Cine
‘LA HABITACIÓN DE AL LADO’ (2024) | Reseña
‘LA HABITACIÓN DE AL LADO’ el primer largometraje en inglés de Pedro Almodóvar, habla de sus obsesiones recurrentes y nos muestra dos perspectivas de la vida y la muerte.
‘LA HABITACIÓN DE AL LADO’ el primer largometraje en inglés de Pedro Almodóvar, habla de sus obsesiones recurrentes y nos muestra dos perspectivas de la vida y la muerte. ¿Qué tal está la reciente ganadora del “León de Oro” en Venecia? Lee la reseña para saber nuestra opinión.
Con una gran trayectoria de 24 películas (y otros tantos cortometrajes) a lo largo de 46 años, el calzadeño Pedro Almodóvar no tiene que probarle nada a nadie, sin embargo es ya la tercera ocasión que se coloca a sí mismo en una posición que está fuera de su zona de confort al escribir y dirigir en una lengua que no es la propia, una decisión que no es cualquiera si recordamos lo personal de sus relatos, la repetición de sus gustos y obsesiones durante toda su filmografía.
Es por eso que “La habitación de al lado” levanta expectativas en todos sentidos ¿Podrá el director español colocar su firma a pesar de moverse de latitud y lengua? Sigue leyendo para enterarte de nuestra opinión.
¿DE QUÉ TRATA “LA HABITACIÓN DE AL LADO”?
La escritora de ficción Ingrid (Julianne Moore) está en una firma de su más reciente novela cuando recibe la noticia de que Martha (Tilda Swinton) está hospitalizada. Al irla a visitar se entera que Martha padece un agresivo cáncer, pero tiene la esperanza aún de que un método experimental pueda salvarla de la situación.
El medicamento falla y a Martha le quedan algunos meses de vida, los cuales asume que serán en lenta agonía, así que recurre a Ingrid (aprovechando su fortuito reencuentro) para solicitarle que le ayude a ganarle a la muerte natural, lo único que le pide a cambio es acompañarla, no quiere estar sola cuando llegue el momento, así que le solicita que esté en “la habitación de al lado” cuando el momento llegue.
Muchas dudas acuden a la cabeza de Ingrid y el director español aprovecha el momento para hacer sus propias disertaciones alrededor de temas varios mientras vemos el drama de estas dos amigas y sus tomas de decisión.
LO BUENO
Cuando se habla de una película de Pedro Almodóvar es casi obligado hacer mención del cuidado a detalle en el vestuario, ambas protagonistas justifican muy bien sus elegantes estilos con los cuales definen su personalidad y sin duda está conectada al diseño de producción y gran fotografía de colores contrastantes que predomina en la filmografía de este director y que acá no es la excepción. Muchos de los momentos dramáticos por los que el espectador tendrá que atravesar de la mano de sus protagonistas tienen una belleza propia al estilo de Almodóvar y su mirada estilística gracias a sus movimientos de cámara. En resumen, de manera técnica la película casi no muestra falla.
La elección del casting por parte de Almodóvar fue muy acertado, si bien es posible que Tilda Swinton haya aparecido debido a su anterior trabajo juntos en “La voz Humana” (2020), se dice que ambos tuvieron en mente a Julianne Moore como la indicada para hacer el contrapeso de la mirada macabra del personaje de Swinton. Está casi de más mencionar que ambas hacen un perfecto trabajo y no se siente en ningún momento una competencia por robarse el protagonismo, sino que entendieron perfectamente el importante lugar de cada una y asumieron física e histriónicamente su lugar de manera correcta y adecuada.
El guion de Pedro Almodóvar, aunque recargado en la novela “Cuál es tu tormento” de Sigrid Nunez, es muy inteligente en intercambiar, cual pelota de tenis, las opiniones alrededor de la muerte de sus dos protagonistas, capaz de que seamos hasta cierto punto empáticos con ambas visiones y así poder comprender mejor las decisiones de cada una sin que los juicios propios nos desvíen tanto de las intenciones de la narrativa.
El trabajo de maquillaje para con Tilda Swinton resalta muy bien su proceso de enfermedad, la actriz siempre ha gozado de una figura muy esbelta pero incluso se nota que hubo un esfuerzo físico de su parte para hacer notar el deterioro de una enfermedad como la del personaje que le toca encarnar.
