaba Scarlet Grace, pero está simplificada hasta el punto de quedar obsoleta. Scarlet Grace tenía ciudades y herreros para interrumpir el flujo. En Emerald Beyond, simplemente actualizas tus armas a través del menú principal. Esto simplifica el proceso pero también hace que el juego sea estrecho de miras.

Lo mejor de SaGa Emerald Beyond es su combate

Dicho todo esto, el combate es divertido. Las batallas por turnos se basan en el muy buen sistema de combate de Scarlet Grace con muchos ajustes inteligentes que lo hacen un poco más amigable.

Pero aún suficientemente inescrutable ya que, como en juegos anteriores, no hay puntos de experiencia y dependiendo de tu Según la raza del personaje, obtienes nuevas habilidades de forma semialeatoria.

SaGa Emerald Beyond
Foto: Square Enix

En cuanto a los nuevos ajustes, los personajes ahora pueden equipar dos tipos de armas diferentes, los combos son más fáciles de realizar y los diferentes tipos de personajes crean mucha más variedad en la creación de grupos.

Un juego irregular

Es una pena que SaGa Emerald Beyond no deje el aterrizaje fuera del divertido combate por turnos porque sigue siendo una serie fascinante y distinta.

Desearía estar más involucrado en la historia, porque el potencial de saltar entre 17 mundos e historias repetidas entrecruzadas suena genial. Simplemente no se fusiona en algo tan divertido.

SaGa Emerald Beyond pudo haber sido una gran experiencia desafortunadamente no llega a ningún punto que lo vuelva épico o transcendental , un punto importante es que se nota que la franquicia SaGa no termina de volverse esa Ip a la que se le apuesta en grande para obtener grandes resultados.

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Reseñas

Fantasian Neo Dimension, Sakaguchi en todo su esplendor- Reseña

Fantasian Neo Dimension es una oda a los JRPG clásicos con un toque moderno contando con una estética visual única

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Fantasian

Fantasian Neo Dimension es una oda a los JRPG clásicos con un toque moderno contando con una estética visual única y una jugabilidad que evoca nostalgia sin caer en la repetición.

Creado por Hironobu Sakaguchi, el padre de Final Fantasy, este título ofrece una experiencia que cautivará tanto a los veteranos del género como a los nuevos jugadores.

Fantasian
Foto: Square Enix

Comparar Fantasian con otros juegos creados por Hironobu Sakaguchi nos permite apreciar la evolución de su visión y el impacto duradero que ha tenido en la industria de los videojuegos.

Es innegable que Fantasian lleva consigo la esencia de la saga que catapultó a Sakaguchi a la fama. La exploración, los personajes carismáticos y las historias emotivas son elementos recurrentes en ambos.

Un juego tallado a mano

Sin embargo, Fantasian se diferencia al ofrecer una experiencia más íntima y artesanal, alejándose de las grandes producciones que caracterizaban a los últimos títulos de Final Fantasy.

En Fantasian, vemos esta tendencia en la utilización de dioramas físicos y en la implementación de mecánicas de juego innovadoras. Esto demuestra que incluso después de tantos años en la industria, Sakaguchi sigue buscando nuevas formas de contar historias y entretener a los jugadores.

Los dioramas físicos de Fantasian han demostrado que es posible crear experiencias visuales únicas y memorables utilizando tecnología relativamente sencilla. Esta idea ha sido adoptada por otros desarrolladores, quienes están experimentando con diferentes formas de combinar elementos físicos y digitales.

Este juego ha recordado a la industria que una buena historia es fundamental para crear un juego memorable. Muchos desarrolladores están poniendo un mayor énfasis en la narrativa y en el desarrollo de los personajes.

La experiencia de leyendas en Fantasian Neo Dimension

Uno de los aspectos más distintivos de Fantasian son sus dioramas de juguete. Cada escenario está construido con miniaturas físicas, lo que le otorga al juego una apariencia única y artesanal. Este estilo visual no solo es hermoso, sino que también añade profundidad y detalle a los entornos.

