Cine
“LOS FABELMAN” | Reseña sin spoilers
Respaldada por siete nominaciones a los premios Oscar, por fin llega esta película a salas mexicanas ¿Vale la pena ver los tempranos recuerdos de Steven Spielberg? Acá te contamos.
De unos años para acá, han visto la luz diversas películas muy personales para los directores, para mí es todo un goce que tengan momentos catárticos expresados en el cine (en lugar de quizá ir a terapia), es así que nos han llegado títulos como “Lady Bird” (Greta Gerwig), “Roma” (Alfonso Cuarón), “Fue la mano de Dios” (Paolo Sorrentino), “Belfast” (Kenneth Branagh) y hasta la divisiva “Bardo” (Alejandro G. Iñarritu), el turno de Steven Spielberg ha llegado y muy acorde a su trayectoria, es posible que se la suya, la versión más entretenida de todas.
El aclamado director utiliza su película para presentarnos parte de su infancia y adolescencia, con sus dosis de drama, pero sobre todo como pretexto para hablar de unos de sus más grandes amores: El cine.
¿DE QUÉ TRATA “LOS FABELMAN”?
La historia nos presenta al pequeño Sammy (Mateo Zoryan), evidente alter ego del director, quien algo temeroso asiste por primera vez en su vida a una sala de cine, este evento tiene tal efecto en él, que repetir cierta escena se le ha vuelto una obsesión que comienza a preocupar a su pragmático padre (Paul Dano) y a su madre (Michelle Williams), es esta última quien tiene la idea de prestarle al pequeño Sammy una cámara para que por fin deje atrás su obsesión, sin saber que esta acción ataría a su hijo para siempre con el lente de una cámara.
Es así como la película abordará no solamente las obsesiones del joven, sino además sus experiencias familiares, proveniente de un entorno judío, una familia numerosa y con un constante debate familiar entre el arte, apoyado por la madre y el “trabajo de provecho”, aconsejado por el padre. El crecimiento y desarrollo de Sam pasa por las etapas clásicas de un joven judío en un entorno extraño y casi nómada, al que se le agrega además una ruptura familiar que marcará el resto de su vida.
LO BUENO
Enfrente tenemos una película completamente autoral y con el sello Spielberg, por lo que los momentos altamente cinematográficos son una constante, para ello el director se apoya en Janusz Kaminski (“West Side Story”, “Ready Player One”) para la ejecución de tremendas secuencias a dos cámaras, por un lado la del joven Sam filmando sus primeras películas (en el formato pertinente) y por otro el ojo de Spielberg plasmando sus recuerdos como un espectador más, es así como podrán ser testigos de diversas escenas memorables y con mucho corazón, como cuando el pequeño Sammy toma su creación proyectada entre sus manos.
El reparto no solamente es certero en su elección, sino que todos realizan un trabajo más que adecuado, casi sorprendente en el caso de Seth Rogen, quien nos tiene más acostumbrados a roles cómicos (aunque tampoco se aleja tanto) y sobresaliente en el caso de Michelle Williams como la compleja madre y esposa de la familia Fabelman, Paul Dano no tiene falla (como casi siempre) personificando al calculador padre de Spielberg, pero de manera general, todo el reparto hace un trabajo digno, incluso la especial aparición de David Lynch en un papel más que fundamental en la carrera del que se convertiría en el creador de los blockbusters como los conocemos.
A toda la maestría de Spielberg se le une su compañero de varias batallas detrás de la música, el mítico John Williams, quien no solo tiene merecida su nominación al Oscar sino que aporta gran parte del sentimiento y grandilocuencia de la historia.
La vida de Spielberg gira alrededor del cine y como tal, es constantemente una caricia a cualquier cinéfilo, sin intenciones pedagógicas o históricas sino más bien una plática entre amigos, que hábilmente fusiona con detalles de gran importancia, como tipos de cámaras, método de edición y filmación, el ingenio que se sobrepone a las limitaciones del propio arte, así como la importancia del montaje con la finalidad de contar una historia, todo lo anterior contado a través de los ojos y experiencia del (paradójicamente inexperto) Sam.
