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Cine

WHEN YOU´RE STRANGE (2009) | Reseña

Festeja el 60 aniversario de The Doors con el reestreno del documental WHEN YOU´RE STRANGE remasterizado en 4k solo este 4 y 6 de diciembre.

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Festeja el 60 aniversario de The Doors con el reestreno en Cinépolis de este documental remasterizado en 4k solo este 4 y 6 de diciembre.

En 1991 el director Oliver Stone presentó al mundo la decadente historia del Rey Lagarto, a pesar de ser una película más que aceptable a nivel técnico y narrativo, los integrantes sobrevivientes de la banda (en ese entonces Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore) no quedaron muy satisfechos con el resultado, ya que según ellos exaltaba demasiado el lado autodestructivo de James Douglas Morrison, en un tono sensacionalista que no representaba la hermandad y buenos momentos que también vivieron con el poeta.

La dirección de WHEN YOU´RE STRANGE

No fue sino hasta 2009 que la banda vio sus deseos por fin cumplidos con el estreno del documental “When you´re strange”, documental dirigido por Tom Dicillo (“Johnny Suede”, “Living in oblivion”, Box of Moonlight”, entre otras), ya que en palabras de la banda no solo logra capturar el espíritu de la banda sino que además aporta el contexto social en el cual tuvo lugar su nacimiento y sorpresiva desaparición (al menos como la conocíamos). Este año la banda cumple 60 años desde aquella ocasión en la que Ray Manzarek encontró de manera fortutita a Jim Morrison en la playa y éste último le cantó la estrofa de lo que sería “Moonlight Drive” y la banda ha decidido sumarnos al festejo con el reestreno en 4k de este documental, además de dos agregados sorpresa que les revelaré más adelante.

PEOPLE ARE STRANGE, WHEN YOU´RE A STRANGER

El documental arranca de manera sorpresiva con material de “HWY: An American Pastoral”, una “película” en la que el propio Jim Morrison encarnaba al protagonista y Tom Dicillo usa estas imágenes para que sea el propio Rey Lagarto el que escucha por radio la noticia de su muerte en París, una decisión osada y controversial que nos recuerda el gran mito y misterio alrededor de su temprano fallecimiento. Entonces el documental nos regresa al verano de 1965, en donde una plácida tarde en la playa el tecladista se encontró al poeta y decidieron formar una banda de rock que, sin saberlo aún, se colocaría entre los mitos más grandes del género.

Es verdad que el vehículo es Jim Morrison, sin embargo todo el material de archivo recabado, el montaje del director, el uso de todo el metraje grabado en su momento por el fotógrafo Paul Ferrara, brindando un retrato audiovisual de todo lo acontecido, narrado ni más ni menos que por Johnny Depp y la decisión consciente de evitar entrevistas actuales, manteniéndonos siempre en el ambiente turbulento de finales de los sesentas.

IF THE DOORS OF PERCEPTION WERE CLEANSED, EVERYTHING WOULD APPEAR TO MAN AS IT IS: INFINITE

La cita anterior corresponde al poeta William Blake y es la frase que Jim Morrison usó como inspiración para bautizar a una banda que en tan solo seis años sacudió al mundo entero.

Tom Dicillo acierta en contarnos la trayectoria de esta banda desde sus inicios con mucho material original (algunas partes inéditas en su momento), la voz de Johnny Depp acompaña sin robar protagonismo a las imágenes, el montaje es coherente y lleno de las distintas facetas de la banda, manipulando el metraje para presentar al tímido vocalista que se presentó por primera vez en el London Fog hasta el peligroso control de masas que lo llevaron a juicio en Miami.

La creación

El entorno es un elemento crucial dentro del nacimiento de la banda y Tom Dicillo echa mano también de material de archivo para insertarnos en el naciente verano del amor, la revolución sexual por parte de la juventud que tenía el deseo de experimentar con sus cuerpos y con algunas drogas en la persecución de una libertad negada por los rígidos padres provenientes de una guerra mundial. Para dar paso al revés social y político de una cruenta guerra en Vietnam que dio por terminado ese momentáneo espíritu de paz, diversos atentados políticos y sucesos varios que fueron un constante combustible para The Doors.

