DUNE | Reseña sin spoilers

Una de las películas más esperadas del año llega por fin a la pantalla grande ¿Está a la altura de las expectativas? Aquí te lo contamos.

En la actualidad, son muy pocos los directores que pueden presumir el apoyo de un gran estudio a pesar de sus inclinaciones autorales, la razón es relativamente simple y es que sin importar lo que estos directores hagan, casi siempre se traducen en millonarias ganancias para las casas productoras, lo que le da oportunidad a estos creadores de experimentar con sus historias, además de un control total en sus películas, mentes capaces de generar producciones tipo blockbuster sin caer necesariamente en los mismos temas comerciales de siempre, entre estos afortunados podemos mencionar actualmente a Christopher Nolan, Zack Snyder y nuestro orgullo nacional Guillermo del Toro.

Dentro de esos nombres que se traducen en garantía de taquilla, se encuentra el ojo detrás de esta ambiciosa producción, me refiero por supuesto a Denis Villeneuve, quien (quizá junto a del Toro) es de los más valientes y firmes para mantener su visión o estilo, a pesar de ser pausado y estilizado. Lo anterior lo menciono porque “Dune”, película que ha sido retrasada casi un año y podrán encontrar en salas nacionales a partir del 21 de octubre, será objeto de varias objeciones dentro de su propia naturaleza y una de ellas debido al estilo de su autor. Pero como siempre, vayamos por partes.

¿DE QUÉ TRATA?

Nos encontramos en el año 10,191 (aunque el tiempo ya no se mide bajo el estándar gregoriano), el universo se encuentra bajo el dominio de un imperio y los planetas son dominados por feudos de casas reales que se encargan de un control autónomo pero que responden siempre al emperador, entre estas casas reales está la “Casa Atreides” quienes poco a poco se han ganado el respeto y confianza de otras casas, y por lo tanto, un peligro eminente para el emperador, lo que resulta en un cambio de domicilio para todos ellos, serán mudados al desértico planeta Arrakis, hogar temporal (por más de 80 años) de la “Casa Harkonnen”, encargados hasta entonces de la explotación de la “melange”, una especia que solo se produce en dicho planeta y de la cual depende todo el universo conocido para realizar los viajes interestelares.

Esta orden imperial no tiene otro objetivo más que debilitar a los Atreides y posiblemente acelerar su aniquilación. Es en este complejo y vasto conflicto político que conoceremos al joven Paul Atreides (Timothée Chalamet), hijo del duque y posible encarnación de la solución para los nativos habitantes de Arrakis, conocidos como los Fremen, quienes llevan siglos esperando al iluminado que los sacará de la esclavitud y sombras, pero el camino de Paul no es fácil y conocerá de la peor manera que los intereses económicos y políticos estarán siempre por encima de las creencias religiosas o deseos mesiánicos.

LO BUENO

El armado de una película es lo primero que se debe cuidar y Villeneuve lo sabe, así que sin duda, lo primero que resaltó, incluso antes de ser estrenada, fue su reparto multiestelar con grandes y taquilleros nombres entre sus filas como el de Oscar Isaac, Dave Bautista, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård (entre muchos otros) y dos agregados jóvenes que demuestran que están ahí por su talento y no por moda (bueno, no dejemos la moda a un lado que sin duda es parte de la ecuación), obviamente me refiero a Zendaya y Timothée Chalamet. Nadie en el reparto presenta alguna falla visible que afecte la experiencia, al contrario, no son pocos los que dan un rendimiento más que aceptable.

Un buen reparto no siempre significa un éxito asegurado así que Denis Villeneuve agrega a uno de los compositores más solicitados en épocas recientes y no cabe duda que Hans Zimmer desquita su salario de manera sobrada, posicionando fácilmente las partituras de “Dune” como las mejores de su prolífica carrera, en su momento Alejandro Jodorowsky quiso llevar a la pantalla grande la novela de Frank Herbert, para lo cual propuso que cada planeta fuera musicalizado por bandas de rock distintas, si bien no se cumplió del todo y es Zimmer quien se encarga de toda la música, si que dotó a cada una de las familias, planetas y entorno de unos ritmos identificables y distintos entre sí que apoyan magistralmente cada uno de los temas visuales que alude el guion y cinematografía, de tal manera que la música es un personajes más, quizá hasta demasiado protagónico en la propuesta del director franco-canadiense.

