Cine
“RESCATE IMPOSIBLE” | Reseña
El género bélico de acción ha cambiado para bien y para mal pero ¿Qué tal si regresamos al estilo de los ochentas? “Rescate Imposible” lo intenta y acá te contamos si lo consigue.
El género bélico de acción ha cambiado para bien y para mal pero ¿Qué tal si regresamos al estilo de los ochentas? “Rescate Imposible” lo intenta y acá te contamos si lo consigue.
El cine está en constante mutación, la tecnología, pensamientos sociales, pero sobre todo el público y su expresión en taquilla es lo que más han marcado estos cambios en los géneros más populares, en este sentido vale la pena recordar la fascinación de nuestro vecino del norte por las películas de género bélico, pero sobre todo un subgénero particular que en los años ochentas estuvo liderado por clásicos héroes de acción, musculosos machos que con una sola mano podrían derrotar a todo un ejército en nombre de la bandera de las rayas y las estrellas, fue así como surgieron clásicos como “Desaparecido en acción” (1984), “Comando” (1985) o las secuelas de “Rambo” entre muchas otras.
El mundo ha cambiado y la sociedad ya no está entusiasmada con las guerras, pero el negocio sigue activo y aún se necesita inspiración para que la gente se siga sumando a las filas, así que “Rescate Imposible” regresa a lo básico, una narrativa simple pero con personajes interesantes que además se da el lujo de colocar una pequeña crítica a la venerada institución armamentista.
¿DE QUÉ TRATA “RESCATE IMPOSIBLE”?
La película nos pone rápidamente en contexto y nos informa acerca de un peligroso grupo extremista en Asia que tiene secuestrado a un agente de la C.I.A, es por eso que se arma un pequeño grupo de fuerzas especiales para hacer una misión de rescate que está liderada por el Sargento John Sweet (Milo Ventimiglia) y que cuenta entre su miembros al humorista Sargento Bishop (Ricky Whittle), al duro Sargento Abell (Luke Hemsworth) y por mero juego del destino al novato Sargento Kinney (Liam Hemsworth), mientras ellos están en tierra serán guiados por un experimentado piloto (Russell Crowe) que los vigila mediante un dron.
Una simple misión de rescate nunca es simple en Hollywood y por supuesto que las cosas se empiezan a complicar con la llegada de un peligroso agente de la KGB (Jack Finsterer) que cambia los planes de los militares obligándolos a ponerse al descubierto y que la misión ahora consista en salir con vida de ahí.
LO BUENO
Comentaba en líneas anteriores el “sabor” a viejo en esta nueva producción y lo digo de manera completamente positiva, últimamente las películas de acción están más centradas en su aspecto visual, en ser lo más “innovadoras” posibles pero la saga de “John Wick” (2014 – ?) demostró que una buena coreografía a la vieja usanza es lo que se necesita para reanimar la taquilla, en el caso de “Rescate Imposible” la apuesta va sobre las viejas explosiones, disparos y peleas, pero no olvida el aspecto humano que tanto bien le hizo a las películas que recordamos aún el día de hoy, películas de las que obviamente tenemos grabadas las explosiones, pero más aún las figuras de sus protagonistas, en este sentido la mancuerna Liam Hemsworth / Russell Crowe se encargan de aportarle el valor humano a una situación que va más allá de disparos y explosiones.
Aunque no siempre acierta, el director William Eubank (“Amenaza en lo profundo”, “La señal”) intenta aportar ciertos movimientos de cámara y decisiones visuales que le dan cierta propuesta nueva, si bien son más ganas que ingenio, se agradece la intención dentro de un género más que gastado.
