John Rambo, protagonizada por Noah Centineo como el héroe de guerra titular, ya ha comenzado su producción en Tailandia, y tenemos un primer vistazo a la precuela de acción a través de un póster.

Recientemente nos enteramos de que Millennium Media está desarrollando una precuela de Rambo con Noah Centineo (Black Adam, The Recruit, Street Fighter) como una versión más joven del legendario héroe de acción.

El proyecto ya ha comenzado oficialmente su producción en Bangkok, Tailandia.

El director de Sisu, Jalmari Helander, dirigirá la película a partir de un guión del dúo de guionistas Rory Haines y Sohrab Noshirvani.

Los productores son Kevin King-Templeton, en representación de Templeton Media, Les Weldon, Jonathan Yunger y Avi Lerner. Los productores ejecutivos incluyen a Trevor Short y Dallas Sonnier y Amanda Presmyk, de Bonfire Legends.

El reto de la precuela de Rambo

“Cuando tenía 11 años, vi First Blood por primera vez y me cambió la vida”,

declaró Helander en un comunicado. Para mí, Rambo no fue solo una película; me acompañó durante mi infancia y fue una influencia decisiva en mi deseo de ser cineasta. Al comenzar la producción sobre el origen de John Rambo, volvemos al principio.

Este es Rambo al desnudo, crudo y real: una historia de supervivencia sobre la resistencia, la persistencia y la pérdida de la inocencia.

Es un honor dar forma a este nuevo capítulo con profundo respeto por el personaje y su legado, y acercar al público el inicio de la aventura de John Rambo.

Erin Westerman, presidenta de Lionsgate Motion Picture Group, añadió:

«Estamos encantados de comenzar la producción de ‘John Rambo’, que permitirá tanto al público nuevo como a los fans actuales explorar las raíces de John Rambo, sus principios y, lo más importante, acción increíble, gracias a la singular visión de Jalmari. Y estamos muy emocionados por la actuación comprometida y poderosa de Noah, que mostrará lo que convirtió a este personaje en leyenda».

La película original, First Blood, narra la historia de un veterano de Vietnam atormentado (Sylvester Stallone), quien es perseguido por un sheriff corrupto al llegar a un pequeño pueblo para visitar a un viejo amigo.

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Con dos nominaciones al Oscar, entre ellas “Mejor película internacional”, Sirat se consolida como una propuesta que no te dejará indiferente.

Después de ganar “El premio del Jurado” en el prestigioso Festival de Cannes 2025, la película aseguró su lugar como la candidata a representar a España y la apuesta le resultó, ya que fue anunciada con dos nominaciones a las estatuillas, dicha nominación fue muy bien recibida por el director Oliver Laxe y su equipo, quien además está nominado en once categorías más en los premios Goya ¿Tanto premio es justificado? Sigue leyendo para que te enteres de nuestra opinión.

¿DE QUÉ TRATA “SIRAT”?

Tratar de definir o resumir esta película sería quitarle la magia, el dolor, descubrimiento e introspección que el director intenta sembrar en cada uno de los posibles espectadores, sin embargo, de manera muy general puedo comentarles que la historia nos presenta primero a Luis (Sergi López) y su pre adolescente hijo Esteban (Bruno Nuñez Arjona), ambos se encuentran en un masivo, pero ilegal “rave” en el desierto, lo anterior se debe a que están en la búsqueda de su hija y hermana respectivamente, una joven de la que no saben nada hace cinco meses y Luis tiene información de que podría encontrarse en el lugar.

La suerte no les sonríe, no solamente porque no encuentran a la hija, sino porque una emergencia militar interrumpe la fiesta y provoca el desalojo de todos los asistentes, sin embargo Luis escuchó que habrá otra fiesta en Marruecos, así que se une a un grupo de nómadas adictos al techno y al trance, con la única esperanza de que en la siguiente fiesta pueda por fin encontrar a su hija. De una vez les aviso: nada puede prepararlos para el camino que Oliver Laxe les tiene dispuesto a todos (personajes y espectadores).

