Cine
EL MISTERIO DE SOHO | Reseña sin spoilers
El director Edgar Wright levanta siempre mucha expectativa entre fanáticos y detractores ¿Está su acercamiento al terror psicológico a la altura? Acá te contamos.
La banda Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich lograron un segundo aire cuando Quentin Tarantino los incluyó en una dramática e impactante escena en “Death Proof” (2007), Edgar Wright no se quiere quedar atrás y aprovecha el título de una de sus canciones para bautizar su más reciente entrega, que coquetea fuertemente con el horror y el terror psicológico, con una gran influencia visual de Dario Argento y lo que parece ser una actualización narrativa de “Repulsión” (1965), con algunos toques feministas actuales, cortesía (supongo) de Krysty Wilson-Cairns y por supuesto, con la constante propuesta visual y auditiva por parte del director inglés que lo ha hecho acreedor de una enorme fanbase alrededor del mundo.
Edgar Wright posee un gran sentido de la estética, un trepidante fluir en su narrativa visual que además combina de manera muy acertada con el soundtrack que elige para acompañar las imágenes que nos propone, pero este estilo particular (además de su característica dosis de humor) ¿se mezcla de manera apropiada con el género del terror? Mi opinión es que no y te explico más adelante mis razones, pero vayamos por partes.

¿DE QUÉ TRATA?
Eloise (Thomasin McKenzie) es una joven de campo que tiene la gran oportunidad de cumplir su sueño de ser diseñadora de moda al ser aceptada en el “London College of Fashion”, pero desde muy temprano en la película se establece que Londres puede ser una ciudad capaz de engullir a las personas, lo hizo con la propia mamá de Eloise quien terminó por quitarse la vida presa de la esquizofrenia por lo que (no sin algo de temor) su abuela la apoya en su proyecto, que se complica con el ajetreado e irresponsable ritmo de vida de sus compañeros, lo que obliga a Eloise a buscar un trabajo para poderse pagar un lugar.
Es así que llega con la Sra. Collins (Diana Rigg), quien le ofrece un cuarto en su casa, lugar donde de manera inexplicable comienza a tener sueños demasiado realistas con otra vida y otro tiempo, la vida de Sandie (Anya Taylor-Joy) una joven con sueños de estrellato en los escenarios, en la época de los sesentas, periodo que Eloise idolatra, por lo que poco a poco preferirá “vivir” la vida de la extrovertida Sandie en lugar de la propia, mientras que los sueños se funden cada vez más con la realidad y el peligro aumenta mientras más conoce el destino de la inocente Sandie.

LO BUENO
Desde el inicio queda claro que la música y ritmo visual de Edgar Wright es garantía, mientras declara su propia relación de “amor-odio” con el Londres de los años sesenta, que logra con un excelente diseño de producción y los toques nostálgicos de artistas como “Peter and Gordon”, “Dusty Springfield”, “The Kinks” o “Cilla Black” en el soundtrack.
Este estilo visual al que nos tiene acostumbrados el director inglés sube sus apuestas con complicados planos secuencia a los que no se les nota falla, además del manejo de la dicotomía de personajes principales con ayuda de los reflejos, todo lo anterior aunado a la gran fotografía de Chung-hoon Chung (“Oldboy”, “Sympathy for Lady Vengenace”, “It”) que con colores preponderantemente azules y rojos hacen de este “otro mundo” un producto muy inspirado en los tonos de alto contraste usados por Dario Argento en “Suspiria” (1977).
Si bien el duelo de actrices es interesante y por momentos muy nivelado, no cabe duda que es Anya Taylor-Joy quien se lleva la película, quizá por su más atrevido papel frente a un muy contenido comienzo (porque así lo requería el guion) de Thomasin McKenzie, aunque el único ganador es el espectador que tendrá frente a sí un gran trabajo de del reparto en general, película en la que el autor de la llamada “Trilogía Cornetto” presenta por primera vez, no solo una, sino un par de actrices para liderar la historia.