El guion de David Frigerio (“Crypto”, “La señal”) no puede zafarse de algunos clichés, pero aporta dos elementos a resaltar (uno de ellos raro en el cine de este tipo), por un lado se remarca el hecho de que la guerra ha cambiado, muchas batallas se libran hoy a distancia y con ayuda de tecnología, sin embargo el factor humano sigue siendo importante, la historia pone en balanza ese ejército de tradición en la que todo se hacía a mano, frente a las nuevas generaciones para los cuales las tecnología han estado para ellos desde siempre, minimizando el riesgo y por lo tanto un poco la seriedad del asunto, la crítica continúa, por otro lado, con la muestra de la burocracia dentro de la institución, la falta de compromiso, la división de salas y departamentos como si cada uno fuera independiente de otro, trata de salvar su imagen con todo el equipo involucrado en el momento en el que una vida está en peligro, pero la crítica ya está hecha. Esto último es una gran diferenciador en las películas del género en el que siempre hay “manzanas podridas” que funcionan como villanos, pero la institución como tal sale impoluta, en el caso de “Rescate Imposible” parece que es al revés, la institución está viciada y son uno que otro elemento los que cargan con la gran responsabilidad de salvaguardad la vida humana en todos los sentidos, viniendo de una producción norteamericana y su gran culto al ejército es sorprendente y hasta refrescante.
Los actores Milo Ventimiglia y Rick Whittle visitaron nuestro país como parte de la promoción de la película y mencionaron algunos elementos que se notan dentro de la película y que me gustaría rescatar, están conscientes de no poder replicar las memorables escenas de acción sin que se sientan copias, así que optaron por ese otro elemento que las distingue de las demás, no tener miedo a que sus personajes muestren cierta vulnerabilidad (y por lo tanto humanidad), no detenerse en la acción por la acción sino dotar de elementos con los cuales podamos empatizar con sus personajes y finalmente el importante mensaje de “no juzgar un libro por su portada”.
LO MALO
Dentro de su propuesta inicial simple, juega con algunas decisiones en el guion que están ahí con el único objetivo de sorprender (de manera muy forzada) al espectador, es cierto que dentro de las propias limitantes del género hay narrativas de las que no se pueden librar, sin embargo no hubo mucho ingenio en su guion como para que resultaran mejor, además que el humor tampoco es bien colocado y salvo algunas ocasiones incluso rompe la tensión y peligro en el que se encuentran los personajes.
Las aportaciones visuales del director y su equipo repiten mención, ya que se aplaude el esfuerzo pero no se salva de que algunas de esas mismas decisiones no aporten absolutamente nada, no solamente a la narrativa sino a la acción, ideas que quizá sonaban bien en papel pero no lucen para nada en pantalla.
Partir la narrativa en dos frentes, en donde cada uno está viviendo su propio drama, hace que la película se sienta un poco más larga de lo que es, más aún cuando el final depende de las convergencias de ambas historias en donde el contraste entre un ambiente y otro no solamente perjudica su ritmo sino que hace imposible que sea creíble su resolución.
VEREDICTO
Es una verdadera fortuna que Hollywood esté intentando rescatar todo lo bueno que se hizo en el pasado, la experimentación y renovación de viejas fórmulas (con todo y sus desaciertos) siempre será benéfico para el espectador de cualquier edad, tanto aquél que la nostalgia hará lo suyo para el disfrute de las referencias y tono, como para el espectador casual que no podrá salir impoluto de una historia con buena manufactura que asegura el disfrute de las palomitas mientras ocurre.
Es cierto que “Rescate Imposible” no es perfecta, pero parece que tampoco lo intenta, es bastante consciente de su objetivo de entretenimiento dentro de un género que carga tremendas lozas encima y que su popularidad ha desgastado gravemente con el paso del tiempo, en este sentido creo que vale mucho la pena que le den una oportunidad a una película en donde (por fin) el héroe no es precisamente el macho invencible que sabemos que saldrá victorioso al final, situación que hace que el peligro sea palpable y que con el agregado de la crítica a la institución así como el humor o drama en voces de personajes medianamente construidos se convierte en una opción que creo dejará contentos incluso a los amantes del género.