No quisiera aburrirlos con más detalles técnicos (aún ni siquiera entro a la película) pero basta mencionar las credenciales del encargado de la cinematografía Greg Fraser (“The Mandalorian”, “Foxcatcher”, “Vice”, “Zero Dark Thirty”) o el colmillo de Villeneuve para ayudarse de dos escritores con experiencia capaces de cubrir el mercado vintage como el más actual, en el ámbito clásico contrató a Eric Roth (“Forrest Gump”, “Alí”, “Munich”, “El curioso caso de Benjamin Button”) y para un tono más actual a Jon Spaihts (“Prometheus”, “Dr. Strange”, “Passengers”).

La complicada historia se condesa de manera fluida, una difícil tarea si se toma en cuenta que tenían que introducirnos en su vasto universo y la enorme cantidad de personajes, lo cual se logra bastante bien, cuando David Lynch hizo su fallido intento en 1984, se apoyó del constante uso de voz en off, en esta ocasión Villeneuve prescindió de esa muletilla facilona, aunque dentro de la parte negativa exagera en el uso de diálogos explicativos (y hasta sobre explicativos) como para asegurarse de que nadie pierda el hilo de la historia.

El tráiler prometía imágenes espectaculares y sin duda cumple, en este caso la obsesión estética de su director ayudó a que cada uno de los entornos fuera único y distinguible, así como la explotación de paisajes naturales (no todo es CGI) muy bien retratados con el uso constante de planos abiertos, pero también la atención a detalles importantes para la trama con grandes acercamientos, por su parte el uso de CGI no se queda atrás y realza lo captado por la cámara gracias al buen diseño de producción, vestuario e imágenes que aunque rememora al buen trabajo de la adaptación anterior, es notable su mejora y actualización, lo que me lleva a mencionar que (lamentablemente) esta tremenda espectacularidad muchas veces se queda a medias y no se corona con las escenas más cercanas, tengo una teoría al respecto pero la explicaré cuando pasemos a lo malo.

Las coreografías de pelea están muy bien realizadas, debo insistir nuevamente en que mi mayor temor recaía sobre el escuálido cuerpo del protagonista, pero comprobará que (si comparte ese miedo conmigo) todo quedará atrás cuando vean lo bien logradas que están las escenas de pelea.

LO MALO

Estoy seguro que no soy el único que desearía que estos párrafos estuvieran vacíos, sin embargo, creo que (lamentablemente) el gran trabajo de Denis Villeneuve no es perfecto y comenzaré por dos aspectos que mucha gente señalará inmediatamente como defectos, pero que quizá no lo sean. El primero viene con la naturaleza de la película, cuya historia proviene de una larga novela que resulta imposible resumir en dos películas, lo que hace que se sienta por momentos demasiado superficial sin que se meta en terrenos políticos, filosóficos o dramáticos más relevantes y que merecían atención, además de que algunos no estarán conscientes de que estarán viendo solo la mitad de la historia y sí, su construcción no es de las que dejan un espectacular cliffhanger al final, por lo que muchos se sentirán con un sentimiento de inconclusión, el segundo viene con el propio estilo del director, quien ha demostrado que dosifica el entretenimiento fácil mientras persigue más el diseño y construcción de espacios o entornos que ofrezcan al espectador un poco más que el típico “eye candy”, lo que resultará en el nacimiento de detractores inmediatos que esperaban ver una odisea de aventuras y acción continua y sin descanso. Nada de lo anterior constituye (desde mi punto de vista) un error en sí mismo, pero lo señalo porque no me sorprenderá que este señalamiento sea una constante.