LO BUENO

En la tradición islámica, la palabra “Sirat” se refiere el delgado puente (encima del infierno) que toda persona debe cruzar en su intento por llegar al paraíso. En este sentido, lo que Laxe nos propone es precisamente un tenso viaje y lo primero que resalta constantemente es el ojo que tiene para sacarle belleza y peligro a los inhóspitos territorios por los que se tendrán que mover los personajes en busca de fiesta (unos) y de su familia (otros). Por lo que la fotografía es uno de los primeros puntos a resaltar dentro de esta tensa odisea.

Aunque la fotografía se encarga de mostrarnos bellas y hostiles postales, es la música la primera invitada a esta pasarela del dolor y del baile, la música cortesía de Kangding Ray se encarga no solamente de ofrecernos la típica música de estos festivales musicales, sino que acompaña de manera muy adecuada cada uno de los diversos ambientes por los que atraviesa la historia.

La historia cuenta con diversas decisiones narrativas que tomarán por sorpresa al espectador, si bien esto corresponde al rubro de lo positivo, el impacto que buscan estas escenas es precisamente lo contrario.

El nivel de dificultad para la hechura de la película es notable, igual que los personajes, el equipo decidió irse por el rumbo más difícil para una película de muy mediano presupuesto (entre 6 y siete millones de euros), sin embargo la película se nota más que presentable y el trabajo de los no actores consigue la naturalidad que la película intentaba.

La parte medular de la película (y la que más dividirá al público) es la valentía de no mostrarse complaciente sino más bien confrontativa, retando al espectador a que al final (si el shock y el dolor lo permite) haga un estudio introspectivo acerca de lo que acaba de ver. El propio director se ha mostrado reacio a dar su interpretación, pero me gusta pensar en que algo bueno saldrá después de que la proyección se vaya a negro.

LO MALO

El ojo del director es muy acertado y sin embargo se recarga en un paso lento para contar su historia, esto no es precisamente algo malo en sí, pero va a incomodar a los más desesperados, la constante en la tensión y la repetición de los paisajes (por muy bien grabados que estos estén) pueden causar cierto agotamiento en el espectador. Si esto es también intencional o no, solo el director lo sabe.

El móvil de la película arranca muy bien (la búsqueda de una hija por su padre), sin embargo no deja de sentirse que esto era solo un pretexto para contar algo más grande, lamentablemente el director y su coguionista Santiago Fillol, nos niegan una mejor cohesión entre los pasajes y al menos dos veces sentimos que lo que ocurre es solo pretexto para provocar más peligrosidad en el viaje que una historia sólida y sin cabos sueltos.

Las pretensiones artísticas constantemente pueden confundirse con artificialidades por parte del director, este sentimiento se repite, estará en ustedes discernir si lo que están viendo es una payasada artística o más bien el intento de trascender la pantalla y germinar algo (no estoy aún seguro qué) en el espectador.

VEREDICTO

Tanto premio alrededor de esta película es justificado de acuerdo a los ojos que la estarán mirando, en entrevistas el director se nota que cree intensamente en su visión y objetivo, sin embargo la ambición de mostrarnos una película que sobrepase la pantalla (de manera espiritual, mística o hasta simplemente psicológica y dramática) es una misión muy difícil en esta época en donde los contenidos fáciles y resumidos son una constante. Sin embargo su sola propuesta visual y el nominado sonido, hacen que su boleto al cine valga la pena, si cuando termine el viaje su experiencia será trascendental o no, dependerá completamente del espectador.