Pero como siempre, son ustedes quienes tienen la última palabra, después de una cartelera llena de grandes producciones rumbo a la carrera al Oscar, tal vez tengan ganas de algo más ligero y entretenido (pero con sus toques de violencia) para este fin de semana, por lo que “Rescate Imposible” podría resultar en una buena opción, vayan a verla y nos cuentan cómo les fue.
Cine
QUIERO TU SEXO (I WANT YOUR SEX) | Reseña
Quiero tu sexo nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos, checa nuestra reseña
Una divertida batalla generacional sobre deseo, poder y sexualidad.
Es difícil ncontrar una divertida y bien lograda película o serie que hable sobre temas delicados como el sexo, en todas sus distintas facetas, y es que muchas producciones abordan el tema desde puntos de vista misóginos, burlones y hasta degradantes, creyendo que eso es “comedía” (te estoy viendo a ti Happy Madison con la mayoría de tus películas). Por fortuna con Quiero tu sexo, Gregg Araki nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos dentro del sexo, y nos lo cuenta de una manera bastante particular tomando como premisa las diferencias entre generaciones alrededor del sexo, el deseo, el cambio de roles y las relaciones de poder, todo de una manera amena, bien cuidada e incluso rompiendo estereotipos, haciendo sátira de los estereotipos.
La sexualidad sin tabúes.
La historia sigue a Elliot Bell (Cooper Hoffman), un joven veinteañero inseguro, ingenuo y con poca experiencia sexual que consigue trabajar para Erika Tracy (Olivia Wilde), una reconocida y provocadora artista contemporánea. Lo que comienza como una oportunidad laboral rápidamente se transforma cuando Erika lo convierte en su musa sexual y, eventualmente, en su subordinado dentro de una relación dominada por ella.
Y precisamente aquí está uno de los mayores aciertos de Quiero tu sexo: invertir los roles que tradicionalmente ha presentado el cine dentro de este tipo de historias; en lugar de recurrir al habitual hombre mayor que seduce, controla o introduce a una mujer joven en un mundo sexual desconocido, Araki coloca a una mujer madura, segura de sí misma, exitosa y sexualmente empoderada, frente a un hombre joven que acepta una posición de sumisión.
Siendo esto el motor para hablar de cómo han cambiado las concepciones sobre el sexo entre generaciones: Erika representa una visión mucho más desinhibida y confrontativa, mientras que Elliot pertenece a una generación que observa el sexo, el consentimiento y los límites desde una perspectiva mucho más, digamos cautelosa, tomando en cuenta la hipersensbilidad de las nuevas generaciones en varios aspectos.
La película se mantiene constantemente enfrentando ambas posturas y, en lugar de decidir quién tiene completamente la razón, encuentra humor precisamente en las contradicciones de ambos, pero también en los gustos de ambos por satisfacer sus deseos, siendo algo muy interesante es que logra este humor sin convertir la sumisión masculina en el objeto de la burla. Elliot puede ser ingenuo, torpe y estar constantemente sobrepasado por las situaciones en las que Erika lo introduce, pero la película no necesita ridiculizarlo por disfrutar de una posición tradicionalmente asociada con personajes femeninos, por lo que su vulnerabilidad se convierte en parte del humor, pero también de su desarrollo como personaje.
Actuaciones que te pararán… de tu asiento.
Olivia Wilde se roba prácticamente cada escena como Erika, interpretando a una mujer exagerada, provocadora y consciente del poder que ejerce sobre quienes la rodean, pero sin reducirla a una caricatura. Hoffman, por su parte, encuentra el tono adecuado para un Elliot que constantemente parece preguntarse cómo terminó metido en semejante situación. Y todo esto funciona gracias a la química entre ambos sostiene buena parte de la película, con todo y los momentos subidos de tono.
Poniendo picante en el arte.