Lo que sí creo que se le puede adjudicar a la película son estos momentos de batalla a las cuales les falta la cereza del pastel y es que la presentación de los ejércitos, las naves, hasta la preparación y entrenamiento elevan las expectativas para cuando la batalla tenga lugar y sin embargo todo sucede muy “de lejos”, qué quiero decir con esto, que el enfrentamiento se le deja un poco al espectador salvo ciertas ocasiones y mi teoría consiste en que persiguiendo un mayor impacto en taquilla se apostó por una clasificación PG-13, lo cual reduce de manera significativa la oportunidad de que se nos muestre la violencia explícita que muchos (y me incluyo) estábamos esperando y que en comparación al producto con que más se le está comparando (“Juego de Tronos”), sale perdiendo.

Creo que la falla más importante de la película en general se encuentra en la construcción y desarrollo de sus personajes, como dije más arriba, entiendo perfectamente que una historia tan vasta y compleja sea imposible de cubrir en sus primera mitad (de dos horas treinta y cinco minutos), pero dotar a sus personajes con las características necesarias como para ser empáticos con ellos era clave, fuera de quizá Josh Brolin no logré conectar con algún otro personaje, por lo tanto las situaciones y problemas que atraviesan me daban igual, no importa si ganan o pierden, el peligro no se siente real porque de tantos personajes nos da lo mismo lo que les ocurra a uno o dos (de nuevo me salta a la mente “Juego de Tronos” en donde sin importar la breve participación del personaje secundario, cuando éste desaparecía dejaba un gran vacío en el espectador).

VEREDICTO

No es fácil describir la experiencia de ver esta primera parte de “Dune”, pero si puedo alejarlos de falsas concepciones acerca de lo que no es, NO es una saga de aventuras tipo “Star Wars” o “El señor de los Anillos”, NO es la compleja trama de intrigas, sangre y sexo que es “Juego de Tronos”, NO es una acelerada historia llena de acción y momentos épicos, en este sentido si algo se puede resaltar de Denis Villeneuve es la valentía de atreverse a seguir su visión y hacer algo propio, la ambición de realizar un blockbuster sin seguir la fórmula ganadora, probada (y por lo tanto, algo gastada), si este experimento le resulta bien o no, lo dictará la taquilla, la cual además cobra importancia porque la segunda parte está sujeta a su éxito, si me preguntan, me parece que el éxito es inminente pero no sé si sean los números que espera la casa productora, así que si está en sus planes verla haga lo posible por hacerlo en una sala de cine, si puede incluso en el formato IMAX en el que tiene su origen.

Denis Villeneuve cumple la promesa de brindarnos un valioso espectáculo cinematográfico, lo que no avisó es que se haría bajo sus propios estándares narrativos y de calidad, no son pocos los momentos donde la grandiosidad llena por completo la pantalla, pero no es la constante, esos momentos restantes se llenan de introspección, sueños, visiones (que rememoran más a lo intentado por David Lynch), una dosis de terror y mucho drama político y familiar, para lo cual, no todos estarán preparados.

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7.5 out of 10

RESIDENT EVIL: Bienvenidos a Raccoon City | Reseña sin spoilers

La franquicia se renueva y en esta ocasión Resident Evil: Welcome to Raccoon City se presenta con más fidelidad al tono e historia del juego en sus etapas iniciales ¿Qué más quieren?

Es muy común que la gente se queje porque la película no es fiel a su origen, ya sea videojuego, cómic, novela, etc. En el año 2002, el director Paul W.S. Anderson comenzó una saga, que más allá del título y la aparición de la malévola Corporación Umbrella, poco tiene que ver con la historia propuesta originalmente por Shinji Mikami, el peso principal de la trama recayó en un personaje nuevo creado expresamente para la película de nombre “Alice” (Milla Jovovich), reduciendo a los protagonistas del juego a papeles secundarios y aunque su estilo genérico de apocalipsis zombie es (en algunos episodios) efectivo, terminó siendo una fórmula desgastada que solamente buscaba ser más exagerada en cada nueva entrega para lograr sostenerse.