LO MALO
Debido a que la manufactura es casi excelente los principales problemas recaen sobre el guion, y para tristeza de muchos son varios los defectos (desde mi punto de vista) que puedo compartir con ustedes sin necesidad de entrar a terreno de spoiler.
Para empezar tenemos el constante cambio de tono, que hace de esta historia un ir y venir de género que difícilmente nos permite ubicarla en uno solo, combinación que no sale bien librada, pues en una primera parte, las divertidas secuencias acompañadas de alegre música y hasta chistes algo simplones contrastan demasiado con el terreno sombrío al que pretende moverse la historia después, lo anterior impide también que seamos más receptivos como público ante la seriedad del subtexto que los escritores proponen, sin dejar de mencionar que el humor de las películas de Wright se nota que estaba más recargado en el intelecto de Simon Pegg que en el propio, haciendo que este “humor” esté más cercano a lo presentado en “Baby Driver” (2017), con todo lo bueno y malo que esto conlleva.
En 1965, el controversial director Roman Polanski nos presentó su segundo largometraje (primero en habla inglesa) titulado “Repulsión”, una película clasificada en el género del horror que sobrepasa fácilmente el terreno de los sobrenatural al exponer de manera fría y directa ciertas convenciones sociales que retratan al género masculino como un ente bastante despreciable y a su protagonista, la joven Catherine Deneuve, como una víctima antes que la autora de las atroces escenas de violencia que es capaz de cometer, el dúo Wright /Wilson-Cairnes (ésta última más conocida por su trabajo televisivo antes de su gran salto gracias a “1917”), intenta refrescar esta idea a la que se le añaden aspectos muy parecidos al movimiento “me too”, pero algo viciado, donde parece que no se persigue la justicia sino la venganza, nada de esta percepción y toque femenino en la visión artística sería perjudicial (sino al contrario) de no ser porque se nota forzada y dificulta su incorporación narrativa de manera fluida.
Lo que me lleva al punto más grave y principal debilidad del guion, que es demasiado tramposo para llevarnos por caminos equivocados y es que de manera general la historia es más que predecible y por lo mismo recurre a la presentación de imágenes demasiado obvias con el único objetivo de confundir al espectador, en lugar de proponer una construcción mucho más inteligente que haga dudar al público del (finalmente) obvio desenlace, es en estos mismos terrenos que la historia también pierde credibilidad y consistencia, no solo narrativa sino intertextual, debilitando la historia, personajes y ritmo a la vez.

VEREDICTO
“Last night in Soho” (como reza el título original y pieza de la banda mencionada al principio) dividirá al público inevitablemente, sobre todo en cuanto a su tratamiento narrativo y confuso manejo del subtexto que presenta, pero en una cosa (creo) todos estarán de acuerdo y será en el excelente manejo de cámara, tiempo y técnica en general que la película reúne, lo que dejará satisfechos a los espectadores fanáticos del director que una vez más recibirán la gran edición y puesta en escena que esperan de su ídolo, un soundtrack capaz de revivir éxitos de los sesenta y que ya está empezando su auge con la más que aceptable interpretación de la propia Anya Taylor-Joy covereando “Downtown”, no me sorprendería en lo absoluto que la década, e incluso Londres y su Soho, tengan un “revival” cultural a raíz de esta película.
Por otro lado, aquéllos que estén en busca de una buena historia para complementar las (muchas veces) sorprendentes escenas de Wright acompañadas de colores vistosos quedarán un poco decepcionados. Si alguna vez se preguntaban cómo sería el gran talento de este director con guiones menos simpáticos e inteligentes, aquí tendrán su respuesta y es que sus anteriores trabajos gozan de un humor y narrativas mucho más sólidas, ya sea por la intervención de Simon Pegg o porque estaba recargada en un cómic, esta nueva producción por el contario se nota hasta contradictoria, uno puede casi adivinar las partes que escribió el director (casi toda la primera mitad) y los momentos en que actuó su colaboradora (el desangelado desenlace), dos universos que se trataron de unir con tramposos giros de tuerca que hacen de esta película un disfrutable espectáculo visual, pero una endeble propuesta feminista que se siente más por moda que de corazón.
La película llega a sala nacionales este jueves 28 de octubre y como siempre son ustedes los mejores jueces para coincidir o desmentir lo aquí descrito. Nos leemos en la próxima.
Cine
Mortal Kombat II tendrá como protagonista principal a Johny Cage
Por fin tenemos el nuevo tráiler de Mortal Kombat II, y este adelanto sangriento y lleno de acción se centra en Johnny Cage
Por fin tenemos el nuevo tráiler de Mortal Kombat II, y este adelanto sangriento y lleno de acción se centra en Johnny Cage, dejando al pobre Cole Young relegado a un papel secundario.
En Mortal Kombat II, los campeones favoritos de los fans, ahora acompañados por el mismísimo Johnny Cage, se enfrentan en la batalla definitiva, sin cuartel y sangrienta para derrotar al oscuro reinado de Shao Kahn, que amenaza la existencia misma del Reino de la Tierra y sus defensores.
Ya se han publicado un nuevo tráiler y un póster de Mortal Kombat II, y la atención se centra directamente en Johnny Cage.
La fracasada estrella del cine de acción se ve encomendada por Lord Raiden a la tarea de salvar el día, aunque aún no está del todo preparado para esa responsabilidad.
Queda claro de inmediato que Johnny es el nuevo protagonista de esta franquicia, ya que el Cole Young de Lewis Tan pasa casi a un segundo plano mientras disfrutamos de una serie de debuts y regresos de personajes icónicos de Mortal Kombat.
El poder de Mortal Kombat II
Más allá de eso, las Fatalities se suceden con frecuencia, y visualmente, esta secuela se ve mucho más acorde con los juegos.
Para los fans de la primera entrega, promete ser una película imprescindible, y parece que se han abordado muchas de las críticas recibidas
Mortal Kombat III se anunció oficialmente en la Comic Con de Nueva York el pasado octubre, con Jeremy Slater regresando para escribir el guion tras escribir y ser productor ejecutivo de la segunda entrega.
Se dice que Warner Bros. tiene una gran expectativa con este próximo segundo capítulo, de ahí que se haya trasladado a un lugar destacado este verano.
En Mortal Kombat II, Karl Urban interpreta a Johnny Cage, junto a Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Damon Herriman, Chin Han, Tadanobu Asano como Lord Raiden, Joe Taslim como Bi-Han y Hiroyuki Sanada como Hanzo Hasashi y Scorpion.