El humor macabro y oscuro con el que constantemente juega Pedro Almodóvar está presente y ayuda un poco a relajar el tenso ambiente en el que se desenvuelve su historia, quizá no todo el humor acierta (no sé si fue el cambio de idioma), pero en general su narrativa es “entretenida” dentro de sus propios límites dramáticos.
LO MALO
Ignoro exactamente de dónde proviene la falla, si fue cortesía de Pedro Almodóvar o de la obra fuente de donde bebe inspiración, el punto es que, quizá con el objetivo de rebasar la hora y media, la película agrega algunas historias y personajes extras que apenas si agregan a la sazón de su historia principal, no estoy diciendo que no tengan su propio contenido y propósito, sino que más bien funcionan como exposiciones aparte de temas varios que giran muy lejanos de la temática principal, en este sentido el error (o a mí me lo pareció) consiste en que estos momentos rompen de alguna manera el ritmo de la película.
A pesar de que en párrafos anteriores se halagó el trabajo de maquillaje, el final cuenta con una decisión (la cual no especificaré más para no arriesgarme a caer en un spoiler) que no sentí tan atinada, es verdad que maquillaje hace lo que puede y de alguna manera entiendo la justificación de esa decisión, pero sin duda resulta más poética que correcta.
De nueva cuenta aparece el final y es que si no están acostumbrados al trabajo de Pedro Almodóvar o no están atentos a su fina (y repetitiva) construcción hacia el poético cierre, se puede entonces entender como un cierre anti climático comparado con los momentos dramáticos que se ofrecen antes, y es hasta cierto punto correcto aseverar que quizá no sea el mejor final, pero si que es adecuado conforme a sus propias intenciones.
VEREDICTO
Ver una película de Pedro Almodóvar es una experiencia que siempre va a generar opiniones divididas y lo mismo ocurrirá en su tercer intento directo para el mercado de habla inglesa, aquellos desencantados por sus contrastes fotográficos y mujeres al mando de las narrativas seguirán decepcionados, porque jamás una película de Almodóvar sabe a otra cosa, pero de alguna manera aquellos fanáticos que ya tiene en la bolsa y todos los que se permitan disfrutar una buena película saldrán contentos (medianamente al menos) con el gran trabajo y momentos de drama que propone “La habitación de al lado”.
Lo mejor que pueden hacer para adentrarse en el más reciente universo de Almodóvar es ponerse en la piel de sus protagonistas y pensar ustedes mismos qué harían en una situación parecida, para que entre en juego su propia moralidad y su propia visión de la amistad, contrapuestos con el pensamiento de sus personajes alrededor de la mortandad, de la maternidad, de la vida, del sufrimiento y el dolor así como la dignidad de un final bajo nuestros propios términos, todo un cuestionamiento con el extra de un par de actrices experimentadas y en gran momento, un lujo que se pudo permitir Pedro Almodóvar y al que se unió incluso John Turturro como parte de sus medios para expresar sus propias manías y preocupaciones, una película que sin ser lo mejor del director es bastante cumplidora en todo sentido y que les llegará a los espectadores de distinta manera de acuerdo a la situación por las que estén atravesando en sus vidas.
Vayan a ver “La habitación de al lado” y sumerjanse una vez más en el universo Almodovariano que propone y decidan ustedes mismos si es justo ganador del “León de Oro”.
Cine
Scarlett Johansson se enfrenta a Legión en El Exorcista: Mártires
Universal Pictures ha lanzado el primer tráiler oficial de El Exorcista: Mártires de Mike Flanagan, y la película tiene una pinta aterradora.
Universal Pictures ha lanzado el primer tráiler oficial de El Exorcista: Mártires de Mike Flanagan, y la película tiene una pinta realmente aterradora.
Se ha publicado oficialmente el primer tráiler de The Exorcist: Martyrs, dirigida por Mike Flanagan.
Scarlett Johansson interpreta a la detective Julie Miller, quien presencia la ejecución del padre Sunday (John Leguizamo), un notorio asesino en serie al que ella misma capturó y que se hizo famoso por recrear macabras escenas del crimen que evocaban el brutal martirio de diversos santos católicos.
La ejecución no sale según lo planeado.
“Es detective de homicidios del NYPD y madre soltera de un niño llamado Max, que acaba de cumplir 12 años”, declaró Flanagan a Esquire en una entrevista reciente.