Es por lo anterior, que muchos fanáticos del juego se emocionaron cuando el director Johannes Roberts (“The other side of the door”, “47 meters down”) anunció que su acercamiento a la película sería más fiel al videojuego, recargándose sobre todo en las dos primeras entregas, además de que retornaría también a su tono oscuro y de horror, que las películas protagonizadas por Milla Jovovich habían intercambiado por la aventura y la acción. Si bien la propuesta resulta algo ambiciosa, pretendiendo abarcar muchos mercados a la vez, tratando de complacer a los fanáticos más viejos (recordemos que el primer juego se lanzó en 1996), sin perder de vista al público más joven, dándoles su dosis de gore a los fanáticos del horror, algunos sustos y entre todo este embrollo contar una historia que involucre a los icónicos personajes, desde mi punto de vista, estuvo muy cerca de salirse con la suya y a continuación les cuento por qué.

¿DE QUÉ TRATA?

Claire Redfield (Kaya Scodelario) regresa a “Raccoon City” por su hermano Chris (Robbie Amell) después de enterarse que algo extraño ocurre ahí, quizá es demasiado tarde porque la mayoría de la población ya se ha retirado, los pocos habitantes que quedan son un pobre cuerpo de policía, en el que aparecen nombres como Jill Valentine (Hannah John-Kamen), Albert Wesker (Tom Hopper) y el novato Leon S. Kennedy (Avan Jogia), así como aquéllos habitantes que no tuvieron el dinero para moverse de lugar.

De pronto las alertas de la ciudad se encienden y poco a poco se desata el infierno provocado por una infección que está convirtiendo a los pobladores en seres hambrientos de carne y sangre, con los caminos cerrados y la muerte pisándoles los talones, nuestros personajes intentarán sobrevivir mientras se descubre poco a poco el origen de la peligrosa amenaza a la que enfrentan.

LO BUENO

La larga mención de los personajes en párrafos anteriores es totalmente intencional para que empiecen a babear algunos seguidores de la saga y es que la inclusión (por fin) de los protagonistas del juego en este “live action” es una realidad y aunque su tratamiento no agradará a todos, lo cierto es que se agradece que se les de la importancia que merecían desde un principio.

Los sustos (aunque en su mayoría “jumpscares” facilones) comienzan muy rápido en Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, la acción se toma su tiempo en comenzar y es dosificada (como en el juego), pero el guion es hábil en mostrarnos de manera muy fluida los antecedentes de la historia y construcción de los personajes como para que la trama avance sin dificultades.

El CGI no es el mejor, pero el trabajo de maquillaje es sobresaliente, lo que le da un tono nostálgico al producto, un aspecto (casi) de “Serie B” que yo agradecí bastante.

Las referencias son muchas y es agradable ver en pantalla grande secuencias o pequeños capítulos que aparecían en los videojuegos, pero sobre todo los escenarios que son prácticamente una calca que dejará satisfechos a todos, así como perspectivas de cámara muy del “survival” en primera persona, que quizá no se ven de lo mejor en el formato cinematográfico pero que resultan en un guiño y apapacho para todo aquél que alguna vez haya jugado este tipo de videojuegos.

Si bien la película está llena de referencias, tanto de tono como temáticas, en su estructura narrativa y visual, cuenta con los elementos tradicionales de terror como para que sea (posiblemente) disfrutable para alguien que no tenga la menor idea de lo que tratan los juegos, sin embargo se nota que el mercado principal es aquél familiarizado con la historia original y sin duda le sacarán mayor provecho a los constantes guiños que la historia va soltando.

La música es un elemento importante que junto a los sonidos incidentales aumentan (a veces hasta exageran) el terror de la trama, un elemento algo tramposo pero que resulta útil en la narrativa.