La última creación de Hironobu Sakaguchi se adhiere a un sistema de combate por turnos clásico, similar al de los primeros títulos de Final Fantasy. Sin embargo, introduce algunas mecánicas nuevas, como la capacidad de encadenar ataques y la posibilidad de explorar el campo de batalla para encontrar objetos ocultos.

Si bien el juego ofrece múltiples niveles de dificultad, algunos jugadores pueden encontrar que los combates se vuelven repetitivos después de un tiempo.Aunque la historia principal se puede completar en unas 30-40 horas, hay mucho contenido adicional para explorar, como mazmorras opcionales y coleccionables.

La música del maestro Nobuo Uematsu dentro de un historia épica

La música de Fantasian Neo Dimension está a cargo del maestro Nobuo Uematsu, otro veterano de la industria de los videojuegos.

Como es de esperarse es simplemente espectacular. Las melodías son memorables y evocan la emoción y la aventura de los JRPG clásicos.

Uematsu nos deja en claro porque es un referente dentro de la música mundial, gracias a que cada una de las canciones que acompañan el juego matizan de forma perfecta la aventura que estamos viviendo.

La historia de Fantasian es una mezcla de fantasía y ciencia ficción, con temas como la pérdida, la redención y la importancia de los recuerdos. Aunque la trama puede resultar predecible en algunos momentos, los personajes son carismáticos y la narrativa es lo suficientemente envolvente para mantener al jugador interesado.

Si bien es cierto que los personajes de Fantasian tienen claras influencias de muchos protagonistas de FF logran adquirir su propia personalidad a lo largo de la historia gracias a cada uno de los elementos que vas descubriendo alrededor del argumento.

Un juego con un alto pedigree

Fantasian Neo Dimension es un homenaje a los JRPG clásicos que no debe perderse ningún fan del género. Su estética visual única, su jugabilidad sólida y su banda sonora épica lo convierten en una experiencia inolvidable. Si buscas un juego que te transporte a una era dorada de los videojuegos, Fantasian es definitivamente para ti.

Este es un juego que todo fan de los JRPG debería probar. Es una carta de amor al género que combina nostalgia y innovación de manera magistral. Si buscas una aventura épica con una estética única y una historia conmovedora, Fantasian no te decepcionará.

Fantasian es una obra maestra que demuestra que Hironobu Sakaguchi sigue siendo uno de los creadores más influyentes de la industria de los videojuegos. Su capacidad para combinar nostalgia e innovación ha inspirado a una nueva generación de desarrolladores y ha dejado una huella indeleble en el género de los JRPG.


Es importante señalar que la mezcla de Sakaguchi y Uematsu siempre es garantía de calidad narrativa y musical, tal vez el gran pero que pudiera llegar a tener Fantasian Neo Dimension es su inmediata relación con FF.

Un pensamiento razonable pero afortunadamente poco a poco el juego se va desmarcando de esta pesada losa para tener su propio estilo.

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8 Score

Review Breakdown

  • Fantasian Neo Dimension es un homenaje a los JRPG clásicos que no debe perderse ningún fan del género. Su estética visual única, su jugabilidad sólida y su banda sonora épica lo convierten en una experiencia inolvidable. Si buscas un juego que te transporte a una era dorada de los videojuegos, Fantasian es definitivamente para ti. 0

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Cine

‘TURNO NOCTURNO’ | Reseña

El terror mexicano levanta la mano antes de cerrar el año y retoma la conocida leyenda de “La planchada” para llevarla a la pantalla grande ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña sin spoilers.

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El terror mexicano levanta la mano antes de cerrar el año y retoma la conocida leyenda de “La planchada” para llevarla a la pantalla grande ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña sin spoilers.

Si de tradiciones y leyendas hablamos, México es un país que tiene para aventar al cielo, cada región se especializa en las condiciones geográficas o climáticas propias para darle vida y sustento a creaturas, fantasmas o curiosidades que se han pasado de generación en generación. En el caso de la Ciudad de México, además de “La Llorona” (que se expande a otros territorios) tenemos la famosa leyenda de “La planchada”, una enfermera que usualmente reside en el Hospital Juárez (que curiosamente está celebrando su 177 aniversario), una mujer que, de acuerdo a lo que se cuenta, sigue cuidando a sus pacientes aún después de fallecida.