LO MALO
Cada quien sufre sus historias en carne propia y a su manera, el momento dramático de Steven Spielberg, y que permea prácticamente toda la película, es la ruptura familiar que ocurre a mitad del segundo acto, y no quiero parecer falto de empatía, pero a falta de mejores palabras: “A Spielberg le falta barrio”. No es que no sea doloroso una separación en cualquiera de sus representaciones, pero es que el drama de Spielberg se recarga demasiado en ello, porque en general la historia ofrece muy pocos conflictos emocionales/sociales como para nutrir más a su personaje, tenemos el clásico bullying escolar, la aparición de las hormonas y quizá el punto más rescatable en toda la película, que es la dicotomía entre la persecución de los sueños y la familia (que no siempre parecen ser compatibles), es decir es un “coming of age” de fórmula que reposa dentro de un entorno bastante bien acomodado, el sufrimiento de los ricos dirían por ahí.
Este alargamiento del drama hace que la película se caiga en su narrativa por momentos, y que las dos horas y media de duración se hagan presentes, es verdad que el ingenio visual de Spielberg rescata muchos de esos momentos de tedio, pero en general una vez que aparece el drama familiar ya nunca se va.
VEREDICTO
Estamos ante la nueva producción de la leyenda viviente llamada Steven Spielberg, por supuesto que recomiendo que vayan al cine a verla, el señor está a punto de cumplir 50 años de carrera y a sus 76 de edad sigue en busca de la perfección, es verdad que se queda corto en esta película, pero está muy por encima de la película dominguera de su elección, por lo que insisto en que si está entre sus planes y posibilidades, no deje pasar la oportunidad de presenciar su íntima historia en una sala de cine.
Por otro lado, aconsejo no esperar mucho de la historia, en cuyo caso y si le interesa conocer más acerca de la vida y carrera del director, recomiendo ampliamente que le den una vuelta al documental “Spielberg” de HBO (o evitarlo a menos que quieran ir a la función llenos de “spoilers”), que aborda de una manera mucho más fluida y pasajera la mencionada ruptura familiar.
Si los directores deberían ir a terapia en lugar de expulsar sus demonios a través de lo que mejor saben hacer, es una decisión personal, a nosotros como espectadores no nos queda más que agradecer la ventana al pequeño infierno (o paraíso) que estas mentes cinematográficas nos muestran, en “Los Fabelman” el director junto con su coguionista Tony Kushner (“Lincoln”, “Munich”) parece que nunca pierden de vista el objetivo ameno del séptimo arte y así es como abordan su historia, llena de momentos mágicos e imperecederos pero que no logran ser sólidos en su totalidad. A mi parecer el conflicto más fuerte debió recaer entre la dualidad del artista y la persona, el amor por la familia y el amor a su arte, tema que daba para una mayor profundidad de la que se le dio.
Esta película llega a salas nacionales este 26 de enero y tendrán la oportunidad de ser ustedes mismos quienes decidan si la catarsis personal de Spielberg (con todo y su talento detrás de la cámara) valió la pena o no.
Cine
CIUDAD DE MUERTOS | RESEÑA
Ciudad de Muertos, película dirigida por José Manuel Cravioto, es un thriller psicológico que por momentos se siente como un cuento de terror
Un thriller psicológico que nos recuerda que la realidad puede ser mucho más aterradora que la ficción.
La fotografía es uno de los artes más complejos, saber tomar y capturar un momento que quede grabado para siempre en una imagen y que a la vez logre transmitir la misma emoción que en ese momento se vivía muy pocos pueden lograrlo, pero cuando se hace es simplemente conmovedor ¿Pero qué pasa cuando el momento que se captura es el fin de una vida? La fotografía toma otro matiz, muchas veces lleno de morbo, (morbo que muchos medios han utilizado para vender), pero también puede ser solemne, no por lo que muestra, sino por la manera en que nos invita a detenernos y descubrir todo lo que hay detrás de ella. Y es ahí donde deja de ser simple morbo para convertirse en un testimonio crudo de la fragilidad humana, capaz de conmovernos incluso desde el horror.