“Sirat” es un viaje sinuoso, no solo de manera literal sino también narrativa, porque se pasea por diversos temas, la familia, la música como escape, los nómadas y desechados de la humanidad buscando su propio lugar y sentido en el mundo, podría decirse incluso que propone el desierto como la misma vida (hostil y bella a la vez), pero les aseguro que la experiencia valdrá la pena, así sea para quejarse amargamente al final, pero no dude en intentar platicarla con todo el que pueda, podría apostar que las reacciones serán tan variadas como calificaciones dispares verán sobre ella en distintas redes y canales. Finalizo mi reseña no sin antes advertirles que el camino de “Sirat” no es complaciente, pero les ayudará mucho que al final traten de buscar una luz entre tanta oscuridad y desesperanza, al menos a mí, me abrió muchísimo la perspectiva sobre esta película. ¿Creen que gane al menos un Oscar? Pronto lo sabremos, mientras tanto no se la pueden perder.

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Aunque hay cierta obviedad, esta será posiblemente la única reseña que encuentres verdaderamente sin spoilers de una de las favoritas al Oscar. Entérate de todo en nuestra reseña de “Hamnet”.

La escritora Maggie O´Farrell publicó en 2020 la novela en la que se basa esta historia y hay una razón fundamental por la cual tanto en la novela, como ahora en la película, se mantenga en cierto anonimato los nombres de sus personajes, sobre todo el del personaje masculino. En la novela, este artificio narrativo se debe a que es la perspectiva del personaje femenino la encargada del relato, el personaje masculino no solamente se vuelve secundario de alguna manera, sino hasta necesario para que el drama suceda sin que el lector/espectador posea más información de la necesaria antes de tiempo.

Precisamente el hecho de que sea una novela exitosa y que este giro de tuerca atraiga asistentes en lugar de alejarlos, ha causado que muchas críticas y reseñas hagan caso omiso de los deseos iniciales e intención de la escritora. Sin embargo, como siempre, nosotros no seguimos ninguna corriente e imponemos el aspecto artístico a cualquier moda popular (aunque por lo mismo esta reseña nos cueste más trabajo), así que continúa leyendo para que te enteres si esta película se llevará el Oscar a mejor película o no.

¿DE QUÉ TRATA “HAMNET”?

Estamos a finales de 1500 y la historia nos presenta a la impetuosa Agnes (fantástica Jessie Buckley), una joven con conocimiento en herbolaria y con un profundo respeto por la naturaleza y los dones heredados por su madre biológica, que lamentablemente es mal vista, no solo por el pueblo sino incluso por su propia familia adoptiva. Esto no le impide a un joven maestro de latín fijarse en ella e intentar conquistarla.

El trabajo no será fácil, no solo por el pasado (y fama) de Agnes, sino porque el joven tiene un pasado propio, fantaseando con estudiar y escribir en lugar de tener un trabajo “verdadero” como su padre quien manufactura guantes. El amor triunfa pero la tragedia aparece también, esta época oscura pondrá a prueba el amor de estos dos amantes, cada uno sublimando el dolor como puede, sin saber que su historia y dolor trascenderá a las generaciones venideras.

LO BUENO

La directora Chloe Zhao (“Eternals”, “Nomadland”, “The Rider”) ha demostrado su valía, incluso en la fallida propuesta bajo las órdenes de Marvel done nos regaló una historia apresurada pero siempre bien dirigida y bellamente fotografiada, así que un drama clásico no tendría por qué ser la excepción, el don de Agnes y su evidente conexión con la naturaleza es explotada visualmente por la directora con la ayuda de Lukasz Zal (“La zona de interés”, “Estoy pensando en dejarlo”, “Cold war”), la iluminación responde a la naturalidad de una época en donde la luz del día y las velas eran todavía el único medio de existencia, haciendo de Hamnet una bella experiencia visual.

