Cine
“EL HOMBRE DEL NORTE” (2022) | Reseña sin spoilers
El aclamado director Robert Eggers reúne un reparto excepcional para contar su propia visión de una leyenda nórdica, dando así su primer paso al cine de presupuesto millonario ¿Está a la altura? Acá te contamos.
A pesar de solamente contar con dos (muy buenos) trabajos, el director Robert Eggers ha sido capaz ya de reunir un sólido séquito pero también detractores debido a la estética y tono de su narrativa, un horror de ambiente con “La Bruja” (2015) y una combinación de horror con terror psicológico en “El Faro” (2019), ahora con una producción que rebasa en diez veces el presupuesto de una y en más de veinte el de su ópera prima, no es raro que las expectativas estén por las nubes, el director se agarra con uñas y dientes (lo más que puede) a su propuesta autoral, a pesar de que ya ha salido a la luz la presión del estudio para que la película tenga un corte más “amable”, después de las proyecciones de prueba meses antes de su estreno.
Noventa millones de dólares, una pléyade de estrellas, su equipo de confianza y la música de la dupla Robin Carolan / Sebastian Gainborough hacen que el hype esté por las nubes ¿Quieren más? Qué tal que agregamos a la mezcla el regreso a la pantalla grande de la cantante islandesa Björk y la aportación de su compatriota Sjón (escritor de “Lamb”) para la construcción del ambicioso guion. Es curioso como todo lo anterior funciona para bien o para mal dependiendo del ojo lector. Pero comencemos por el principio con The Northman.
¿DE QUÉ TRATA “EL HOMBRE DEL NORTE”?
Estamos en el año 895 DC, el Rey Aurvandil (Ethan Hawke) regresa triunfante a su hogar después de meses de batalla, ahí se reencontrará con su esposa la Reina Gudrún (Nicole Kidman) y su único heredero Amleth (Alexander Skarsgård), una herida en batalla acelera el proceso ritual de pasar el manto al joven Amleth, para lo cual recurren a un rito ancestral que ha pasado de generación en generación comandado por el brujo y bufón Heimir (Willem Dafoe), lamentablemente la tragedia se cierne sobre la familia cuando al siguiente día de completar la ceremonia, el Rey es asesinado ni más ni menos que por su hermano Fjölnir (Claes Bang), después de escapar, el príncipe Amleth se autoimpone un juramento que marcará el resto de su vida: “Te vengaré Padre. Te salvaré Madre. Te mataré Fjölnir”.
El mantra de venganza lleva a Amleth a territorios lejanos y a convertirse en un salvaje guerrero, hasta que se le presenta la oportunidad de regresar y cumplir su promesa.
LO BUENO
No cabe duda que el equipo ensamblado por el director cumple cabalmente su función, desde la asombrosa fotografía de Jarin Blaschke que con una paleta fría de colores nos transmite perfectamente el hostil mundo en donde ocurre la tragedia y posterior búsqueda de venganza, la mirada artística de un director que aún en las escenas de batalla no cede del todo al aspecto comercial del cine y lo demuestra con un interesante, complicado y muy violento plano secuencia (la violencia que roza el gore es una constante, así que sirva de esto como prevención para los que no disfrutan de este tipo de imágenes en el cine), la música avasalladora compuesta principalmente de tambores tribales nos aportan también el ambiente épico / bélico en el que la historia se recarga.
No hay una sola actuación que se quede detrás, desde las cortas (pero efectivas) apariciones de Björk o Willem Dafoe, pasando por el tremendo trabajo físico y actoral de Alexander Skarsgård quien además renueva su compromiso para con la película al estar presente en la producción. Los escenarios en los que se mueven estos bien construidos personajes son hermosos e intimidantes en la misma proporción, por lo que los apartados técnicos involucrados merecen una alta nota en la entrega de su labor.
Si bien la historia tiene los elementos de una clásica leyenda de venganza, tragedia romana o toques Shakespearianos, aporta también uno que otro giro de tuerca o elemento cuasi fantástico como para alejarla completamente a una representación teatral como quizá resultó “La tragedia de Macbeth” (2021) de Joel Coen.