Un documental sobre una banda no estaría completo sin la música y en este caso el director contó con todo el apoyo de la banda que aportó su vasto catálogo, que alegra o ensombrece las imágenes conforme es necesario.

Muchas bandas no tienen muy claro que a veces uno de sus elementos es la parte más llamativa de su presencia escénica, el documental está consciente de ello y James Douglas Morrison, el poeta, el cantante, el humano, es la base sobre la cual se yerguen el resto de historias, pero es justo decir que también le da un justo valor a todos sus elementos que en conjunto crearon una de mis bandas favoritas, cuyo legado sigue resonando a sesenta años de distancia.

RIDERS ON THE STORM

La oportunidad de ver este documental en pantalla grande y en versión restaurada debería de bastar para que fanáticos y no fanáticos se animen a ser parte del festejo, sin embargo soy consciente de que muchos fanáticos ya vieron el documental o quizá hasta lo posean en formato físico, es por eso que los miembros sobrevivientes agregaron dos pequeñas sorpresas.

En primer lugar una breve entrevista que sirve de introducción al documental, John Densmore detrás de una batería y Robbie Kireger uniéndose después, para darnos la bienvenida y agradecer que los espectadores estén presentes para mantener vivo el legado.

En segundo lugar, podrán ser testigos del estreno exclusivo de la canción “Riders on the storm” como parte de la iniciativa “playing for a change” que siendo fiel a su formato, inicia con los dos miembros restantes de la banda, pero se van uniendo músicos e interpretes de distintas partes del mundo que aportan su estilo y hasta propia cultura para una amalgama sobre la cual tengo mis propias opiniones, pero dejaré que ustedes la descubran. Si bien, es muy posible que posteriormente puedan ver esta pieza en redes sociales, tendrán la oportunidad de ser los primeros en verla, además en pantalla grande y con todo el poder del audio que una sala de cine nos puede ofrecer.

THIS IS THE END en WHEN YOU´RE STRANGE

Como conclusión, “When you´re strange” es un evento que estoy seguro los verdaderos fanáticos están esperando con ansia, pero que también sirve de documento histórico para recordarnos la importancia de esta banda, su espíritu libre y contestatario, firmes en sus convicciones de colocar la música antes de cualquier otra cosa, la música como medio de expresión, la música como oportunidad de trascender (como músicos y oyentes), una banda que se dio el lujo de rechazar las propuestas de sus productores respecto a sacar su canción más pegajosa como sencillo, prefiriendo las más largas y diferentes, algo que en esta época llena de hits y la búsqueda del éxito instantáneo se extraña.

“When you´re strange” llega a Cinépolis (y diversas partes del mundo) este 4 y 6 de diciembre y de verdad no se la deben perder.

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8.5/10

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Cine

El reboot de Darkman sigue vivo y anuncia directores

Llegan buenas noticias para los fans de Darkman: un nuevo informe revela que los directores de Don’t Move, Brian Netto y Adam Schindle

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Darkman

Llegan buenas noticias para los fans de Darkman: un nuevo informe revela que los directores de Don’t Move, Brian Netto y Adam Schindler, se unen para relanzar la clásica película de Sam Raimi.

Durante la promoción de la cinta de Doctor Strange de 2022, el cineasta Sam Raimi confirmó que “Universal está hablando de una secuela de Darkman”.

Desde entonces, hemos escuchado muy poco, pero parece que el trabajo finalmente avanza en el reinicio.

Según Dread Central, los directores de Don’t Move, Brian Netto y Adam Schindler —quienes trabajaron con Raimi en el thriller de Netflix—, se unen para dirigir Darkman para Ghost House Pictures.

Antes de producir Don’t Move, Raimi trabajó con Netto y Schindler en 50 States of Fright de Quibi.

En 2024, el dúo declaró que Darkman era el proyecto de sus sueños. “Si hablamos de algo relacionado con Sam, es Darkman”, dijo Schindler. Hablamos de Darkman [con él]. Nos encanta y nos encanta Darkman.

Netto añadió: “Darkman fue mi película favorita durante gran parte de mi vida. Era la película, así que Darkman sería realmente interesante”.