El drama es una constante en una historia que empieza difícil desde el principio, pero sin duda es Jessie Buckley quien comprueba que se va a llevar un premio Oscar, confirmándose como una de las mejores actrices de su generación, en un papel que ciertamente le brinda momentos de lucimiento pero que también saca a flote en los momentos más contenidos y de problemática interna. Afortunadamente el brillo y talento de Buckley encontró su par en el también talentoso Paul Mescal, en un toma y daca actoral que es adornado por el resto del reparto en donde ninguna pieza falla.

El nivel de producción es de alta manufactura, estando Steven Spielberg presente se podrán imaginar que no hay ninguna restricción ni miedo, siempre y cuando apoye la historia y drama, así que encontrar defectos en este ramo va a ser una tarea difícil para cualquier espectador.

LO MALO

Mi intención de mantenerme fiel a la secrecía del “giro de tuerca” no es gratuita, me parece que definitivamente perjudica el desarrollo y avance de la historia, puede incluso que el espectador se desespere al imaginarse (o conocer incluso) el desenlace al que se dirige la película, es cierto que este fin llega a buen puerto pero le resta dramatismo y poder narrativo conocer cualquier antecedente previo alrededor de la historia (historias).

No es que la historia esté falta de drama (lleven pañuelos los más sensibles), sino que más bien depende en demasía de la entrega actoral de su reparto (sobre todo los principales) para que éste sea acertado, la tragedia se cierne sobre la familia y sin embargo muy poco parece que puede interesar ya que la propia historia trata este oscuro pasaje como un proceso necesario para llegar al “verdadero final”, como espectadores estaremos completamente inmersos en los conflictos de pareja, pero no tanto en los de la familia y el guion podría ser señalado como el culpable, restando tiempo en pantalla de una mejor desarrollo y construcción de la dinámica familiar en sacrificio de un largo y expositivo cierre.

Lo anterior será (creo yo) el principal sinsabor, algunos quizá coincidan conmigo pero otros serán envueltos por el conmovedor final, necesario para el alivio del duelo pero no le quitará que es largo y teatral (literalmente).

VEREDICTO

Contestando la pregunta del inicio, es casi seguro que Jessie Buckle se corone con la estatuilla a mejor actriz, lo que pondría en duda es si le alcanzará a este drama llevarse también el premio a mejor película, situación en la que la veo un poco más disminuida ante la carrera e impulso que está teniendo la película de Paul Thomas Anderson o incluso la de Josh Safdie. La muerte y el duelo sin duda son temas atemporales en la psique humana, las historias que surgen a partir de estos dos pilares son variopintas y en este caso se nos presentarán dos formas de vivir y tratar de sobrellevar la misma tragedia con el extra de abordar un tema de cultura universal.

Sin embargo, es necesario comentar, que este manejo de la tragedia trabaja sobre todo para exaltar una historia que durante tres cuartos de la película se mantiene en misterio y este giro de tuerca en sí mismo no basta para que le perdonemos a su guion una mejor construcción del camino que nos llevó hasta ahí, desperdiciando incluso dos veces un soliloquio que ha sido usado hasta el cansancio de distintas formas y en diversas propuestas artísticas de todo tipo. El dolor de una madre jamás podrá ser igual al del padre ante la misma tragedia, sin embargo el trabajo femenino se ve eclipsado cuando se nota que la intención siempre fue resaltar el dolor paterno, olvidando de alguna manera ese poder femenino y de conexión (psíquico incluso) que se nos vino contando desde un inicio.

Después de un gran esfuerzo, logro completar para ustedes esta reseña, cumpliendo mi promesa de no liberar el gran spoiler que en lo personal afectó mi visionado, ya queda en ustedes acudir a la sala de cine a partir de este 22 de enero para descubrir si mi percepción es correcta o no, pero sobre todo juzgar si ese resguardo de información cambia su propia visión de la película. “Hamnet” llega a salas mexicanas gracias a Universal Pictures México y no se la deben perder si quieren llegar completos a la carrera por el Oscar, pero si llegaron hasta acá, aconsejo que eviten incluso el tráiler. Advertidos están.

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