El elemento que más disfruté es el que he bautizado como “La batalla de los dioses” y es que dentro de este drama de venganza participan también otros personajes que nunca vemos de manera clara pero que son parte importantísima (según yo) de lo que ocurre en la trama, los titiriteros a cargo de los hilos del destino de los personajes que se mueven irremediablemente hacia su fatídico final, casi sin que puedan hacer nada al respecto, es este subtexto el que acompañado de la enorme cinematografía y su (por momentos) ritmo pausado, lo que me parece que la separa de manera más clara de otras épicas parecidas.
LO MALO
El único departamento técnico que muestra cierta falla (nada grave) en The Northman, es el de efectos prácticos y especiales, aunque es justo también decir que no disminuyen la efectividad del desarrollo de la trama.
Robert Eggers manifestó su inconformidad en cuanto a las necesidades del estudio para entregar un corte más “amigable”, completamente entendible conociendo el trabajo anterior del director, pero en detrimento de su visión autoral y me parece que este nuevo corte de The Northman (que complació finalmente al estudio) dio origen a un producto algo dispar, que tiene una construcción lenta (muy del director), pasa posteriormente al bando de la acción (con una manufactura buena pero alejada a lo que el director había hecho antes), una caída en el ritmo que a falta de una mejor justificación o desarrollo se siente sobrada en su narrativa, la evolución después a un género más terrorífico (en donde se siente la comodidad del director nuevamente), la inclusión de un romance y el regreso circular a la conclusión de la tragedia que originó todo, creo que es en ese vaivén de géneros y hasta estilos que provocará la principal división dentro del público que asista a ver El Hombre del Norte.
Esta trama clásica abordada también de esa manera en los diálogos (y lengua), hará también que el público más acostumbrado a películas actuales termine algo desencantado y es que el diálogo de los personajes se siente por momentos recitado y (esto es a título meramente personal) la decisión de que todos los personajes masculinos aparezcan con voces graves y rasposas se siente algo forzado.
VEREDICTO
“El hombre del Norte” es de esas películas que nos hacen recordar la importancia y felicidad de asistir al cine, sobre todo por la grandiosidad de sus imágenes que en combinación al enorme sonido justifican el precio de un boleto y la comunión social que solo se logra en una sala, lamentablemente y aunque se nota que el director se esforzó, se nos presenta como una épica de nicho todavía y no lo digo como algo negativo o positivo sino como una característica inherente que se verá reflejada en su recibimiento en taquilla.
Es por lo anterior que me gustaría mencionar no solamente lo que considero que la película es, sino lo que NO es, y es que no importa que el tráiler así lo presente, esta NO es una historia de venganza al estilo “Gladiador” (2000) con ritmo fluido, aportes sentimentales y arcos argumentales facilones o de fórmula, esta NO es una película eminentemente de acción, esta NO es una película de ambiente o reflexiva (por lo menos no toda) como el director nos tiene acostumbrados, esta NO es una película de horror (al menos no toda) alejándose también de lo entregado por su creador anteriormente, lo que SI podría ser es un licuado de todo lo anterior que bajo la estética y narrativa de Eggers es capaz de complacer a gran parte del publico pero irónicamente incluso decepcionar a alguno de sus seguidores.
No importa de qué lado te encuentres, “El hombre del Norte” es de esos eventos cinematográficos a los que vale la pena acudir, aunque sea para quejarte de lo mal que la pasaste (cosa que veo difícil que ocurra del todo para ser honesto), la película se estrena este 14 de abril en salas mexicanas, muy posiblemente con una clasificación para mayores de edad (para que lo tenga en cuenta) y te invito a que seas tú el que decida (como por ahí andan diciendo) si esta es o no “la mejor película del año”.
Cine
MARY & MAX – Reseña
Mary & Max habla de temas cercanos: la soledad, las inseguridades y la necesidad de encontrar a alguien, te contamos más en nuestra reseña
Hay películas que utilizan la animación para construir mundos fantásticos, llenos de colores y personajes imposibles. Mary & Max, en cambio, utiliza esta técnica para hablar de algo mucho más cercano: la soledad, las inseguridades y la necesidad de encontrar a alguien con quien podamos sentirnos comprendidos.