Es en este relato que el director Rigoberto Castañeda (“KM 31”, “Black Out”) se recarga para torcer un poco la historia de fantasmas y darle una perspectiva crítica ante los abusos sufridos por el género femenino en el ambiente laboral, para ello cuanta con un guion de su propia autoría y la participación de un elenco encabezado por Paulina Gaitan, seguida de Tony Dalton, Azul Guaita, Iazua Larios, Adriana Llabres y la larga trayectoria de Patricia Reyes Spíndola en su primera participación dentro del género de terror. La intención es muy buena pero falla en otros sentidos, sigue leyendo para enterarte de todo.

¿DE QUÉ TRATA “TURNO NOCTURNO”?

Es 1979 y la enfermera Rebeca García (Paulina Gaitan) acude al Hospital Juárez a solicitar trabajo, la buena noticia es que hay una lugar vacío listo para ser ocupado por ella, la mala noticia es que ese lugar es en el turno nocturno, en donde corre el rumor que “La Planchada” hace de las suyas, sin embargo la jefa de enfermeras (Patricia Reyes Spíndola) se guarda esa información par ver si Rebeca tiene lo necesario para quedarse de fijo en el trabajo.

Rebeca muestra conocimiento y habilidades con respecto a su profesión, pero no pasa mucho tiempo para que lo extraño aparezca y se vaya poco a poco desenterrando también un secreto que Rebeca guarda y que tiene que ver con su pasado familiar y psicológico, mientras los conflictos del trabajo aparecen y un doctor (Tony Dalton) aprovecha la oportunidad para coquetearle, a pesar de que una de las reglas del turno nocturno es no relacionarse con personas del trabajo, regla que “La Planchada” se toma muy en serio y no dejará pasar por alto una vez que empiece la cacería y el terror en el Hospital Juárez.

LO BUENO DE “TURNO NOCTURNO”

La actriz Paulina Gaitan lo hace muy bien representando un papel complejo y es ella junto a Patricia Reyes Spíndola las únicas que se sienten completamente sumergidas en el ambiente de terror que la película trata de proponer, la joven actriz adquiere en esta ocasión un aspecto sumiso y temeroso, casi jorobado para darle vida y personalidad a un personaje en conflicto y que poco a poco nos presenta diversas capas ocultas dentro de esa figura inocente.

El trabajo de diseño de producción es acertado en transportarnos a 1979, desde las locaciones hasta el vestuario e iluminación, el trabajo en el detalle como una solicitud de trabajo con máquina de escribir, es sin duda de los puntos más relevantes dentro de esta historia.

Aunque tiene grandes aciertos como grandes fallas, el trabajo de maquillaje y efectos prácticos es lucidor en diversos momentos, la narrativa coquetea con el terror ochentero (desde la música) y hasta algunos momentos de gore se hacen presentes, si bien tiene momentos lamentables hay otros muy rescatables que vale la pena mencionar por acá.

LO MALO DE “TURNO NOCTURNO”

Los actores Tony Dalton y Enoc Leaño están en otra película completamente distinta y no ayuda que sus personajes también se sientan muy caricaturizados, cada que alguno de los dos interviene en alguna escena debilita la fuerza narrativa y rompen la poca tensión construida por el guion, parte elemental que creo es la que más perjudica a la película.

La historia de “La planchada” en sí misma no daba mucho material para justificar una película, el director Rigoberto Castañeda quizá hizo bien en torcer la leyenda al ojo moderno de la crítica social, sin embargo su guion es lamentable en cuanto a las situaciones y diálogos por los que atraviesan los personajes, fuera de los tramposos jumpscares y momentos más gráficos la historia se torna incluso aburrida, pero creo que el mayor pecado que comete es traicionar el rumbo de denuncia que intentó armar para que al final sea la propia historia quien le quite mérito a su señalamiento social. Al final del día, lo peor que le pudo pasar a esta película es quedarse a medias en casi cualquier sentido técnico, práctico o narrativo por el que se le vea. No le alcanza para ser una película de terror, no le alcanza para sostener su propio misterio, se queda corto en cuanto a su exposición de horror y ni siquiera es consecuente con su entramado narrativo de crítica social.