Justamente esto es lo que me dejó Ciudad de Muertos, película dirigida por José Manuel Cravioto que toma como inspiración el extraordinario trabajo de Enrique Metinides, uno de los fotógrafos de nota roja más importantes de México, para construir un thriller psicológico que por momentos se siente como un cuento de terror clásico sobre un artista que termina atrapado por sus propias obras y que al final nos recuerda que todos vamos para allá.
Más allá del morbo de la nota roja.
La historia nos presenta a Enrique (Jero Medina), un fotógrafo de nota roja en la Ciudad de México de los años cincuenta, cuya fascinación por documentar la muerte lo lleva a involucrarse en la investigación de un misterioso asesinato. Sin embargo, después de un terremoto y una serie de acontecimientos inexplicables, comienza a experimentar visiones y encuentros inquietantes que desdibujan la frontera entre los vivos y los muertos, obligándolo a confrontar aquello que su cámara ha capturado durante toda su vida.
Un thriller con un tipo de terror nada convencional.
Lo primero que debemos entender es que no estamos ante una película de terror convencional; aquí el miedo no depende de sobresaltos, criaturas o situaciones diseñadas para provocar sustos, sino de algo mucho más cercano y perturbador: la crudeza de la vida y los terribles momentos que Enrique Metinides llegó a fotografiar. Es precisamente ahí donde la película encuentra su mayor fortaleza, convirtiendo algunas de las imágenes más icónicas del fotógrafo en secuencias cinematográficas que resultan tan impactantes como difíciles de contemplar, pero a la vez imposibles de dejar de ver.
La historia que nos ofrece
Narrativamente, es una película que apuesta mucho por la ambigüedad y la contemplación y es que durante buena parte de la cinta podemos sentirnos tan desconcertados como su protagonista, tratando de entender qué está ocurriendo realmente y cómo se relacionan todos los acontecimientos. Esto puede jugar en su contra, pues por momentos la historia se siente predecible debido a su premisa y algunas actuaciones pueden resultar algo planas.
Y si bien esta arma de doble filo (su ambigüedad) puede llegar a dificultar nuestra conexión con lo que estamos viendo, cuando finalmente las piezas comienzan a encajar y llegamos a su desenlace, todo cobra sentido y terminamos comprendiendo la historia prácticamente al mismo tiempo que Enrique, aunque su premisa sea más que evidente.
Una fotografía bien cuidada que vale la pena verla en cine.
El trabajo de José Manuel Cravioto en la dirección y Diego Sebastián Tenorio en la fotografía elevan muchísimo a esta película, siendo razón suficiente para verla; ambos consiguen recrear estas imágenes de una manera sumamente cruda, precisa y, al mismo tiempo, artística.
Cada encuadre parece tener una intención, los detalles están por doquier y existe una composición visual que nos permite apreciar el talento detrás de aquellas fotografías, pero también sentir ese vacío en el estómago que provocan las tragedias que representan.
Propositiva en su estilo
Se nota la intención de que esto se manejara con un cuidado y atención al detalle minucioso, puesto que la cinta busca y logra recrear las fotografías que se nos presentan al final, de una manera tan “natural” que da miedo, lo cual hace todo el sentido que sea una película tan contemplativa y el hecho que se haya apostado por un filtro en blanco y negro, con momentos en rojo y negro, ayuda a que se sienta como una película de época.
Porque sí, otro gran apartado de la película es el trabajo realizado en recrear una Ciudad de México de mediados del siglo pasado y lo más interesante es que lo hace con pocos elementos, pero muy bien trabajados, más allá del vestuario, en verdad se nos traslada a los años 1950´s.
Conclusión.
Ciudad de Muertos es una película contemplativa que busca rendir homenaje al extraordinario trabajo de Enrique Metinides, un fotógrafo cuyo talento para capturar la tragedia consiguió convertir momentos terribles en imágenes que forman parte de la memoria colectiva.
Es una película que vale por completo verla en cines por su bella fotografía y el hecho que se sale de todo lo convencional, apostando por un thriller contemplativo con el que muchos puede que no conecte por su ambigüedad y un final predecible.
Sin embargo al final es una experiencia que nos deja helados al recordarnos que, en ocasiones, la realidad puede ser mucho más aterradora que cualquier historia de ficción.
