Cine
“TERRIFIER 2” | Reseña sin spoilers
¿Se viene una ola de desmayos en las salas de cine? Acá te contamos nuestra predicción.
Once años han transcurrido ya desde que “Art, El Payaso” apareció por primera vez en el cortometraje “Terrifier” (2011), regresó nuevamente en forma de corto en el 2013 bajo el título de “All Hallows´ Eve” y finalmente la más famosa de todas sus apariciones en el largometraje “Terrifier” (2016). Desde sus cortometrajes, el director Damien Leone suplió muy bien su evidente bajo presupuesto con una habilidad bastante sorprendente en la ejecución de sus efectos prácticos, además de un tétrico ingenio a la hora de mostrarnos las sangrientas muertes a las que “Art” somete a sus víctimas, sin duda alguna, fueron estos elementos los que elevaron su creación a niveles de culto de manera muy rápida, es por eso que cuando se supo de una secuela, el hype se elevó como la espuma, si a lo anterior agregamos además el amplio rumor de que la nueva entrega es tan dura de ver que provocó desmayos y hasta vómito en salas, la urgencia de que llegue a territorio mexicano es evidente y este 12 de enero se verán satisfechas sus ansias de gore.
Pero, si el inesperado regreso de “Art, El Payaso” está a la altura de las expectativas o solamente es otra más de las estafas mediáticas, es lo que les contaremos más adelante.
¿DE QUÉ TRATA “TERRIFIER 2”?
La noche de brujas en que comenzó todo, es el punto de partida de la secuela (ignorando completamente el paso del tiempo para mostrarse como una continuación casi inmediata), con el regreso del payaso más sangriento que ha llegado a las pantallas, para aterrorizar una vez más el Condado Miles.
Art es paciente y espera tranquilamente a que se acerque de nuevo Halloween, así que un año después conoceremos a nuestros nuevos protagonistas: Barbara (Sarah Voight), reciente viuda y madre de Sienna (Lauren LaVera), una joven con problemas psicológicos que necesita de medicinas para seguir con su vida normal y finalmente su hermano menor Jonathan (Elliott Fullam), un jovencito obsesionado con la mítica figura de “Art”, no solamente por su sangrienta fama, sino además porque su difunto padre contaba con sketeches del payaso y sus víctimas, siendo este un misterio que le da vueltas en la cabeza.
Previo a la noche de brujas, “Art, El Payaso” atormenta los sueños de Sienna en una clara referencia a Freddy Krueger y su “Nightmare on Elm Street” (1984), que más que nada coloca lentamente el ambiente al que serán sometidos los espectadores una vez que el peligroso asesino salga de las sombras para atacar en pleno Halloween y comenzar el festín del gore.
LO BUENO
Damien Leone demuestra una vez más su talento detrás de los efectos prácticos y tremenda imaginación para mostrar las muertes más dolorosas y explícitas que se le pueden ocurrir a cualquier ser humano, en este sentido, los fanáticos del terror extremo y el gore saldrán más que complacidos, el director y su equipo no se tientan el corazón y, aunque algo exageradas las notas acerca de que provoca desmayos o hasta vómito, es verdad que hará cerrar los ojos a más de uno y en una de esas provoque que los menos acostumbrados o fuertes de estómago decidan abandonar la sala.
La calidad visual mejora muchísimo con respecto a su predecesora, pero no se sacude aún de su origen independiente, siendo evidente sobre todo en su trabajo actoral (que no es malo, pero apenas cumplidor), sin embargo se agradece la mejor fotografía e intento de darle un mejor desarrollo a la historia que (como expresaré más adelante) no funciona del todo bien.
No solamente saldrán contentos los amantes del gore, también aquellos que disfrutan los “jumpscares” tendrán su dosis, nada inteligentes, pero si muy efectivos.
El humor (paradójicamente), que es una característica que se viene desde la entrega anterior, es bastante negro y acertado, las “limitaciones” al habla de su villano son excelentemente bien compensadas por el trabajo corporal de David Howard Thornton, quien le agrega un estilo muy peculiar al tenebroso personaje y se vuelve la estrella del show.
¿Ya dije que la película tiene muchas escenas de sangre y tripas?