LO MALO

A pesar de su aspecto de “Serie B”de Resident Evil: Welcome to Raccoon City, se podría esperar algo mejor de las actuaciones, quienes tampoco tienen los mejores diálogos pero que resultan sobre todo inconsistentes, ya que tienen momentos bien logrados pero otros casi caricaturescos, aunque pueden (espero) ser intencionales.

La idea de no ser sobre explicativa me pareció muy valiente, sin embargo corre el riesgo de que (de manera general) aquéllos que no tengan la menor idea de lo que trata el juego se sientan por momentos excluidos y les resulte una película muy genérica de zombies, aunque esto no es propiamente culpa de la película.

Si bien los videojuegos en la actualidad están optando por una presentación más cinematográfica, es correcto señalar que son dos formatos muy diferentes y en este caso, la decisión de apegarse tanto al origen de la historia hace que un par de secuencias sean un tanto ridículas al verse en “la realidad”, en este sentido, es una decisión que corre el riesgo de ser malinterpretada incluso por los fanáticos de la saga, ya que si bien ese tipo de secuencias son una constante en el mundo del videojuego, resultan casi paródicas en el “live action”. Sumado a que los seguidores más puristas también tendrán algo de escozor por el look (y desarrollo argumental) de algunos personajes.

VEREDICTO

En este intrincado (y casi siempre equivocado) universo de las adaptaciones, el director Johannes Roberts opta por un híbrido que no estará libre de detractores, sobre todo por este ir y venir de elementos fidedignos al videojuego, pero por otro lado algunas otras añadiduras que le pretenden dar una personalidad propia, un experimento que en lo particular disfruté mucho a pesar de no estar libre de fallas.

Quizá no es este el mejor “live action” de la historia basado en una videojuego, pero me atrevería a decir que si es el mejor que se le ha hecho a “Resident Evil” en específico, respetando mucho su esencia, tanto que falla en darle una mejor propuesta cinematográfica, sin embargo se nota el constante amor y fanatismo del propio director para con la saga, la intención de hacer que este universo continúe en la pantalla grande, una intención, que al menos yo, apoyo totalmente, un divertimento vacío pero atractivo, de poco menos de dos horas de duración que recomiendo mucho que le den una oportunidad ya sea porque son seguidores del juego o de las películas del género zombie.

Ya para cerrar, solo quiero mencionar que esperen una escena post créditos (inmediatamente después de los nombres protagónicos) que confirman que este reboot está dirigido a los fanáticos familiarizados con los nombres de la saga, ya que al resto le parecerá hasta insignificante.

Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City ya está en salas nacionales a partir del 25 de noviembre y por su género vale la pena experimentarla en pantalla grande, ya que cuenta con muchos elementos que evité mencionar para evitar spoilers, sobre todo la aparición de personajes y escenarios que la hacen un respetuoso tributo, una película de la cual no esperaba mucho (y así recomiendo que lleguen ustedes a sala) y de la cual salí contento. Nos leemos en la próxima.

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8.5 out of 10

LA CASA GUCCI | Reseña sin spoilers

¿Es una sátira, una farsa, una parodia o un drama? ¿Las grandes actuaciones se ven disminuidas por los ridículos acentos? ¿Le alcanzará a Lady Gaga para su siguiente nominación? ¿Salma Hayek está ahí cortesía del dueño de Gucci? Acá te contamos.

El próximo 30 de noviembre el director Ridley Scott cumplirá 84 años, esto viene a colación porque la película se nota dirigida por un octogenario que se quedó congelado en los ochentas, si bien no es el caso específico del director, que ha demostrado constantemente que aún tiene fuerza y creatividad para seguir adelante, lo menciono porque ésta película si que se siente sacada de aquél Hollywood que insistía en poner diálogos en inglés a personajes de otros países con la única diferencia (nada sutil) de exagerar el acento para dar la impresión de que estos personajes viven fuera de Estados Unidos de Norteamérica.

Con ayuda de un gran reparto frente a la cámara y toda la experiencia del director británico detrás, llega a salas mexicanas un drama que más tiene que ver con las telenovelas o las comedias de situación que con una historia de conspiración y tragedia que es lo que el tráiler pretende vender.