Dirigida por Adam Elliot, esta producción en stop-motion cuenta la historia de Mary, una niña australiana que crece sintiéndose diferente a los demás, y Max, un hombre que vive en Nueva York y que lleva una existencia marcada por la rutina, el aislamiento y sus propias dificultades para relacionarse con el mundo. Sus caminos se cruzan de una manera bastante sencilla: Mary decide escribirle una carta a un desconocido que encuentra al azar. Lo que podría haber sido una conversación pasajera termina convirtiéndose en una amistad que se desarrolla a lo largo de varios años.
La expresión de la sinceridad cotidiana
La relación entre ambos es el corazón de la película. A pesar de la enorme distancia que los separa, las cartas se convierten en un espacio donde pueden expresarse con una sinceridad que difícilmente encuentran en sus vidas cotidianas. Mary busca respuestas sobre el mundo y sobre sí misma, mientras Max encuentra en esa correspondencia una conexión que le permite salir, aunque sea momentáneamente, de su aislamiento.
Uno de los aspectos más interesantes es que la película no convierte esta amistad en algo perfecto. Mary y Max también se equivocan, tienen diferencias y llegan a hacerse daño. La historia entiende que querer a alguien no significa necesariamente saber cómo ayudarlo o comprenderlo en todo momento. Esa imperfección hace que su relación resulte mucho más creíble y cercana.
Visualmente, Mary & Max es igualmente particular. El stop-motion construye personajes de apariencia sencilla, pero cargados de personalidad. Los tonos apagados, los escenarios detallados y la iluminación contribuyen a crear una atmósfera melancólica que acompaña el estado emocional de los protagonistas. En contraste, el humor aparece constantemente y ayuda a equilibrar los momentos más difíciles.
Y ahí se encuentra uno de los grandes méritos de la película: sabe hablar de temas complicados sin convertir cada escena en un momento dramático. Puede pasar de una situación divertida a otra profundamente triste sin que ninguna de las dos sensaciones parezca fuera de lugar. La película entiende que la vida también funciona así; incluso en los momentos más complicados pueden existir pequeñas situaciones capaces de provocar una sonrisa.
Más allá de su historia, Mary & Max también funciona como una reflexión sobre la necesidad humana de conectar con otras personas. No importa la edad, la distancia o las diferencias entre los protagonistas: ambos encuentran en el otro una forma de sentirse escuchados. Y quizá esa sea la idea que permanece después de los créditos: en ocasiones, una persona que apenas conocemos puede terminar teniendo un impacto enorme en nuestra vida.
La propuesta de Mary & Max
Mary & Max no es una película que busque ser fácil de digerir. Hay momentos incómodos, situaciones dolorosas y temas que pueden resultar difíciles, pero todo forma parte de una historia que nunca trata a sus personajes con condescendencia.
En lugar de presentar soluciones sencillas, simplemente muestra a dos personas intentando encontrar su lugar en un mundo que muchas veces parece no estar hecho para ellas.
Mary & Max llegara a cines mexicanos por primera vez, gracias a Cinemex y Cine Canibal, y aunque no es una película nueva, es muy probable que no la hayas visto, por lo que recomiendo completamente que la veas en pantalla grande.
Calificación: 9/10
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Cine
Cliff Booth, de Érase una vez en Hollywood, regresa
Netflix por fin ha lanzado el primer tráiler de The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, la próxima obra de David Fincher
Netflix por fin ha lanzado el primer tráiler de The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, la próxima obra de David Fincher en la que Brad Pitt retoma su papel —ganador del Óscar— como el doble de acción que da nombre a la cinta.
Por fin, Netflix ha compartido el primer tráiler oficial de The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, su esperadísima secuela independiente y spin-off de Once Upon a Time in Hollywood (de Quentin Tarantino).
Que cuenta con el regreso de Brad Pitt a su papel de doble de acción, galardonado con un Óscar.
El tráiler rebosa acción y comedia, además de incluir varias referencias a la película de 2019, como una alusión a la anécdota de Booth con Bruce Lee y novedades sobre el paradero de su inseparable compañero Rick Dalton (interpretado por Leonardo DiCaprio en el filme original).