Ciudad de Muertos ya llegó a las salas de cine de México y por supuesto a las salas de Cinemex Alternativo.
Ciudad de Muertos | Reseña
Overall
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Dirección
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Fotografía
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Actuaciones
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Guion
Ciudad de Muertos | Reseña
Ciudad de Muertos es una película contemplativa que busca rendir homenaje al extraordinario trabajo de Enrique Metinides, un fotógrafo cuyo talento para capturar la tragedia consiguió convertir momentos terribles en imágenes que forman parte de la memoria colectiva.Es una película que vale por completo verla en cines por su bella fotografía y el hecho que se sale de todo lo convencional, apostando por un thriller contemplativo con el que muchos puede que no conecte por su ambigüedad y un final predecible. Sin embargo al final es una experiencia que nos deja helados al recordarnos que, en ocasiones, la realidad puede ser mucho más aterradora que cualquier historia de ficción.
Cine
Duna: Parte Tres marcará el desenlace oficial de la franquicia
Ya está aquí el tráiler final de Duna: Parte tres. Este épico adelanto muestra a Paul Atreides dándose cuenta que ha convertido en un villano
Ya está aquí el tráiler final de Duna: Parte tres. Este épico adelanto muestra a Paul Atreides dándose cuenta de que ha vivido lo suficiente como para convertirse en el villano, mientras se prepara para un enfrentamiento con Chani.
Warner Bros. ha publicado el tráiler final de Dune: Parte tres que anticipa el inevitable choque entre Paul Atreides (Timothée Chalamet) y Chani (Zendaya).
Paul comprende, finalmente, que se ha transformado en el dictador contra el que Chani ha luchado toda su vida.
Chani se ha aliado con Scytale (Robert Pattinson) para intentar asesinar a Paul, quien, desde que se convirtió en Emperador al final de Dune: Parte dos, se ha inclinado mucho más hacia el papel de villano que al de héroe.
¿Existe alguna posibilidad de reconciliación? El tráiler termina de una forma que sugiere que, tal vez, aún puedan reencontrarse.
El duelo final en Duna: Parte tres
El adelanto, que destaca el impresionante apartado visual y un reparto estelar, resulta verdaderamente épico; tanto, que plantea por qué Duna: Parte tres podría merecer aún más las pantallas IMAX que Avengers: Doomsday.
En otras partes del tráiler, vemos gusanos de arena, batallas épicas y a las Bene Gesserit continuando con sus maquinaciones, además del regreso de Jason Momoa en un nuevo e intrigante papel.
Dune: Parte tres se desarrolla casi dos décadas después de que Paul Atreides tomara el control del Imperio.
Convertido ahora en un emperador implacable, Paul debe afrontar las consecuencias de su mandato: viejos aliados regresan, surgen nuevas y aterradoras amenazas, y la traición acecha en cada sombra.
Atormentado por visiones del colapso imperial y por la reaparición de su amor perdido hace mucho tiempo, Paul se ve arrastrado a una vasta conspiración, en cuyo misterio central se encuentra Chani.
Mientras la rebelión se gesta y los enemigos estrechan el cerco, Paul deberá enfrentarse al verdadero precio del poder y al destino de aquellos a quienes más ama.
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Anime
BLUE LOCK | RESEÑA
Blue Lock a da el salto a la acción real con una película que busca trasladar esa intensidad a la pantalla grande
Blue Lock mete un gol con su película en acción real.
Pocas series deportivas han conseguido convertirse en un fenómeno como Blue Lock, una historia que revolucionó el género al poner el ego, la ambición y la competencia individual en el centro del fútbol. Su filosofía, encabezada por Jinpachi Ego, rompe con la idea tradicional de que un jugador siempre debe priorizar al equipo y plantea que confiar en las propias capacidades, reconocer el talento individual y tener la ambición de ser el mejor también puede ser la clave para alcanzar la victoria.
Titulada simplemente como Blue Lock, esta popular historia da el salto a la acción real con una película que busca trasladar esa intensidad a la pantalla grande y es una adaptación fiel y entretenida que conserva la esencia del anime, aunque tiene algunos detalles que le impiden alcanzar su máximo potencial y a continuación les cuento el porqué.