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Cine
“NUREMBERG: EL JUICIO DEL SIGLO” (2025) | Reseña
¿Existe una característica especial que haga a los humanos malignos? Es lo que el psiquiatra Douglas Kelley tratará de descubrir en esta cinta
A ochenta años del suceso real, la humanidad continúa enfrentando hombres con insaciable sed de poder ¿Existe una característica especial que haga a los humanos malignos? Es lo que el psiquiatra Douglas Kelley tratará de descubrir en esta película.
Entre 1945 y 1946, el mundo destruido (en parte) por las consecuencias de la guerra, fue testigo de uno de los juicios más grandes en la historia moderna, por primera vez un tribunal internacional se uniría para impartir justicia sobre los causantes de aquello que se conoció como “La Segunda Guerra Mundial”.
El primero de estos juicios tenía en la mira a prominentes figuras del mando nazi, resaltando sobre todos Hermann Göring, el segundo al mando y solo superado por el mismísimo Adolf Hitler, las razones y consecuencias políticas de estos hechos no solo responden a la justicia, sino al claro mensaje de que acciones como estas no deberían repetirse o sufrirían (supuestamente) el respectivo castigo. El director James Vanderbilt se recarga en estos acontecimientos históricos, pero también en el libro “El nazi y el psiquiatra” escrito por Jack El-Hai para construir este drama legal que tiene muchos aciertos pero también sus fallas.

¿DE QUÉ TRATA “NUREMBERG: EL JUCIO DEL SIGLO”?
Adolf Hitler, Joseph Goebbels y Heinrich Himmler han cometido suicidio cada uno por su parte antes de ser capturados en la derrota alemana de la Segunda Guerra Mundial, el resto del mando han sido detenidos y se decide un acto sin precedentes: conformar un tribunal internacional con sede en Nuremberg (sitio famoso por los grandiosos desfiles en apoyo al Nacional Socialismo) para demostrar que incluso los seres más viles del planeta podrían tener un trato justo y humano.
Para evitar que los acusados siguieran el mismo camino que sus tres principales líderes se llama al psiquiatra Douglas Kelley (Rami Malek) para el estudio psicológico de estos personajes y se obsesiona con la idea de encontrar aquella característica y razón por la cual un humano presenta los signos de maldad que llevaron a estos militares a llevar a cabo el exterminio de una raza, a sabiendas además de que un libro con tal información lo haría inmensamente rico y famoso.
De todos los pacientes que atiende Kelley, sobresale Hermann Göring (Russell Crowe) no solamente por su gran inteligencia sino por ser el de más alto rango entre los detenidos y acusados. Es así como el psiquiatra poco a poco intentará meterse en la cabeza de este militar, mientras a la par se prepara y desarrolla el juicio más importante de la época.

LO BUENO
La película cuenta con un muy buen diseño de producción que captura la época gracias a sus sets y vestuario, inteligentemente reduce sus escenarios a algunos pocos lugares, sobre todo cerrados, pero los espacios abiertos ofrecen una buena combinación de escenografía y CGI que mantienen la credibilidad de aquello que vemos.
El reparto es muy atractivo, contando con dos ganadores y dos nominados al premio Oscar (para lo que sirva), pero incluso los secundarios, sobre todo los encargados del lado alemán, hacen un gran trabajo.
Sacrificando algo de seriedad y solemnidad la película ofrece, del lado positivo, diversos momentos de celeridad narrativa gracias a su edición, transiciones, humor, pero sobre todo momentos de constante tensión para mantener la atención del público cada vez menos acostumbrado a solamente ver una película por tanto tiempo.
Aunque no muy incisiva, la crítica social es obvia y me sorprende que a estas alturas del partido, donde la supuesta “libertad” está mas coartada que nunca, se haga clara referencia a las intenciones políticas (no tanto de verdadera justicia) detrás de estos juicios, a la comparativa de las tácticas nacional socialistas con movimientos y discursos vigentes (tanto en USA como en México y otras partes del mundo), así como la valiente decisión de tratar a lo alemanes como humanos y no como las extrañas o malévolas criaturas que la historia popular se ha encargado de mostrarnos constantemente.