El humor es otro de sus grandes aciertos, ya que funciona como una herramienta para hablar de temas incómodos: las diferencias generacionales, el consentimiento, las relaciones de poder, lo políticamente correcto, la inseguridad y la manera en que cada generación entiende el deseo, sabiendo combinar comedia sexual con comentario social y una mirada satírica hacia las actitudes sexuales actuales.
Visualmente la película tiene un toque muy particular, logrando que las escenas subidas de tono y los desnudos logren manejarse de una madura, erótica y cómica.
El punto donde acabó el efecto de la píldora azul (dónde se cae).
Sin embargo, no todo funciona igual de bien, siendo su principal problema el cierre de la cinta que rompe con el tono crudo y realista que busca darnos la cinta, no digo que sea algo exagerado o que sea un final de fantasía, y aunque no arruina la experiencia, sí se siente desconectado de toda la película.
Asimismo varios de los personajes secundarios que parecían tener un mayor peso, simplemente quedan rezagados y poco desarrollados, dejando la sensación de que se les tuvo que recortar tiempo en cámara por cuestiones de tiempo.
Aún así, se pueden dejar pasar ya que la cinta no pretende darnos una lección sobre la sexualidad ni pretende convertirse en el nuevo referente del thriller erótico; sino ser una comedía que utiliza el sexo con una dinámica de poder distinta a la que conocemos, mientras refleja la gran diferencia generacional que ahora existe.
Conclusión.
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
Quiero tu sexo ya se encuentra en las salas de cine de México.
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Quiero tu sexo (I want your sex) | Reseña
Overall
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Dirección
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Actuaciones
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Guion
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Escenas eróticas y desnudos
Quieto tu sexo | Reseña
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
Cine
LINKIN PARK: UNSHATTER | Reseña
Linkin Park: Unshatter nos cuena una de las etapas más delicadas de la agrupación, ya la vimos y te contamos que tal esta en nuestra reseña
El regreso de una banda que se negó a desaparecer.
Linkin Park fue la primera banda favorita de muchísimas personas: su combinación de melodías potentes, guitarras y sonidos estridentes con letras profundamente emocionales consiguió algo que pocas agrupaciones logran, poner en palabras aquello que uno siente. Hablar de frustración, dolor, soledad, enojo o incertidumbre sin esconderlos detrás de metáforas imposibles de entender fue una de las razones por las que millones de personas conectaron con su música desde el inicio. Por eso, tras la muerte de Chester Bennington, la ausencia de Linkin Park no significó simplemente que una banda dejara de tocar; para muchos, significó perder una parte importante de su propia historia.
Linkin Park: Unshatter parte precisamente de ese sentimiento para contar una de las etapas más delicadas y, al mismo tiempo, más importantes en la historia de la agrupación: la decisión de volver a los escenarios después de la muerte de Chester y hacerlo bajo el mismo nombre. Con un tono mucho más personal del cómo algunos integrantes decidieron dar el siguiente paso, mientras otros se integraban sabiendo el peso del nombre de esta banda, este documental es imperdible para todo fan.
La parte más difícil es volver a empezar…
Linkin Park: Unshatter es un documental que nos permite escuchar directamente a los integrantes originales de Linkin Park, así como a Emily Armstrong y al nuevo baterista Colin Brittain, hablar sobre el proceso que los llevó a reconstruir la banda. No se trata únicamente de explicar cómo encontraron una nueva alineación, sino de mostrar las dudas, emociones y conversaciones que existieron detrás de una decisión que inevitablemente iba a estar acompañada por comparaciones con el pasado.
Porque regresar como Linkin Park nunca fue una decisión sencilla.