LO MALO
En 1978, el legendario John Carpenter nos presentó al imponente Michael Myers, una figura amenazante que sin decir una palabra y acompañado solamente de un cuchillo, atemorizó a generaciones enteras, gran parte del logro de Damien Leone es que retomó la misma idea en la “Terrifier” del 2016, pues (para mí) no hay nada más terrorífico que un demente cuyo objetivo es destrozar a la presa sobre la cual ha fijado la mirada, sin importar lo que tenga que hacer para conseguir su meta, sobre todo porque la amenaza bien podría ser real y estar presente en nuestro propio vecindario. Es una tristeza que el final de aquélla entrega de hace seis años y por lo tanto el comienzo de esta nueva, rompa ese arco argumental en la persecución de una vía más comercial, no ahondaré en más detalles para evitar spoilers.
Más allá de las constantes escenas que involucran el rojo carmesí, la película es algo tediosa, durante dos horas y 18 minutos, Damien Leone intenta expandir (de manera fallida) su nueva propuesta narrativa, con la inclusión gratuita de un nuevo y joven personaje (quizá la mejor adición a la saga), pero también con pistas que no nos llevan a ningún lado (colocadas de manera obvia para responderse en futuras películas), nuevos elementos sobrenaturales que le restan impacto a la amenaza real que existía en la entrega anterior, lamentables y casi nulos desarrollo/crecimiento de personajes, y en general, eventos que son simplemente adornos y pretextos que nos conducen al objetivo principal, que es presentar a la siguiente víctima para terminar con ella de la manera más dolorosa posible.
En resumen, la historia está a nada del sinsentido, tiene al menos tres decisiones polémicas cuya única explicación es que la narrativa continúe, y la joya de la corona (que pone sobre la mesa el tono cínico al que nos tendremos que enfrentar si la saga crece) se viene en la escena “mid credits”, así que les recomiendo que no se salgan inmediatamente de la sala si es que aguantaron hasta que la película corte a negro por primera vez.
VEREDICTO
Como muchas películas del género, “Terrifier 2” está dispuesta a dividir opiniones, creo yo que dos serán las principales corrientes: Los que estén buscando un espectáculo lleno de shock y sangre a pesar de su endeble narrativa (y que por lo tanto saldrán más que contentos) y por otro lado, aquellos que disfrutan sus dosis de gore sin que comprometan su inteligencia como espectador, yo me encuentro del lado de estos últimos y es posible que sea la última vez que veo una película protagonizada por el payaso.
Damien Leone tenía la oportunidad de ser el padre de una joya del terror, pero decide inclinarse por el lado oscuro y comercial en el que han caído muchos dignos intentos (recordemos el triste y lamentable caso de Michael Myers en su reciente “Halloween Ends”), y en este sentido lo hace con mucho descaro, “Terrifier 2” goza de varios elementos que la convierten en una película casi festiva, que podría reemplazar otros títulos como la favorita para visitar en la “Noche de Brujas”, ya sea para maratonear en casa, revisitar en cines o algún Autocinema.
Es verdad que los excesos visuales colocan esta película en un nicho particular del terror, más cercano a “Hostal” (2005), “Holocausto Caníbal” (1980) o la infame “Una película serbia” (2010), valga lo anterior como una advertencia para los que no están acostumbrados a este tipo de imágenes y que serán los primeros en ratificar los rumores alrededor de “Terrifier 2”, si estos bien logrados efectos prácticos están equilibrados con una historia que justifique más de dos horas de su tiempo, es lo que podrá descubrir en salas mexicanas en estos días.
Recuerden que “Terrifier 2” estrena este 12 de enero, la película cuenta con una clasificación “C” y llega sin ningún tipo de censura, así que no digan que no se les advirtió.
Cine
CIUDAD DE MUERTOS | RESEÑA
Ciudad de Muertos, película dirigida por José Manuel Cravioto, es un thriller psicológico que por momentos se siente como un cuento de terror
Un thriller psicológico que nos recuerda que la realidad puede ser mucho más aterradora que la ficción.
La fotografía es uno de los artes más complejos, saber tomar y capturar un momento que quede grabado para siempre en una imagen y que a la vez logre transmitir la misma emoción que en ese momento se vivía muy pocos pueden lograrlo, pero cuando se hace es simplemente conmovedor ¿Pero qué pasa cuando el momento que se captura es el fin de una vida? La fotografía toma otro matiz, muchas veces lleno de morbo, (morbo que muchos medios han utilizado para vender), pero también puede ser solemne, no por lo que muestra, sino por la manera en que nos invita a detenernos y descubrir todo lo que hay detrás de ella. Y es ahí donde deja de ser simple morbo para convertirse en un testimonio crudo de la fragilidad humana, capaz de conmovernos incluso desde el horror.