Me gustaría ampliar mi comentario con respecto a lo anteriormente señalado, sin embargo también estaría arruinando el principal giro de tuerca (que además se huele a 31 kilómetros de distancia), por lo que lamentablemente tendrán que descubrirlo ustedes mismos. Quizá lo más triste de todo sea que en el corazón de “Turno Nocturno” había una buena película con una historia pertinente a la actualidad, lamentablemente se desvaneció en un mal tratamiento de guion y con una hechura que les recordará mucho más a cualquier capitulo de “Lo que la gente cuenta”.

VEREDICTO

“Turno nocturno” es la oportunidad desperdiciada de abordar no solamente una de las leyendas más conocidas de la ciudad, sino que es una bala perdida en cuanto la manifestación de descontento femenino que propone, una película mediocre en el sentido que no parece concretar ninguna de sus intenciones artísticas y/o argumentales para las que fue creada. Lo peor de todo es que tiene destellos de que algo mejor se podía lograr pero simplemente no ocurrió o son mucho más evidentes sus fallas que sus partes positivas.

El director Rigoberto Castañeda se siente muy entusiasmado y bien intencionado en plasmar su historia y honestamente le deseo lo mejor en taquilla ya que tiene el apoyo de la fanaticada del género de su lado, sin embargo “Turno nocturno” es una película que yo colocaría al final de una larga lista de pendientes, quizá el director debió pedir ayuda femenina para pulir mejor el guion, quizá no debió caricaturizar tanto a sus personajes, quizá debió ceñirse al terror duro y directo que por momentos le sale tan bien. Pero el “quizá” no existe y “Turno nocturno” es lo que es, para bien, pero sobre todo para mal.

Los invito a que no se queden con nuestra opinión nada más y acudan al cine a partir de este 5 de diciembre para ver “Turno nocturno” en caso de que nuestra reseña no los haya convencido de lo contrario, mientras tanto, solo espero que “La Planchada” no me venga a jalar las patas esta noche.

Turno Nocturno (2024)

4 Score

"Turno nocturno" es la oportunidad desperdiciada de abordar no solamente una de las leyendas más conocidas de la ciudad, sino que es una bala perdida en cuanto la manifestación de descontento femenino que propone, una película mediocre en el sentido que no parece concretar ninguna de sus intenciones artísticas y/o argumentales para las que fue creada.

PROS

  • Las actuaciones de Paulina Gaitan y Patricia Reyes Spíndola
  • Diseño de producción que nos transporta a la época
  • Algunos momentos de terror bien logrados

CONS

  • Las actuaciones masculinas
  • Lamentable guion
  • Algunos efectos prácticos y especiales más parecidos a lo hecho para televisión mexicana
  • Historia mediocre que no atina ni el terror ni la crítica social que intenta

Review Breakdown

  • Calificación Final 0

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Cine

El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim | Reseña sin spoilers 

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La leyenda jamás contada de Héra hija de Helm.

Es bien sabido que cuando J.R.R. Tolkien escribió los libros de El Señor de los Anillos y sus demás obras relacionadas, lo hizo con la intención de crear una mitología como la nórdica o las de otras culturas, de ahí que el mundo o el lore de este universo sea tan rico.

Ahora llega a las salas de cine El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim, una película animada que se sitúa 200 años antes de los hechos de El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo.

En esta cinta se narra la historia de El Abismo de Helm y si bien se encuentra inspirada en la obra de J.R.R. Tolkien, se toma algunas libertades para contar el nacimiento de una heroína que apenas y es nombrada en los libros

 ¿Qué tal funciona esto? ¿Qué tanto enriquece al universo de Tolkien? ¿Hará enfurecer a los fans más acérrimos? A continuación les cuento.


¿De qué va?

Como mencioné, la historia narra el origen de la guerra/asedio que dio lugar a que la fortaleza de Hornburg fuese conocida como El Abismo de Helm, en honor al Rey de Rohan: Helm Hammerhand, esto tras el ataque de Wulf.

Un astuto y despiadado señor Dunlending que busca vengar la muerte de su padre; pero como vemos en los tráilers, será Héra, hija de Helm, quien encabece una resistencia en contra de éste villano.

