Una evolución sólida que sigue atrapada entre el homenaje y su propia identidad.

Cuando Batman: Caped Crusader se estrenó en Prime Video, dejó en claro que busca ser una adaptación fiel a las primeras apariciones de Batman en Detective Comics y al propio cine Noir de la época en que se publicaban, lo cual logró con éxito puesto que además, se siente la esencia del propio Bruce Timm. Ahora llega su segunda temporada, la cual mantiene esa filosofía y, aunque se nota que ha mejorado en ciertos aspectos, lo cierto es que sigue cargando con las mismas decisiones creativas que han dividido a la audiencia.

Por algo debutó en “Detective Comics”.

Uno de los mayores aciertos de esta nueva temporada es que Batman mantiene ese tono de detective vulnerable, en lugar de superhéroe “fuerza de la naturaleza” e incluso, se le da mayor protagonismo. Y es que la primera temporada dedicó más tiempo al desarrollo de los villanos y personajes secundarios que sobre el propio Encapotado; ahora Bruce Wayne recupera el peso narrativo que merece; su faceta como detective recibe mayor atención y la serie consigue equilibrar mejor las historias autoconclusivas con un arco principal mucho más consistente y enganchante.

Visualmente, Caped Crusader sigue teniendo una estética antaña, lo que impregna a la serie con un toque elegante que la distingue de otras series de Batman o de superhéroes. Además la Gotham inspirada en los años cuarenta conecta de inmediato con los fans de Batman La Serie Animada, transmitiendo esa identidad visual tipo cine noir que Bruce Timm siempre ha buscado entregar.

Una animación que sigue dividiendo opiniones.

Sin embargo, donde la serie continúa generando opiniones encontradas es en su animación; aunque no existe ninguna declaración oficial que indique que la limitada fluidez responda a problemas de presupuesto o producción, tampoco se ha confirmado que el aspecto “acartonado” sea una decisión deliberada para imitar una animación de bajo número de fotogramas de la propia época de los 1940´s. Pero lo cierto es que muchas escenas presentan movimientos mínimos, escasas animaciones secundarias y secuencias de acción menos dinámicas que las de otras producciones actuales.

¿Qué es verde, sin chiste y mal reinterpretado?

No obstante, sigue siendo interesante la reinterpretación de los personajes y villanos clásicos dentro de este universo. La mayoría de los cambios funcionan sorprendentemente bien, ofreciendo versiones frescas sin traicionar la esencia de personajes emblemáticos. Sin embargo, hay excepciones como el Acertijo, ya que aunque se le busca dar un nuevo significado a su sobrenombre, se aleja de aquello que siempre ha definido al personaje: Edward Nygma deja de sentirse como el brillante criminal obsesionado con demostrar su superioridad intelectual mediante acertijos y juegos mentales, convirtiéndose en una versión que conserva poco del encanto, la arrogancia y el ingenio que durante décadas lo distinguieron como uno de los rivales más inteligentes de Batman termina siendo un matón egocéntrico  y no me tomaría un segmento de esta humilde opinión para habla de Riddler de no ser porque dentro de la misma serie se nos presenta como uno de los villanos principales de la temporada y el cual deja mucho que desear.

La narrativa lo es todo.

A pesar de ello, la temporada también demuestra que el equipo creativo entiende cada vez mejor el tipo de historias que quiere contar, el ritmo mejora, Batman tiene mayor protagonismo y la narrativa resulta más segura que en la primera entrega, aunque todavía se siente muy inspirada en Batman: The Animated Series, comienza a construir una personalidad propia apoyándose en un enfoque detectivesco más adulto y una Gotham profundamente influenciada por el cine negro, con episodios autoconclusivos que se disfrutan de a poco o como maratón.

Conclusión.

En conjunto, la segunda temporada de Batman: Caped Crusader no revoluciona la serie, pero sí representa una mejora en varios aspectos, corrige varias de las debilidades de su debut y reafirma que su mayor fortaleza está en su atmósfera noir y en la caracterización de Batman. Aun así, una animación excesivamente contenida y algunas reinterpretaciones discutibles, especialmente la del Acertijo, impiden que alcance la excelencia, siendo sobre todo debatible su animación con escenas que parecen imágenes estáticas con algo de movimiento, haciendo imposible no sentir que se trata más de un problema técnico que de una decisión creativa. Aún así, seguimos teniendo una versión detectivesca de Batman bastante entretenida. Ya disponibles sus 10 episodios por Prime Video.

Siguenos en todas nuestras redes sociales para estar enterado de lo más atractivo del mundo geek, además suscríbete a nuestro canal de Youtube y podcast 

comments

Hay franquicias que se vuelven tan cómodas con su propia fórmula que cualquier cambio puede sentirse como un riesgo. Splatoon Riders decide tomar ese riesgo y en lugar de repetir el esquema competitivo que convirtió a la saga en un fenómeno, apuesta por una aventura donde la exploración, la movilidad y la narrativa tienen un papel mucho más importante. El resultado es una experiencia diferente, que mantiene la esencia colorida de la serie, pero la adapta a un ritmo mucho más pausado y enfocado en el descubrimiento.