Justamente esto es lo que me dejó Ciudad de Muertos, película dirigida por José Manuel Cravioto que toma como inspiración el extraordinario trabajo de Enrique Metinides, uno de los fotógrafos de nota roja más importantes de México, para construir un thriller psicológico que por momentos se siente como un cuento de terror clásico sobre un artista que termina atrapado por sus propias obras y que al final nos recuerda que todos vamos para allá.
Más allá del morbo de la nota roja.
La historia nos presenta a Enrique (Jero Medina), un fotógrafo de nota roja en la Ciudad de México de los años cincuenta, cuya fascinación por documentar la muerte lo lleva a involucrarse en la investigación de un misterioso asesinato. Sin embargo, después de un terremoto y una serie de acontecimientos inexplicables, comienza a experimentar visiones y encuentros inquietantes que desdibujan la frontera entre los vivos y los muertos, obligándolo a confrontar aquello que su cámara ha capturado durante toda su vida.
Un thriller con un tipo de terror nada convencional.
Lo primero que debemos entender es que no estamos ante una película de terror convencional; aquí el miedo no depende de sobresaltos, criaturas o situaciones diseñadas para provocar sustos, sino de algo mucho más cercano y perturbador: la crudeza de la vida y los terribles momentos que Enrique Metinides llegó a fotografiar. Es precisamente ahí donde la película encuentra su mayor fortaleza, convirtiendo algunas de las imágenes más icónicas del fotógrafo en secuencias cinematográficas que resultan tan impactantes como difíciles de contemplar, pero a la vez imposibles de dejar de ver.
La historia que nos ofrece
Narrativamente, es una película que apuesta mucho por la ambigüedad y la contemplación y es que durante buena parte de la cinta podemos sentirnos tan desconcertados como su protagonista, tratando de entender qué está ocurriendo realmente y cómo se relacionan todos los acontecimientos. Esto puede jugar en su contra, pues por momentos la historia se siente predecible debido a su premisa y algunas actuaciones pueden resultar algo planas.
Y si bien esta arma de doble filo (su ambigüedad) puede llegar a dificultar nuestra conexión con lo que estamos viendo, cuando finalmente las piezas comienzan a encajar y llegamos a su desenlace, todo cobra sentido y terminamos comprendiendo la historia prácticamente al mismo tiempo que Enrique, aunque su premisa sea más que evidente.
Una fotografía bien cuidada que vale la pena verla en cine.
El trabajo de José Manuel Cravioto en la dirección y Diego Sebastián Tenorio en la fotografía elevan muchísimo a esta película, siendo razón suficiente para verla; ambos consiguen recrear estas imágenes de una manera sumamente cruda, precisa y, al mismo tiempo, artística.
Cada encuadre parece tener una intención, los detalles están por doquier y existe una composición visual que nos permite apreciar el talento detrás de aquellas fotografías, pero también sentir ese vacío en el estómago que provocan las tragedias que representan.
Propositiva en su estilo
Se nota la intención de que esto se manejara con un cuidado y atención al detalle minucioso, puesto que la cinta busca y logra recrear las fotografías que se nos presentan al final, de una manera tan “natural” que da miedo, lo cual hace todo el sentido que sea una película tan contemplativa y el hecho que se haya apostado por un filtro en blanco y negro, con momentos en rojo y negro, ayuda a que se sienta como una película de época.
Porque sí, otro gran apartado de la película es el trabajo realizado en recrear una Ciudad de México de mediados del siglo pasado y lo más interesante es que lo hace con pocos elementos, pero muy bien trabajados, más allá del vestuario, en verdad se nos traslada a los años 1950´s.
Conclusión.
Ciudad de Muertos es una película contemplativa que busca rendir homenaje al extraordinario trabajo de Enrique Metinides, un fotógrafo cuyo talento para capturar la tragedia consiguió convertir momentos terribles en imágenes que forman parte de la memoria colectiva.