Lo bueno de El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim

Sin duda fue un gran riesgo y acierto, el tomar un personaje sin nombre del que apenas se habla en los libros para protagonizar esta historia como lo es Héra.

Dando más de libertad para explorar su desarrollo y la misma historia sin afectar de manera sustancial las obras de Tolkien.

Pero en mayor medida las películas, que es con las que se busca conectar.

Así, tenemos una historia interesante con un buen (aunque un tanto predecible) desarrollo de personaje protagónico que permite explorar un punto de la historia de la Tierra Media desde un punto de vista moderno.

Pero son dejar de respetar el mundo construido por J.R.R. Tolkien, buscando conectar con nuevas audiencias y a la vez, dejar satisfechos a los fans.

Aunque ello no detendrá a los fans más “clavados” en quejarse porque una mujer es protagonista.

Pero lo cierto es que su protagonismo para nada se siente forzado.

no es necesario haber leído los libros o visto las películas de El Señor de los Anillos para ver ésta cinta animada.

Ya que su historia no conecta directamente con dicha saga u otra de Tolkien, aunque sí tiene algunos guiños o cameos para satisfacer a los fans.


De igual manera las batallas se encuentran bien logradas y dirigidas (gracias a Kenji Kamiyama) y hasta cuentan con varias referencias.

Tanto los combates entre tropas, así como las individuales, cuentan con buena coreografía para sentir la tensión en cada una de ellas.

Lo cual es en gran medida a su soundtrack para el cual usaron los temas de las películas.

Tuve la oportunidad de ver la cinta en inglés y Gaia Wise (Héra) y Brian Cox (Rey Helm) se llevan la película con sus actuaciones y la química que hay entre ellos.


Lo malo.

Hay dos puntos donde falla la película y que están conectados: su animación (no confundir con su diseño de personajes que es genial)  y su narrativa.

No es que su animación sea mala, pero tiene muchas fallas a niveles técnicos que son imposibles de ignorar.

Como sobreanimación en momentos que no lo ameritan (pareciendo que busca copiar el estilo de animación japonesa de hace 20 años), desproporción de tamaño.

O incluso falta de encuadre entre la animación con los escenarios.

Tambien el que a los rostros de los personajes que se encuentran medianamente alejados de pantalla les ponen una “poker face”

(¿recuedan como cierto anime muy popular de dragón sufrió hate porque los rostros eran puntos y rayas? pues así).

Y aunque estos “detalles” no impiden que se disfrute la película y por fortuna no suceden durante las batallas, sí son molestos.

No deberían de existir para una producción que está llegando a cines y que se nos está presentando como el regreso a la pantalla grande de El Señor de los Anillos.

Denotando que era un producto pensado para ser estrenado en streaming(o eso quiero creer y es que la animación japonesa nos ha mostrado lo increíble que se puede y debe ver una película animada en 2D en la pantalla grande).


De igual manera su narrativa se llega a sentir lenta y a veces aburrida, sobre todo cuando busca que admiremos los paisaje o escenario.

Sin embargo, muchas veces por culpa de su propia animación, estos momentos se sienten vacíos.


Conclusión.

El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim es una cinta entretenida con grandes y emocionantes batallas y personajes carismáticos con un gran diseño.

Que logra darnos una historia que se adapta a tiempos actuales y respetando la obra de J.R.R. Tolkien.

Lamentablemente su narrativa a veces lenta y algunas faltas en su animación aminoran la experiencia y aunque se pudieran considerar “detalles” restos errores en la animación.

No deberían de existir.

Puesto que se trata de una producción que llega a cines y que se nos está presentando como el regreso a la pantalla grande de El Señor de los Anillos.

No obstante, es una cinta que que tanto fans como personas que nunca han tenido un acercamiento a El Señor de los Anillos pueden disfrutar. 


El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim estrena este 05 de diciembre

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PROS

  • Grandes y emocionantes batallas.
  • Historia entretenida con una protagonista carismática.
  • Buen diseño de personajes.
  • Momentos épicos con muchas referencias

CONS

  • Animación poco pulida cuando no hay acción.
  • Narrativa le que se ve afectada por escenarios vacíos.
7

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