“Creo que lo primero es decirle a la gente que no están viendo una repetición de El exorcista“, añadió.
“No están viendo ningún intento de reiniciar, rehacer o emular la película de Friedkin. En realidad, están viendo una historia dentro del universo de El exorcista que no se había contado antes, que es única en la franquicia y que toma una dirección muy distinta a las anteriores”.
Puede que el cineasta haya revelado aquí un poco más de lo que pretendía.
El terror del El Exorcista: Mártires
Es muy probable que Johannson interprete a Julie Kinderman, hija de Mary y William Kinderman, el teniente de policía encarnado por Lee J. Cobb en el clásico de William Friedkin y por George C. Scott en El exorcista III.
En la tercera película, Kinderman se enfrentó al demonio conocido como Pazuzu y al espíritu del Asesino Géminis (Brad Dourif); ambos habían poseído al padre Karras (Jason Miller) mientras este agonizaba al pie de la escalinata, tras haber dado su vida para salvar a Regan MacNeil (Linda Blair) al final de la película original.
El tráiler no confirma nada, pero sí se menciona a Legión: la entidad compuesta por Pazuzu, Géminis y el espíritu de Karras, y que da título a la novela de William Peter Blatty en la que se basa El exorcista III.
El exorcista: Mártires también cuenta con las actuaciones de Sasha Calle como la detective de homicidios Gina Restrepo, Chiwetel Ejiofor como el padre William y Lawrence Fishburne como un misterioso sacerdote.
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Cine
XBOX crea una nueva división de cine, televisión y más
XBOX anunció el lanzamiento XP, una división estratégica diseñada para sus negocios de cine, televisión y más
XBOX anunció el lanzamiento de XP (abreviatura de Experience Points), una división estratégica diseñada para unificar y expandir sus negocios de cine, televisión, productos de consumo, alianzas comerciales y experiencias en vivo.
La entidad estará presidida por Kayleen Walters, exdirectora ejecutiva de Mojang y productora de A Minecraft Movie, quien aporta una trayectoria de 13 años en Lucasfilm para liderar este ecosistema de entretenimiento.
De acuerdo con Asha Sharma, ejecutiva de Xbox, el equipo de XP coordinará la expansión multiplataforma de franquicias globales como Minecraft, Call of Duty, Fallout, Warcraft, Gears of War, Candy Crush, Diablo, Forza, The Elder Scrolls y Halo.
Por su parte, Matthew Ball, director de estrategia de la marca, enfatizó que esta visión alinea capacidades históricas para construir vínculos más profundos con los jugadores y abrir nuevas oportunidades de crecimiento para sus comunidades en todo el mundo.
El proyecto responde a una evolución en el consumo cultural donde las audiencias interactúan con sus sagas favoritas más allá de las consolas.
La llegada de XBOX a otros medios
Como señaló Walters, los seguidores no solo juegan, sino que consumen producciones audiovisuales, asisten a eventos multitudinarios y visten la marca.
Con esta premisa, XP busca transformar los videojuegos de Microsoft en licencias de entretenimiento integral con presencia permanente en la cultura popular.
La creación de la división se respalda en éxitos recientes como el récord en taquilla de A Minecraft Movie, la aclamada serie de Fallout en Prime Video y la expansión de Minecraft hacia parques temáticos.
De cara al futuro, la hoja de ruta incluye proyectos de alto perfil como una serie animada de Diablo, la película de Call of Duty junto a Paramount, la adaptación audiovisual de Physint de Hideo Kojima, el regreso ampliado de la BlizzCon y alianzas estratégicas como la colaboración entre Gears of War: E-Day y la WWE.
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Cine
QUIERO TU SEXO (I WANT YOUR SEX) | Reseña
Quiero tu sexo nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos, checa nuestra reseña
Una divertida batalla generacional sobre deseo, poder y sexualidad.
Es difícil ncontrar una divertida y bien lograda película o serie que hable sobre temas delicados como el sexo, en todas sus distintas facetas, y es que muchas producciones abordan el tema desde puntos de vista misóginos, burlones y hasta degradantes, creyendo que eso es “comedía” (te estoy viendo a ti Happy Madison con la mayoría de tus películas). Por fortuna con Quiero tu sexo, Gregg Araki nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos dentro del sexo, y nos lo cuenta de una manera bastante particular tomando como premisa las diferencias entre generaciones alrededor del sexo, el deseo, el cambio de roles y las relaciones de poder, todo de una manera amena, bien cuidada e incluso rompiendo estereotipos, haciendo sátira de los estereotipos.