¿DE QUÉ TRATA?

A finales de los setentas, la marca “GUCCI” era ya todo un referente de la moda, un artículo de lujo al alcance de unos pocos, Aldo Gucci (Al Pacino) era el encargado de estar al tanto del negocio familiar, mientras que su hermano Rodolfo Gucci (Jeremy Irons) se dedicaba a vivir la vida de millonario, enfermo y retirado de los reflectores, el destino de la marca era algo incierto ya que Maurizio Gucci (Adam Driver) no está interesado en continuar con el negocio y Paolo Gucci (Jared Leto) es un inepto en pocas palabras, ambos primos y únicos herederos del imperio de la moda, gozan simplemente del privilegio de haber nacido con un apellido de renombre.

La historia pudo haber terminado ahí con el desvanecimiento de muchas fortunas familiares como ha pasado en el transcurso de la historia, hasta que apareció Patrizia Reggiani (Lady Gaga), cuyo interés amoroso por Maurizio podría estar a la misma altura que sus ambiciones, por lo que al casarse con él, moverá los hilos pertinentes para llevar la marca familiar hacia sus propios intereses.

LO BUENO

No estoy muy seguro si el reparto fue acertado, sobre todo con los nombres que se barajaron antes de que Ridley Scott se hiciera del proyecto (solía estar en planes Martin Scorsese y nombres como Robert De Niro, Christian Bale, Anne Hathaway o Monica Bellucci), lo cierto es que todos, excepto quizá Salma Hayek, (aún cuando por primera vez su exagerado acento se nota más natural que el resto), hacen un gran trabajo a pesar de la controversial decisión de dejarles un caricaturesco acento italiano a todos ellos, un desempeño suficiente como para asegurarle una nominación a Lady Gaga, una estrella más en la gran carrera que está forjando Adam Driver, un irreconocible Jared Leto que demuestra de nuevo que no es solo una cara bonita, un añejado Al Pacino que se muestra cumplidor ante un papel que no le exigió demasiado y finalmente (pero no por ello menos importante) el rescate de un grandioso Jeremy Irons, un gran actor que muchos de las nuevas generaciones ahora solo conocen como el mayordomo de Batman y que demuestra su calidad a pesar de la edad.

Este drama de la vida real que abarca un par de décadas, se condensa en poco menos de dos horas cuarenta minutos, y el humor permea constantemente el guion como para no dormir a la audiencia, otorgándole un ritmo fluido con escenas importantes para cada uno de los personajes, en una historia que no disminuye a ningún actor, sino al contrario los realza en casi todas sus escenas. Lamentablemente una decisión que funciona como una espada de doble filo ya que lo que comienza como una drama familiar con tintes de conspiración e intriga, termina reducido a una casi parodia, una farsa para ser más exactos, que no para en el exacerbamiento de su narrativa y por lo tanto se puede incluso confundir con una comedia negra que reduce el impacto trágico de lo ocurrido.

La música es un elemento importante en la historia y para ello Ridley Scott se inclina por muchos éxitos de la época cuya función radica principalmente (y hasta únicamente debo agregar) a marcar el paso del tiempo, complaciendo los oídos de la audiencia con piezas bastante conocidas.

En cuanto a sus méritos técnicos es cumplidora, con un aspecto muy de manual que nada tienen que ver con lo que el director británico nos regaló en piezas inmortales como “Alien” (1979), “Blade Runner” (1982) o hasta la comercialmente infalible “Gladiator” (2000), apenas por encima del promedio en su departamento de vestuario y diseño de producción para representar la época.

LO MALO

Aunque es justo decir que la historia hace que los marcados acentos “italianos” pasen a segundo plano, no es exagerado agregar que nunca dejan de ser un distractor y hasta un elemento cómico que dudo mucho haya sido voluntario (por la seriedad del tema abordado), no dudo ni tantito que cuando asistan a verla, las risas sean una constante, ya sea por el humor del propio guion o de situaciones cómicas que no sé si tenían que dar risa en primer lugar.