Es una película que vale por completo verla en cines por su bella fotografía y el hecho que se sale de todo lo convencional, apostando por un thriller contemplativo con el que muchos puede que no conecte por su ambigüedad y un final predecible.
Sin embargo al final es una experiencia que nos deja helados al recordarnos que, en ocasiones, la realidad puede ser mucho más aterradora que cualquier historia de ficción.
Ciudad de Muertos ya llegó a las salas de cine de México y por supuesto a las salas de Cinemex Alternativo.
Ciudad de Muertos | Reseña
Overall
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Dirección
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Fotografía
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Actuaciones
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Guion
Ciudad de Muertos | Reseña
Ciudad de Muertos es una película contemplativa que busca rendir homenaje al extraordinario trabajo de Enrique Metinides, un fotógrafo cuyo talento para capturar la tragedia consiguió convertir momentos terribles en imágenes que forman parte de la memoria colectiva.Es una película que vale por completo verla en cines por su bella fotografía y el hecho que se sale de todo lo convencional, apostando por un thriller contemplativo con el que muchos puede que no conecte por su ambigüedad y un final predecible. Sin embargo al final es una experiencia que nos deja helados al recordarnos que, en ocasiones, la realidad puede ser mucho más aterradora que cualquier historia de ficción.
Cine
Duna: Parte Tres marcará el desenlace oficial de la franquicia
Ya está aquí el tráiler final de Duna: Parte tres. Este épico adelanto muestra a Paul Atreides dándose cuenta que ha convertido en un villano
Ya está aquí el tráiler final de Duna: Parte tres. Este épico adelanto muestra a Paul Atreides dándose cuenta de que ha vivido lo suficiente como para convertirse en el villano, mientras se prepara para un enfrentamiento con Chani.
Warner Bros. ha publicado el tráiler final de Dune: Parte tres que anticipa el inevitable choque entre Paul Atreides (Timothée Chalamet) y Chani (Zendaya).
Paul comprende, finalmente, que se ha transformado en el dictador contra el que Chani ha luchado toda su vida.
Chani se ha aliado con Scytale (Robert Pattinson) para intentar asesinar a Paul, quien, desde que se convirtió en Emperador al final de Dune: Parte dos, se ha inclinado mucho más hacia el papel de villano que al de héroe.
¿Existe alguna posibilidad de reconciliación? El tráiler termina de una forma que sugiere que, tal vez, aún puedan reencontrarse.
El duelo final en Duna: Parte tres
El adelanto, que destaca el impresionante apartado visual y un reparto estelar, resulta verdaderamente épico; tanto, que plantea por qué Duna: Parte tres podría merecer aún más las pantallas IMAX que Avengers: Doomsday.
En otras partes del tráiler, vemos gusanos de arena, batallas épicas y a las Bene Gesserit continuando con sus maquinaciones, además del regreso de Jason Momoa en un nuevo e intrigante papel.
Dune: Parte tres se desarrolla casi dos décadas después de que Paul Atreides tomara el control del Imperio.
Convertido ahora en un emperador implacable, Paul debe afrontar las consecuencias de su mandato: viejos aliados regresan, surgen nuevas y aterradoras amenazas, y la traición acecha en cada sombra.
Atormentado por visiones del colapso imperial y por la reaparición de su amor perdido hace mucho tiempo, Paul se ve arrastrado a una vasta conspiración, en cuyo misterio central se encuentra Chani.
Mientras la rebelión se gesta y los enemigos estrechan el cerco, Paul deberá enfrentarse al verdadero precio del poder y al destino de aquellos a quienes más ama.
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Anime
BLUE LOCK | RESEÑA
Blue Lock a da el salto a la acción real con una película que busca trasladar esa intensidad a la pantalla grande
Blue Lock mete un gol con su película en acción real.
Pocas series deportivas han conseguido convertirse en un fenómeno como Blue Lock, una historia que revolucionó el género al poner el ego, la ambición y la competencia individual en el centro del fútbol. Su filosofía, encabezada por Jinpachi Ego, rompe con la idea tradicional de que un jugador siempre debe priorizar al equipo y plantea que confiar en las propias capacidades, reconocer el talento individual y tener la ambición de ser el mejor también puede ser la clave para alcanzar la victoria.