Una competencia por convertirse en el mejor.
Dirigida por Yūsuke Taki y protagonizada por Fumiya Takahashi como Yoichi Isagi, Kaito Sakurai como Meguru Bachira y Masataka Kubota como Jinpachi Ego, la cinta adapta la primera fase del proyecto Blue Lock. La historia nos presenta a 300 jóvenes delanteros que deberán enfrentarse a una serie de pruebas y competir entre sí para conseguir una sola meta: convertirse en el mejor goleador de Japón. Entre ellos se encuentra Isagi, quien tendrá que descubrir sus verdaderas fortalezas y desarrollar su propio estilo para sobrevivir a una competencia en la que no todos conseguirán llegar hasta el final.
El ego entra a la cancha.
Uno de los mayores aciertos de esta adaptación es que consigue trasladar correctamente la esencia de la obra original y del anime, sobre todo, la filosofía del ego (bien aplicado) que mueve toda la historia.
La película muestra cómo cada jugador debe reconocer sus habilidades, confiar en su potencial y desarrollar la ambición necesaria para imponerse sobre sus rivales.
No se trata simplemente de ser egoísta, sino de atreverse a asumir la responsabilidad de marcar la diferencia y luchar por convertirse en el mejor.
A esto se suman partidos emocionantes que consiguen trasladar las habilidades características de cada personaje a la acción real y aunque los efectos visuales cumplen con su cometido al representar algunas de estas jugadas, en determinados momentos pudieron ser más convincentes para transmitir toda la espectacularidad que caracteriza al anime y si a esto le sumamos la gran caracterización de personajes, pues tenemos fanservice puro.
Otro de sus grandes aciertos está en su apartado musical, encabezado por Ado con el tema Monstro, una canción que aporta energía a la experiencia y acompaña muy bien la intensidad de esta competencia.
Además, para el público latinoamericano, la película cuenta con doblaje al español con el elenco que conocemos del anime, un detalle que ayuda a mantener la familiaridad con los personajes y hace más disfrutable esta nueva versión.
El precio de llevar el anime a la acción real.
Como era de esperarse en una adaptación de este tipo, uno de los principales sacrificios está en el desarrollo de sus personajes. El tiempo limitado de una película obliga a concentrar la historia en los protagonistas más importantes, como Isagi, Nagi, Bachira y Chigiri, dejando menos espacio para profundizar en otros jugadores y en las relaciones que se construyen entre ellos.
Sin embargo, su verdadero talón de Aquiles está en algunas de sus secuencias de acción; los primeros planos y las tomas cerradas durante las carreras no siempre consiguen transmitir movimientos naturales y convincentes, lo que rompe por momentos con la intensidad de los partidos y evidencia las dificultades de trasladar el dinamismo del anime a los actores reales.
Conclusión.
Blue Lock es una buena adaptación en acción real que mete un gol al conservar la esencia de su material original. Sus partidos, su filosofía del ego, la música de Ado y el respeto por los personajes hacen que valga la pena para los seguidores de la franquicia, aunque el desarrollo limitado de algunos jugadores y ciertas secuencias poco convincentes le restan puntos. Aun con estos detalles, es una buena oportunidad para disfrutar de esta historia desde otra perspectiva y, para quienes todavía no conocen este universo, una excelente puerta de entrada para después adentrarse en el anime y el manga.
Blue Lock llega a los cines de México este 29 de octubre de la mano de nuestros amigos de Zima Entertainment.
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Blue Lock | Reseña
Overall
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Historia y guion
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Efectos
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Soundtrack
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Adaptación y fanservice
Blue Lock (live-action) | Reseña
Blue Lock es una buena adaptación en acción real que mete un gol al conservar la esencia de su material original. Sus partidos, su filosofía del ego, la música de Ado y el respeto por los personajes hacen que valga la pena para los seguidores de la franquicia, aunque el desarrollo limitado de algunos jugadores y ciertas secuencias poco convincentes le restan puntos. Aun con estos detalles, es una buena oportunidad para disfrutar de esta historia desde otra perspectiva y, para quienes todavía no conocen este universo, una excelente puerta de entrada para después adentrarse en el anime y el manga.