Si bien el elemento musical es una de sus bondades, el inclinarse por piezas clave que aseguran las reproducciones e identificación de las canciones poco aportan de manera cinemática a la historia, si no fuera porque marcan el paso del tiempo debido a sus ritmos poco o nada tienen que ver con lo que estamos viendo, me suena a una opción meramente comercial de hacer que la película “suene bonito”, tener un soundtrack comercialmente exitoso, revivir viejos éxitos o simplemente como bocanada de aire fresco frente a su larga duración.

El director de fotografía Dariusz Wolski tiene detrás de sí un currículum impresionante que no hacen sino afirmar mi teoría de que fue decisión del director mostrar imágenes constantemente nebulosas, ya sea por el propio paraje italiano, el humo del cigarro o juego de luces que exagera el tono fársico de la película.

El cierre parece algo precipitado, lo que contrasta con la larga construcción de los personajes del principio, en general, la parte culminante de la historia se deja a un lado como un elemento secundario en una historia que intenta constantemente resaltar a Lady Gaga como la estrella entre tanto talento.

VEREDICTO

Ridley Scott reúne un reparto multiestelar (además de talentoso, en su mayoría) y agrega los elementos técnicos necesarios como para la película sea un buen producto de entretenimiento, que utiliza los hechos históricos como mero pretexto para hacer una telenovela de alto nivel, con sus altibajos y detalles, pero también con el debido cuidado en los departamentos “oscareables” necesarios como para buscar alguna nominación (que quizá no resulte en premio).

Si van en busca de una historia llena de conspiraciones e inteligentes mentes criminales, o un intrincado guion, es muy posible que salgan decepcionados, si ya conocen el fatídico destino de los Gucci o solo quieren una historia ligera con actuaciones que rayan en la comedia entonces esta película es para ustedes. Es simplemente que la mercadotecnia la está vendiendo como algo que no es y el producto en general (teniendo al director, equipo y presupuesto que tiene) es aceptable, pero muy lejano de la perfección, con notas sobresalientes, pero algunos otras muy bajas que en resumen ofrecen una película palomera, atractiva solamente por el morbo y el chisme.

La película estrena el 25 de noviembre y se unirá a los últimos estrenos del mes, ya me dirán ustedes si la compatriota Salma Hayek de verdad tiene el talento para hacerle frente a tanto gran actor que tenía a un lado, por lo pronto llévense mi bendición: “En el nombre del padre, del hijo y de la Casa Gucci”.

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7.8 out of 10

“Encanto”: ¿Un verdadero encanto de película? | Reseña sin spoilers

¿Estamos ante un nuevo clásico animado de Disney?

Mucho se ha dicho respecto a que “La Princesa y el Sapo” es la última gran animación de Disney Animation en 2D, ya que no solo marcó un antes y un después en el estudio en cuanto a su estilo de animación, sino que hasta  se le ha criticado respecto a que después de esta película se le dio prioridad a hacer gala de los avances en su animación en 3D que en las propias historias que encantaban a niñas y niños y adultos por igual; ahora, con Encanto, Walt Disney Animation Studios busca entregarnos una historia distinta a lo visto en los últimos años, inclusive tratando de regresar a sus raíces, pero con una animación soberbia, pero ¿en verdad logrará Encanto situarse entre los amados clásicos de Disney o será una historia de que solo será recordada por lo increíblemente vistosa que es? A continuación les contamos.

Una historia como hace tiempo que no se nos contaba. 