Titulada simplemente como Blue Lock, esta popular historia da el salto a la acción real con una película que busca trasladar esa intensidad a la pantalla grande y es una adaptación fiel y entretenida que conserva la esencia del anime, aunque tiene algunos detalles que le impiden alcanzar su máximo potencial y a continuación les cuento el porqué.
Una competencia por convertirse en el mejor.
Dirigida por Yūsuke Taki y protagonizada por Fumiya Takahashi como Yoichi Isagi, Kaito Sakurai como Meguru Bachira y Masataka Kubota como Jinpachi Ego, la cinta adapta la primera fase del proyecto Blue Lock. La historia nos presenta a 300 jóvenes delanteros que deberán enfrentarse a una serie de pruebas y competir entre sí para conseguir una sola meta: convertirse en el mejor goleador de Japón. Entre ellos se encuentra Isagi, quien tendrá que descubrir sus verdaderas fortalezas y desarrollar su propio estilo para sobrevivir a una competencia en la que no todos conseguirán llegar hasta el final.
El ego entra a la cancha.
Uno de los mayores aciertos de esta adaptación es que consigue trasladar correctamente la esencia de la obra original y del anime, sobre todo, la filosofía del ego (bien aplicado) que mueve toda la historia.
La película muestra cómo cada jugador debe reconocer sus habilidades, confiar en su potencial y desarrollar la ambición necesaria para imponerse sobre sus rivales.
No se trata simplemente de ser egoísta, sino de atreverse a asumir la responsabilidad de marcar la diferencia y luchar por convertirse en el mejor.
A esto se suman partidos emocionantes que consiguen trasladar las habilidades características de cada personaje a la acción real y aunque los efectos visuales cumplen con su cometido al representar algunas de estas jugadas, en determinados momentos pudieron ser más convincentes para transmitir toda la espectacularidad que caracteriza al anime y si a esto le sumamos la gran caracterización de personajes, pues tenemos fanservice puro.
Otro de sus grandes aciertos está en su apartado musical, encabezado por Ado con el tema Monstro, una canción que aporta energía a la experiencia y acompaña muy bien la intensidad de esta competencia.
Además, para el público latinoamericano, la película cuenta con doblaje al español con el elenco que conocemos del anime, un detalle que ayuda a mantener la familiaridad con los personajes y hace más disfrutable esta nueva versión.
El precio de llevar el anime a la acción real.
Como era de esperarse en una adaptación de este tipo, uno de los principales sacrificios está en el desarrollo de sus personajes. El tiempo limitado de una película obliga a concentrar la historia en los protagonistas más importantes, como Isagi, Nagi, Bachira y Chigiri, dejando menos espacio para profundizar en otros jugadores y en las relaciones que se construyen entre ellos.
Sin embargo, su verdadero talón de Aquiles está en algunas de sus secuencias de acción; los primeros planos y las tomas cerradas durante las carreras no siempre consiguen transmitir movimientos naturales y convincentes, lo que rompe por momentos con la intensidad de los partidos y evidencia las dificultades de trasladar el dinamismo del anime a los actores reales.
Conclusión.
Blue Lock es una buena adaptación en acción real que mete un gol al conservar la esencia de su material original. Sus partidos, su filosofía del ego, la música de Ado y el respeto por los personajes hacen que valga la pena para los seguidores de la franquicia, aunque el desarrollo limitado de algunos jugadores y ciertas secuencias poco convincentes le restan puntos. Aun con estos detalles, es una buena oportunidad para disfrutar de esta historia desde otra perspectiva y, para quienes todavía no conocen este universo, una excelente puerta de entrada para después adentrarse en el anime y el manga.
Blue Lock llega a los cines de México este 29 de octubre de la mano de nuestros amigos de Zima Entertainment.
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Blue Lock | Reseña
Overall
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Historia y guion
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Efectos
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Soundtrack
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Adaptación y fanservice
Blue Lock (live-action) | Reseña
Blue Lock es una buena adaptación en acción real que mete un gol al conservar la esencia de su material original. Sus partidos, su filosofía del ego, la música de Ado y el respeto por los personajes hacen que valga la pena para los seguidores de la franquicia, aunque el desarrollo limitado de algunos jugadores y ciertas secuencias poco convincentes le restan puntos. Aun con estos detalles, es una buena oportunidad para disfrutar de esta historia desde otra perspectiva y, para quienes todavía no conocen este universo, una excelente puerta de entrada para después adentrarse en el anime y el manga.