El culto alrededor de Darkman

Como recordarán, la película de 1990 fue la primera incursión de Raimi en el género de superhéroes y su debut en un estudio tras trabajar en la franquicia Evil Dead.

Contaba con un elenco impresionante encabezado por Liam Neeson y Frances McDormand, y el primero interpretó al Dr. Peyton Westlake, un científico convertido en maestro del disfraz que se embarcó en una misión de venganza tras ser desfigurado por la mafia.

Si bien Darkman no fue un éxito rotundo para Universal Pictures, se ha convertido en un clásico de culto que ha inspirado videojuegos, varios cómics y un par de secuelas directas a DVD (sin Neeson).

Se trata de El regreso de Durant (1995) y La muerte de Darkman (1996).

Eso significa que han pasado 30 años desde la última vez que Darkman apareció en la pantalla, así que parece el momento adecuado para reinventar al personaje para el público moderno.

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Cine

La cinta live action de Voltron revela más sobre su historia

Un nuevo rumor sobre Voltron incluye una sinopsis de la próxima adaptación live action además de revelar el papel de Henry Cavil

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Voltron

Un nuevo rumor sobre Voltron incluye una sinopsis de la próxima adaptación live action además de revelar el papel de Henry Cavill en la película.

La próxima película de Voltron finalizó su rodaje el verano pasado, y aún no hemos visto ni una sola imagen de la adaptación live actionl.

Aun así, el entusiasmo entre los fans por esta adaptación de la serie animada de televisión de los 80, Voltron, El Defensor del Universo, es comprensiblemente alto.

Para quienes no estén familiarizados con la premisa, Voltron gira en torno a cinco Robot Lions pilotados que pueden combinarse para formar el robot humanoide definitivo, Voltron, para combatir el mal.

El cineasta Rawson Marshall Thurber (Red Notice, Skyscraper) ha afirmado que su versión “se mantendrá fiel a la esencia y el espíritu de Voltron” a la vez que “presenta una generación completamente nueva de pilotos”.

Los rumores alrededor de Voltron

Es un proyecto con mucho potencial, aunque siempre es difícil complacer a los fans de toda la vida de una franquicia como esta (con un poco de suerte, Voltron tendrá un éxito algo mejor que las películas de Transformers).

Feature First ha compartido hoy nuevos detalles sobre la película, incluyendo los primeros detalles de la trama:

“Tras la muerte de su madre, un afligido adolescente terrestre descubre una verdad devastadora: ella era una legendaria piloto de Voltron de Altea, que protegía la galaxia en secreto. Cuando el tirano Zarkon se libera de su prisión y lanza un brutal asalto a Altea, el afligido chico se ve obligado a asumir su legado, obligado a pilotar su león y reunir al Equipo Voltron.”

“Pero atormentado por la inseguridad y los repetidos fracasos, lucha por estar a la altura… hasta que se da cuenta de que su verdadera fuerza no residía en la habilidad ni la tecnología, sino en el coraje forjado a través de la pérdida. Para salvar a Altea —y honrarla—, debe encontrar ese mismo fuego dentro de sí mismo.”

El sitio web también afirma que Henry Cavill, protagonista de El Hombre de Acero, ha sido elegido para interpretar al Rey de Altea, y que Sterling K. Brown (Pantera Negra) interpretará a Zarkon, el villano de Voltron (un papel que lleva tiempo vinculado).

Se espera que la película de Voltron llegue exclusivamente a Prime Video en 2026.

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Anime

Virgin Punk: ClockWork Girl | Reseña sin spoilers

Virgin Punk: ClockWork Girl es una joya para todos los son fans del anime y del cyberpunk que no se pueden perder.

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Una joya para todos los son fans del anime y del cyberpunk que no se pueden perder.

Las historias con temáticas cyberpunk resultan ser de las más interesantes (cuando están bien hechas) ya que abordan mundos distópicos en los que contrastan los avances tecnológicos con la degradación de lo humanitario y la moral; bajo esta premisa llega Virgin Punk: Clockwork Girl, un anime tipo OVA (Original Video Animation) con una animación impecable y que nos presenta el inicio de una épica historia y tal vez ya lo sepan, pero al tratarse de una especie de OVA su duración es mayor a los 30 minutos y aunque incluye extras como un detrás de cámaras, seguramente se preguntarán si vale la pena el pagar un boleto de cine por esto y la respuesta es un rotundo SÍ, si son fans del anime y de lo cyberpunk tienen que ver Virgin Punk: Clockwork Girl en la pantalla grande y a continuación les cuento el porqué.