Sin entrar en spoilers, Encanto se sitúa en algún lugar remoto de Colombia (por lo que veremos muchas referencias a su cultura) en el que la matriarca de la familia Madrigal, ha logrado fundar un pequeño pueblo gracias a un “Milagro mágico” y estar seguros de los peligros del exterior, este “Milagro” le ha otorgado a sus descendientes,  un don o poder que descubren en su niñez el cual usan para continuar con el legado familiar que es el cuidar del pueblito en que habitan y traer orgullo a la familia, sin embargo, la pequeña Mirabel, nuestra protagonista, nunca recibió este “don”, sin embargo, esto nunca le ha significado el sentir celos por sus demás parientes, al contrario, ella parece ser la que más ama a todos  y quien estaría dispuesta a arriesgarlo todo por protegerlos, por lo que al descubrir el Milagro peligra, no dudará en hacer lo imposible por evitar que el Encanto abandone a su familia.

Esta es la premisa que se nos muestra en los tráilers de Encanto, que por fortuna no nos dice prácticamente nada del trama que vemos desarrollarse en la película y digo afortunadamente porque esto nos mantiene  con expectativas, digamos de bajas a regulares respecto a una película animada, para que cuando veamos la cinta descubramos que hay un muy buen trasfondo y plots en el trama que en verdad no esperábamos.

Y sí, Encanto no deja de ser una animación hecha para niños, con varios temas musicales que narran la historia y claro con una moraleja o mejor dichos, varias moralejas, sin embargo, a diferencia de otras películas de Disney Animation, los temas musicales, al menos en su mayoría, no se sienten como “conversaciones o diálogos siendo cantados”, sino que en verdad se sienten como canciones hechas como un medio para contar lo que está pasando e inclusive para en pocos minutos hacernos sentir empatía con varios de los personajes y hasta verlos crecer a niveles emocionales.

Aunque claro, resultaba imposible profundizar en cada uno de los miembros de la familia Madrigal, por lo que se le da prioridad solo a algunos de ellos, dejando de lado a otros, cuya breves aportaciones en la película nos sacan una sonrisa y es que por más que se enfatice más en algunos que otros personajes, es innegable que todos cuentan con cierto carisma que es imposible que alguno de ellos se sienta como un personaje molesto.

A nivel técnico, Encanto es un deleite a la vista, sus colores, efectos, contrastes de pasar a hermosos paisajes a lugares llenos de sombra y los más mínimos detalles en la ropa y la piel de los personajes, solo dejan ver el derroche de dinero que esta dispuesto a desembolsar el tío Micky para que de la vista nazca el amor y por fortuna, con Encanto, su historia y comedia deja un sabor de boca tan agradable como la propia animación y claro, mucho tiene que ver el gran trabajo en su doblaje para Latinoamérica y que pro fortuna no abusa de los modismos, dejando un doblaje neutral.

Quizá los únicos contras sean que su inicio se siente “muy igual” a otras producciones de Disney, pero conforme se va avanzando en la historia descubrimos que no es nada lo que esperábamos; y que como mencioné, que se les da prioridad solo a unos pocos personajes sobre otros e incluso sobre los que se enfatizan que no son Mirabel, nos quedamos con ganas de saber más de ellos, pero sería complicado el poder profundizar en una familia de doce personas en poco menos de dos horas que dura la cinta y aunque las moralejas que se manejan en la cinta ya se nos han contado en otras animaciones del mismo estudio, la manera en que se se llega a ellas es muy única.

Además de que antes de que inicie la película cuenta con un bellísimo corto animado en 2D llamado “Lejos del árbol”, del cual sin duda muchos nos quedamos con ganas de ver más producciones con este estilo de animación.

Conclusión.

Me atrevo a decir que Encanto es una de las mejores películas que Walt Disney Animation Studios ha hecho en los últimos años y que divertirá a niñas y niños y adultos por igual: una increíble animación, una historia que en lo particular considero entrañable y con la que, sobretodo, en países de Latinoamérica se empatizará más y una muy agradable carga cómica que hace mucho no veía en las películas de Disney, son los elementos que llenan de encanto a Encanto  ¿tan buena como los clásicos de Disney? Difícilmente, pero no por ello deja de ser una cinta muy entretenida, eso sí, y les hablo a las y los más grandes que apelan a la nostalgia de los clásicos de Disney, vayan esperando nada para que en verdad disfruten de la cinta.

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