Una de las ideas más interesantes que atraviesa Unshatter es precisamente el motivo por el que decidieron no comenzar de cero con otro nombre. Mientras trabajaban en nueva música, los propios integrantes comenzaron a darse cuenta de que aquello que estaban componiendo seguía teniendo la esencia de Linkin Park, no estaban intentando fabricar canciones que sonaran como sus trabajos anteriores ni recrear artificialmente una época que ya había terminado; simplemente, al reunirse y crear juntos, la música que surgía seguía perteneciendo a la banda.
Y esa diferencia es fundamental, ya que su regreso tampoco podía hacerse ignorando todo lo ocurrido. La muerte de Chester dejó una herida imposible de borrar y, como muestra el documental, los integrantes eran conscientes de que esta nueva etapa debía abordarse con enorme solemnidad y respeto y aún sabiendo que existía la posibilidad de que parte del público no aceptara la decisión.
Sin embargo, decidieron confiar en algo que siempre había definido a Linkin Park: su música y es ahí es donde la incorporación de Emily Armstrong adquiere un significado especialmente importante. Unshatter deja claro que su propósito nunca fue convertirla en una sustituta de Chester. Intentar reproducir su voz, su personalidad o su manera de interpretar las canciones habría sido, además de imposible, contrario a lo que la propia banda estaba intentando construir.
La nueva voz
Algo que este documental precisó en hacer hincapié fue la decisión de integrar a Emily, porque funciona por ser Emily y se demuestra en los momentos en los que están componiendo el álbum de From Zero, cada canción está siendo construida con Emily participando activamente, no fue solo un “busquemos una vocalista”, fue un “necesitamos una vocalista para trabajar con ella y que cada pista sea orgánica y en ese sentido tiene mucho éxito, ya que como lo explican en el mismo documental, la intención siempre fue ver hacia el futuro y no buscar a alguien que pudiera imitar a Chester para tocar los éxitos pasados y es por eso que prácticamente todos los fans la amamos como nueva vocalista y coincidimos en que fue lo más acertado.
Lo mismo ocurre con Colin Brittain detrás de la batería, su incorporación no busca llenar simplemente el espacio que dejó Rob Bourdon, sino formar parte de una alineación que tiene que encontrar su propia dinámica.
El documental resulta particularmente interesante cuando muestra cómo los nuevos integrantes pasan de ser incorporaciones externas a convertirse en parte de un proceso creativo que, poco a poco, vuelve a sentirse como Linkin Park.
Siendo de los momentos más emotivos el final con el recibimiento de los fans durante el evento en vivo en septiembre del 2024 cuando se presentó a Emily y a Colin como los nuevos integrantes, haciendo que Unshatter funcione historia de un grupo de músicos que tuvo que enfrentarse a una pérdida enorme, preguntarse si todavía tenía algo que decir y descubrir que, pese a todo lo ocurrido, todavía existía música que necesitaba ser creada.
Sin duda este documental es imperdible para los fans de la banda, más al reunir momentos de su concierto en Sao Paulo y dejando temas completos para cantarlos, y aún sino son fans y han cantado alguna de sus canciones, encontrarán una interesante historia en la que descubrirán uno de los resurgimientos de una de las bandas más influyentes del nuevo milenio.
Experiencia SCREEN X.
En México existen 8 salas de cine que cuentan con pantalla SCREENX, la cual integra un par de pantallas secundarias laterales para crear un experiencia inmersiva, siendo que recién se inauguró la octava de estas pantallas en el complejo de Cinépolis, Parque Tepeyac, en la CDMX, justamente con este documental y que sin duda lo eleva muchísimo con un sonido que logra capturarnos de la misma manera en la que lo hace lo que vemos en pantallas, y no se preocupen, porque las pantallas secundarias no son intrusivas, ni tampoco proyectan algo del contenido principal, sino que funcionan como un extra que se acople a nuestra vista periférica.
Conclusión.
Linkin Park: Unshatter es un documental prácticamente imprescindible para cualquier fan de la banda, especialmente para quienes vivieron su música como algo más que simples canciones. Su mayor virtud está en mostrar el lado humano detrás de un regreso que, por las circunstancias, parecía imposible, y explicar por qué sus integrantes decidieron volver como Linkin Park en lugar de comenzar una historia completamente nueva.