¿De qué va?

Virgin Punk: Clockwork Girl se sitúa en el año 2099 en un futuro distópico en el que la tecnología médica llamada Somadea, ha permitido reemplazar o mejorar partes humanas, sin embargo y pese a que su propósito es el de salvar vidas, también estás siendo utilizada para transformar humanos en armas vivientes. Por ello el gobierno ha permitido la implementación de cazarrecompensas quienes están autorizados para eliminar a estos criminales, claro por un pago.

Aquí conocemos a Ubu Kamigori, una cazarrecompensas conocida como “Clockwork Girl” debido a la precisión y frialdad con la que ejecuta sus asignaciones, pero todo va a cambiar para ella cuando se encuentre con Mr Elegance, con quien parece tener un pasado.

Lo bueno.

Dirigida por Yasuomi Umetsu y producida por el estudio SHAFT, Virgin Punk: Clockwork Girl es una increíble y bien lograda animación, con escenas de acción que nos deleitan con un espectáculo visual como pocas veces vemos en la pantalla grande y esto se debe al diseño estético de los personajes y la fluidez en su animación, asi como el escenario cyberpunk que si bien es vistoso y colorido, no deja de tener ese feeling de ser un mundo oxidado.

Los combates se encuentran perfectamente animados con una coreografía que  muchas películas de acción, incluyendo las mejores, envidiarían; todo acompañado de una historia que toca temas como el abuso de poder, la tecnología y la línea moral para su uso y el propio abandono de la humanidad y una narrativa que se podría sentir apresurada a ratos.

Su música a cargo de Yoshiaki Dewa refuerza el tono ciberpunk, intenso y emocional de la obra.

Lo malo.

Su punto débil y esto muy entre comillas, es su duración, y es que no se trata de una película animada como tal, sino de un tipo de OVA de más de 35 minutos, siendo los OVAs animaciones de mayor duración a capítulos normales del anime que eran lanzados directamente a video, “min películas” para video pues. 

Pero esto está hecho a propósito por el propio director, ya que se trata apenas de la primera parte o del capítulo 1 de esta saga de Virgin Punk.

Y por su corta duración, pudiera sentirse que cuenta con una narrativa un tanto apresurada y es entendible, ya que los diálogos son concisos y sin rodeos, pero no por ello dejan de sentirse los conflictos emocionales y el peso de los temas que se abordan.

Con todo y un “making off”.

Y si se preguntan si es todo lo que viene con la cinta, no se preocupen, que Virgin Punk: Clockwork Girl viene acompañado de un detrás de cámaras y su proceso creativo , el cual es muy interesante y aporta mucho contexto a las decisiones creativas, incluyendo que este sea el primer capítulo.

Conclusión.

Si son fans del anime en general y de las obras cyberpunk, deben de ver Virgin Punk: Clockwork Girl, una obra que compensa su corta duración con una increíble animación, una historia emocional y concisa, y soundtrack que nos trasmite la atmósfera de un mundo distópico, transformando este anime en un gran espectáculo audiovisual, todo con un detrás de cámaras interesante y que nos proporciona mucho contexto de la creación de este que es el primer capítulo de “Virgin Punk”.

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VIRGIN PUNK: CLOCKWORK GIRL | RESEÑA SIN SPOILERS
  • Animación
  • Dirección/guion
  • Sounctrack
  • Narrativa
  • Duración
4

Virgin Punk: Clockwork Girl | Reseña sin spoilers

Si son fans del anime en general y de las obras cyberpunk, deben de ver Virgin Punk: Clockwork Girl, una obra que compensa su corta duración con una increíble animación, una historia emocional y concisa, y soundtrack que nos trasmite la atmósfera de un mundo distópico, transformando este anime en un gran espectáculo audiovisual, todo con un detrás de cámaras interesante y que nos proporciona mucho contexto de la creación de este que es el primer capítulo de “Virgin Punk”.

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