Desde los primeros minutos queda claro que el movimiento sigue siendo el verdadero protagonista. Deslizarse entre charcos de tinta, escalar superficies aprovechando las habilidades del personaje y recorrer escenarios con una velocidad sorprendente continúa siendo tan satisfactorio como siempre. La diferencia es que ahora estas mecánicas dejan de estar al servicio de un cronómetro o de un combate multijugador para convertirse en herramientas de exploración.

Cada escenario invita a desviarse del camino principal. Hay rutas ocultas, desafíos opcionales y secretos que recompensan la curiosidad del jugador, logrando que el mundo se sienta vivo y con personalidad propia. La dirección artística vuelve a demostrar por qué la franquicia posee una identidad visual tan reconocible: colores vibrantes, escenarios repletos de detalles urbanos y criaturas que transmiten carisma sin necesidad de largos diálogos.

En el apartado de jugabilidad, Splatoon Riders consigue un equilibrio interesante entre acción y exploración. El sistema de combate conserva la precisión característica de la serie, pero incorpora enemigos con patrones más variados que obligan a utilizar la movilidad como parte de la estrategia. No basta con disparar tinta constantemente; aprender cuándo desplazarse, cubrir terreno o aprovechar el entorno se convierte en parte fundamental del enfrentamiento.

La progresión también resulta más significativa que en entregas anteriores. Conforme se desbloquean nuevas habilidades y mejoras para el equipo, el mapa comienza a abrir nuevas posibilidades, generando una sensación cercana a la de los juegos de exploración moderna. Es un diseño que premia regresar a zonas ya visitadas para descubrir caminos que antes parecían inaccesibles.

Visualmente, el juego mantiene un nivel artístico sobresaliente. La iluminación dinámica, las animaciones fluidas y la enorme cantidad de efectos de tinta consiguen que cada enfrentamiento tenga personalidad. Incluso cuando la pantalla se llena de partículas, el estilo visual conserva una lectura clara de la acción, algo fundamental para un juego donde la movilidad es constante.

Ahora bien, en la cuestión técnica el desempeño es sólido durante la mayor parte de la aventura. La tasa de imágenes por segundo permanece estable en la exploración y durante la mayoría de los combates. Sin embargo, en momentos donde coinciden numerosos efectos de tinta, explosiones y varios enemigos en pantalla pueden apreciarse pequeñas caídas de frame. Son descensos breves que rara vez afectan la respuesta de los controles, pero sí recuerdan que el motor gráfico trabaja cerca de su límite en las secuencias más exigentes, esto al menos jugando en modo portátil.

Los tiempos de carga son contenidos y la transición entre zonas se realiza con suficiente rapidez para no romper el ritmo de la aventura. También destaca el trabajo realizado en las animaciones faciales y corporales de los personajes, que transmiten expresividad incluso durante escenas sencillas.

El apartado sonoro vuelve a ser uno de los puntos más fuertes del juego. La mezcla entre rock, electrónica y sonidos experimentales acompaña perfectamente la identidad irreverente de la franquicia. Los efectos de tinta, el impacto de las armas y el diseño ambiental generan una retroalimentación constante que hace que cada movimiento resulte satisfactorio.

Quizá el mayor mérito de Splatoon Riders sea demostrar que el universo de Splatoon puede sostener una experiencia más allá del juego competitivo. Sin abandonar el ADN que hizo famosa a la serie, consigue ofrecer una aventura accesible para nuevos jugadores y, al mismo tiempo, suficientemente familiar para quienes llevan años pintando escenarios.

No es una revolución absoluta, pero sí una evolución inteligente. Algunos jugadores echarán de menos el protagonismo del multijugador o una mayor variedad de situaciones durante ciertos tramos de la campaña, pero para ello esta el modo multijugador de manera online o crossplay, quizá no es el mismo ritmo de juego pero si se puede pasar un buen rato con amigos buscando tesoros.

Lo mejor

• La movilidad continúa siendo una de las mejores del género.
• Excelente dirección artística y personalidad visual.
• Exploración que recompensa la curiosidad.
• Controles precisos y muy responsivos.
• Banda sonora con gran identidad.

Lo mejorable

• Pequeñas caídas de frame en escenas con muchos efectos.
• Algunas misiones secundarias pueden sentirse repetitivas.
• Se echa en falta una mayor variedad de jefes finales.

Splatoon Riders demuestra que la tinta todavía tiene mucho terreno por conquistar. Más que un simple cambio de enfoque, representa una evolución natural para una saga que se atreve a explorar nuevos caminos sin olvidar aquello que la hizo única.