La sexualidad sin tabúes.
La historia sigue a Elliot Bell (Cooper Hoffman), un joven veinteañero inseguro, ingenuo y con poca experiencia sexual que consigue trabajar para Erika Tracy (Olivia Wilde), una reconocida y provocadora artista contemporánea. Lo que comienza como una oportunidad laboral rápidamente se transforma cuando Erika lo convierte en su musa sexual y, eventualmente, en su subordinado dentro de una relación dominada por ella.
Y precisamente aquí está uno de los mayores aciertos de Quiero tu sexo: invertir los roles que tradicionalmente ha presentado el cine dentro de este tipo de historias; en lugar de recurrir al habitual hombre mayor que seduce, controla o introduce a una mujer joven en un mundo sexual desconocido, Araki coloca a una mujer madura, segura de sí misma, exitosa y sexualmente empoderada, frente a un hombre joven que acepta una posición de sumisión.
Siendo esto el motor para hablar de cómo han cambiado las concepciones sobre el sexo entre generaciones: Erika representa una visión mucho más desinhibida y confrontativa, mientras que Elliot pertenece a una generación que observa el sexo, el consentimiento y los límites desde una perspectiva mucho más, digamos cautelosa, tomando en cuenta la hipersensbilidad de las nuevas generaciones en varios aspectos.
La película se mantiene constantemente enfrentando ambas posturas y, en lugar de decidir quién tiene completamente la razón, encuentra humor precisamente en las contradicciones de ambos, pero también en los gustos de ambos por satisfacer sus deseos, siendo algo muy interesante es que logra este humor sin convertir la sumisión masculina en el objeto de la burla. Elliot puede ser ingenuo, torpe y estar constantemente sobrepasado por las situaciones en las que Erika lo introduce, pero la película no necesita ridiculizarlo por disfrutar de una posición tradicionalmente asociada con personajes femeninos, por lo que su vulnerabilidad se convierte en parte del humor, pero también de su desarrollo como personaje.
Actuaciones que te pararán… de tu asiento.
Olivia Wilde se roba prácticamente cada escena como Erika, interpretando a una mujer exagerada, provocadora y consciente del poder que ejerce sobre quienes la rodean, pero sin reducirla a una caricatura. Hoffman, por su parte, encuentra el tono adecuado para un Elliot que constantemente parece preguntarse cómo terminó metido en semejante situación. Y todo esto funciona gracias a la química entre ambos sostiene buena parte de la película, con todo y los momentos subidos de tono.
Poniendo picante en el arte.
El humor es otro de sus grandes aciertos, ya que funciona como una herramienta para hablar de temas incómodos: las diferencias generacionales, el consentimiento, las relaciones de poder, lo políticamente correcto, la inseguridad y la manera en que cada generación entiende el deseo, sabiendo combinar comedia sexual con comentario social y una mirada satírica hacia las actitudes sexuales actuales.
Visualmente la película tiene un toque muy particular, logrando que las escenas subidas de tono y los desnudos logren manejarse de una madura, erótica y cómica.
El punto donde acabó el efecto de la píldora azul (dónde se cae).
Sin embargo, no todo funciona igual de bien, siendo su principal problema el cierre de la cinta que rompe con el tono crudo y realista que busca darnos la cinta, no digo que sea algo exagerado o que sea un final de fantasía, y aunque no arruina la experiencia, sí se siente desconectado de toda la película.
Asimismo varios de los personajes secundarios que parecían tener un mayor peso, simplemente quedan rezagados y poco desarrollados, dejando la sensación de que se les tuvo que recortar tiempo en cámara por cuestiones de tiempo.
Aún así, se pueden dejar pasar ya que la cinta no pretende darnos una lección sobre la sexualidad ni pretende convertirse en el nuevo referente del thriller erótico; sino ser una comedía que utiliza el sexo con una dinámica de poder distinta a la que conocemos, mientras refleja la gran diferencia generacional que ahora existe.
Conclusión.
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
Quiero tu sexo ya se encuentra en las salas de cine de México.
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Quiero tu sexo (I want your sex) | Reseña
Overall
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Dirección
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Actuaciones
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Guion
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Escenas eróticas y desnudos
Quieto tu sexo | Reseña
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
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