LO MALO
Desde muy temprano la película opta por aligerar la carga dramática y emocional con tal de no aburrir al espectador, esto obliga a tomar ciertas decisiones narrativas que rompen constantemente el tono por un lado y por el otro a dibujar situaciones que simplemente rayan en lo ilógico.
Aunque el reparto es asombroso, la rivalidad actoral entre Russell Crowe y Rami Malek simplemente no es justa, el experimentado actor se lleva de calle al joven Malek, en este sentido se hubiera agradecido una elección que realmente provocara una competencia actoral.
El guion deja mucho que desear, intenta ser demasiado complaciente y a pesar de esos chispazos de crítica y buenos diálogos (la mayoría en los personajes de Michael Shannon y Russell Crowe) falla en brindar momentos realmente memorables, recargado demasiado en el impacto del hecho real en lugar de formar una gran historia alrededor de este hecho.
Más que algo malo, lo siguiente es una prevención: la película cuenta con material de archivo real que apoya el relato, imágenes fuertes (aunque ampliamente conocidas) de los campos de concentración así que están prevenidos los más sensibles.

VEREDICTO
Como película, no estamos ante una próximo referente cinematográfico ni mucho menos, para eso habría que voltear a “El juicio de Nuremberg” de 1961, de la cual además bebe bastante esta “nueva” historia, la cual se nota que lo intenta, pero también está amarrada a los gustos modernos en donde no se puede abordar un tema en serio sin que se recurra a edición trepidante o chistes porque el espectador se aburre, culpa quizá más del mercado que de la propia película.
Dicho lo anterior, “Nuremberg: El juicio del siglo” responde sobre todo a un mercado actual que se fija más en las formas que en el fondo, en este sentido la película ofrece un ritmo constante (aunque en varios tonos) que la hace disfrutable y la crítica social, por otro lado, aunque no tan agresiva, sigue estando presente y sobre todo vigente a la hora de cuestionarnos si los nazis fueron personas realmente malas o cualquiera de nosotros podríamos llegar a esos extremos si tuviéramos el entorno correcto (o incorrecto).
“Nuremberg: El juicio del siglo” llega a salas mexicanas este 26 de febrero y lo más importante es que no olvidemos que este suceso por más doloroso, se puede vovler a repetir si no tenemos los ojos bien abiertos.
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Cine
Exterminio: El templo de huesos pone en jaque la continuidad de la franquicia
Exterminio: El templo de huesos tuvo un rendimiento inferior en taquilla y se afirma que Sony ha decidido no seguir adelante con la IP
Se sabe que Exterminio: El templo de huesos tuvo un rendimiento inferior en taquilla. Ahora, un nuevo informe afirma que Sony ha decidido no seguir adelante con la tercera entrega, protagonizada por Cillian Murphy.
28 años después se estrenó con excelentes críticas el año pasado, pero solo recaudó unos regulares 151,3 millones de dólares a nivel mundial con un presupuesto reportado de 60 millones.
La película fue dirigida por Danny Boyle, director de 28 días después, quien cedió la estafeta a Nia DaCosta para Exterminio: El templo de huesos.
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La secuela recibió elogios similares y, para muchos, fue incluso mejor que la película de Boyle.
Terminó con el regreso de Cillian Murphy como Jim, lo que dio pie a la tercera entrega planeada por Boyle, probablemente centrada en él y en Spike (Alfie Williams).
El final de Exterminio: El templo de huesos
El cineasta ha dicho desde el principio que la tercera entrega no era algo seguro. Ahora, con The Bone Temple recaudando tan sólo 57,6 millones de dólares con un presupuesto reportado de 63 millones, es difícil imaginar que Sony permita a Boyle concluir su trilogía cuando hay muchas probabilidades de que fracase, incluso con Murphy como protagonista.
Ambas películas eran bastante extravagantes y no tenían mucho en común con 28 días después, un thriller de supervivencia de zombis bastante tradicional.
Aun así, tenía algo que decir sobre humanos tan monstruosos como los infectados por el Virus de la Furia, pero estas secuelas se decantaron por temas extraños y poco convencionales.
Eso probablemente explica en parte la caída en la recaudación de taquilla de la primera a la segunda película, y un nuevo informe de World of Reel sugiere que lo que hemos oído sobre la aprobación de Sony para la tercera parte podría no tener tanto peso como se podría pensar.
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