Calificación: 9/10

Siguenos en todas nuestras redes sociales para estar enterado de lo más atractivo del mundo geek, además suscríbete a nuestro canal de Youtube y podcast 

comments

Por muchos años lo más importante de los videojuegos era su jugabilidad, que fuera 100% divertida y funcional, conforme han pasado los años, muchas veces esto se olvida, para darle más importancia a otros apartados, pero, Fading Echo se siente justamente como una carta de amor a esos tiempos, pero con un toque moderno y brindarnos lo mejor de está época.

¿De qué va?

Desarrollado por el estudio independiente francés Emeteria (y publicado por New Tales junto a Com2uS Holdings), Fading Echo nos pone en los zapatos de One, una chica joven atrapada en el mundo de Corel. Este universo está al borde del colapso debido a la Corrupción Paradoja, un fenómeno que no solo destruye el paisaje convirtiéndolo en desiertos e islas flotantes, sino que tuerce la mismísima realidad.

Debes detener a Maddock, el despiadado líder de la Paradoja en Corel. Aunque One es tu personaje principal, no está del todo sola, te acompañaran unos personajes un tanto peculiares, he “importantes” para la trama.

La historia de aunque concreta y sencilla de entender, es su punto más devil, por memento parece puro relleno para la jugabilidad y los personajes, muchas veces no tienen un gran sentido.

Gameplay

A comparación de la historia, aquí Fading Echo saca todas las garras. Estamos ante un Action-RPG de aventura en tercera persona con cámara libre, 100% enfocado en el juego en solitario, asi que nada de nada de micro transacciones

One, la protagonista tiene la habilidad de controlar poderes elementales, específicamente en la capacidad de transformarse en una esfera de agua líquida. Esta mecánica no solo sirve para moverse por el mapa a toda velocidad, deslizándote por tuberías, filtrándote por grietas o surfeando rampas, sino que es la columna vertebral del combate y las plataformas.

Conforme avanzas, el catálogo de líquidos e interacciones se expande:

• Agua base: Excelente para la movilidad, crear impulsos y mojar enemigos.
• Desechos tóxicos: Te otorgan un impulso de salto súper útil para alcanzar zonas elevadas.
• Lava: Te permite flotar/planear como una nube de vapor y cubrir distancias más largas.
• Corrupción: Permite mecánicas de retorno y manipulación temporal.

El combate, por su parte, es ágil y premia la creatividad. Puedes eliminar a los enemigos con estados elementales o ser un poco más crativo y eliminarlos con el entorno que creas. Si bien en las dificultades estándar algunos combates contra enemigos comunes pueden sentirse algo sencillos si no aprovechas las debilidades elementales, experimentar con las reacciones hace que cada enfrentamiento se mantenga entretenido.

Un pequeño problema es que el juego se comienza a senitir repetitivo, algo que puede ser entendible por el tamaño del juego, pero, algo que debes de tomar en cuenta.

Mundo

Corel está diseñado bajo una estructura semiabierta y no lineal. Una vez que superas la zona de tutorial, el juego te suelta la mano y te deja abordar las diferentes regiones en el orden que prefieras.

El diseño de niveles recuerda muchísimo a juegos como, Jak and Daxter, apostando por la exploración vertical, secciones de plataformas dinámicas y rompecabezas ambientales. Los acertijos no te llevan de la mano ni te llenan la pantalla de marcadores gigantescos.

Además, el mundo cuenta con “realidades fracturadas”, lo que significa que puedes cruzar a versiones alternas del mismo mapa donde las reglas de combate, los recursos y los peligros cambian por completo, un metodo sencillo para expandir el juego sin gastar tantos recursos, pero es lo que hace que el juego comience a sentirse repetitivo.

Apartado Artístico

Tiene un estilo artístico cel-shading de estilo comic con toques anime con una paleta de colores super brillantes que hace que el mundo de Corel se siente muy vivo. Los efectos del agua y la energía Éter contrastan increíblemente bien con el entorno en ruinas.

La banda sonora acompaña muy bien tanto la exploración tranquila como la adrenalina del combate, con efectos de sonido líquidos muy satisfactorios al transformar a One…

Aspecto Técnico

En el apartado técnico, el trabajo de optimización del estudio Emeteria es medianamente buena, aunque no tuve grandes problemas, el juego lo tuve que jugar en medio teniendo un 15 de 13th una RTX 4060 TI y 32 gb de ram. De esa manera el juego me correo de manera fluida y sin problemas

Contenido

La campaña principal te tomará entre 8 y 12 horas de juego, dependiendo de qué tan minucioso seas buscando los Aetherfacts y cofres ocultos tras las cascadas. El precio está super bien, en México tiene un precio original de $209 pesos, pero, en estos momentos tiene descuento

Conclusión

Fading Echo es una grata sorpresa dentro del panorama indie. Es un juego concreto, detallado y, sobre todo, muy divertido de jugar. Si echas de menos los juegos de plataformas y acción de la vieja escuela donde moverse por el escenario era un placer en sí mismo, la aventura de One te va a encantar.

Siguenos en todas nuestras redes sociales para estar enterado de lo más atractivo del mundo geek, además suscríbete a nuestro canal de Youtube y podcast 

comments