Según se ha informado, DiCaprio rechazó hacer un cameo en la secuela, pero el tráiler no pierde tiempo en revelarnos qué ha sido de su icónico personaje.
La trama de The Further Mis-Adventures of Cliff Booth
La sinopsis completa de la película dice así:
Asesinato, chantaje, robo, extorsión: un verano más en Hollywood. Es 1977, han pasado ocho años desde que Cliff Booth (Pitt) se cruzó con la Familia Manson en la historia alternativa de 1969 imaginada por Quentin Tarantino en Érase una vez en… Hollywood.
En The Further Mis-Adventures of Cliff Booth (Las nuevas desventuras de Cliff Booth), dirigida por David Fincher a partir de un nuevo guion de Tarantino, el cuento de hadas ha terminado.
El reparto coral cuenta con Brad Pitt (Cliff Booth), Elizabeth Debicki (Karen Crosby), Scott Caan (Charlie Peters), Carla Gugino (Toni Peters), Yahya Abdul-Mateen II (Roderick ‘Hot Rod’ Harrison), Peter Weller, Matt Groove, JB Tadena, Corey Fogelmanis, Karren Karagulian, Holt McCallany, Timothy Olyphant (James Stacy), Barry Livingston y Lauren Glazier.
Tarantino también publicará una novelización de este spin-off, titulada The Adventures of Cliff Booth, cuyo lanzamiento está previsto para el 8 de diciembre.
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Cine
Batman: Knightfall Part 2: Knightquest presenta primer tráiler
Batman ha caído y un nuevo Caballero Oscuro debe surgir en Batman: Knightfall Part 2: Knightquest. Te presentamos el tráiler
Batman ha caído y un nuevo Caballero Oscuro debe surgir en Batman: Knightfall Part 2: Knightquest. Se lanzó el primer tráiler de la película, que muestra a Azrael convirtiéndose en el nuevo Batman.
Tras el reciente lanzamiento de Batman: Knightfall Part 1 – Knightfall, Warner Bros. Home Entertainment ha estrenado el primer tráiler —lleno de acción— de Batman: Knightfall Part 2: Knightquest.
En esta secuela, el Murciélago ha quedado destrozado y Bane está tomando el control de Gotham City.
Esto significa que debe surgir un nuevo Cruzado Enmascarado para enfrentarse al villano y, para disgusto de Nightwing, ese papel recae en Jean-Paul Valley, alias Azrael.
El tráiler también incluye una aparición de Dos Caras, aunque por el momento no hay información oficial sobre quién lo interpreta ni sobre quiénes son las nuevas incorporaciones al reparto de la trilogía.
Lo que nos dará Batman: Knightfall Part 2: Knightquest
Tampoco se sabe quién escribió el guion de Knightquest, tras haberse confirmado recientemente que cada capítulo contó con un guionista diferente.
Aquí está la sinopsis de Batman: Knightfall Part 2: Knightquest:
Batman ha quedado destrozado a manos del malvado cerebro criminal Bane.
Con Bruce Wayne paralizado de cintura para abajo e incapaz de seguir ejerciendo como Batman, es necesario elegir a un nuevo sucesor para defender Gotham City.
Jean-Paul Valley, también conocido como Azrael, debe asumir el manto de Batman. Pero ¿serán suficientes sus métodos más violentos para detener a Bane?
Esta es parte de nuestra reseña de la primer entrega:
Batman: Knightfall – Parte 1 es una muy buena adaptación de uno de los cómics más importantes de Batman y, sobre todo, un recordatorio de por qué la animación continúa siendo uno de los mayores fuertes de DC.
No es una reproducción exacta de Knightfall, ni pretende serlo, sino que es una versión condensada que toma una historia gigantesca y la transforma en un relato cinematográfico mucho más accesible, conservando sus momentos esenciales y, especialmente, la idea que hizo tan importante al cómic: Batman puede ser derrotado, inclusive recordándonos la verdadera naturaleza de Bane al ser un villano que va más allá de solo fuerza bruta, tanto así que ha sido el único que pudo quebrar al murciélago.
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