Más que intentar convencer al público de que todo sigue igual, Unshatter demuestra exactamente lo contrario: Linkin Park cambió, pero su esencia permanece. Emily Armstrong no está ahí para reemplazar a Chester, sino para ser parte de una nueva etapa que la banda decidió construir con su propia identidad.
Y quizá esa sea la razón por la que tantos fans pudieron abrazar nuevamente a Linkin Park: porque la banda no intentó revivir el pasado, sino demostrar que todavía tenía algo que decir.
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Linkin Park: Unshatter | Reseña
Overall
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Dirección
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Guion
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Música
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Fotografía
Linkin Park: Unshatter
Linkin Park: Unshatter es un documental prácticamente imprescindible para cualquier fan de la banda, especialmente para quienes vivieron su música como algo más que simples canciones. Su mayor virtud está en mostrar el lado humano detrás de un regreso que, por las circunstancias, parecía imposible, y explicar por qué sus integrantes decidieron volver como Linkin Park en lugar de comenzar una historia completamente nueva. Más que intentar convencer al público de que todo sigue igual, Unshatter demuestra exactamente lo contrario: Linkin Park cambió, pero su esencia permanece. Emily Armstrong no está ahí para reemplazar a Chester, sino para ser parte de una nueva etapa que la banda decidió construir con su propia identidad. Y quizá esa sea la razón por la que tantos fans pudieron abrazar nuevamente a Linkin Park: porque la banda no intentó revivir el pasado, sino demostrar que todavía tenía algo que decir.
Cine
La secuela de KPop Demon Hunters llegará a cines
¡KPop Demon Hunters 2 llegará oficialmente a los cines! Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, ha revelado importantes planes
¡KPop Demon Hunters 2 llegará oficialmente a los cines! Ted Sarandos, codirector ejecutivo de Netflix, ha revelado importantes planes de estreno en salas para esta secuela animada en 2029.
Sarandos anunció ayer por la tarde, durante el evento Screentime de Bloomberg, que la secuela de KPop Demon Hunters contará con un gran despliegue en cines —digno de una gran producción cultural de referencia— cuando se estrene en 2029.
Sarandos declaró:
“El año que viene realizaremos un estreno a gran escala para Narnia y, hacia finales de año, haremos lo mismo con Charlie vs. the Chocolate Factory. Creemos que tendrán un gran éxito y, cuando llegue la secuela de KPop Demon Hunters, pueden esperar un estreno en cines muy amplio”.
Estas declaraciones de Sarandos no deberían sorprender demasiado, dado que la película original ya tuvo un lanzamiento especial en cines seleccionados —una versión para cantar las canciones (sing-along)— durante un periodo limitado.
El gran éxito de KPop Demon Hunters
A pesar de haberse estrenado en Netflix con gran repercusión en junio de 2025, dicha versión para cantar en cines alcanzó el puesto número 1 en taquilla a nivel mundial
KPop Demon Hunters, escrita y dirigida conjuntamente por Maggie Kang y Chris Appelhans, narra las emocionantes aventuras de Rumi (Arden Cho), Mira (May Hong) y Zoey (Ji-young Yoo), tres jóvenes ídolos del pop que conforman el grupo Huntr/x.
Pertenecientes a un antiguo linaje de cazadoras de demonios, el trío debe equilibrar sus glamurosas carreras con la peligrosa responsabilidad de combatir amenazas sobrenaturales.
Sus habilidades se verán sometidas a la prueba definitiva cuando su adversario demoníaco más formidable (Lee Byung-hun) orqueste el surgimiento de una banda masculina de K-pop rival, diseñada para absorber las almas de fans desprevenidos.
EJAE, la voz cantante de Rumi, reveló anteriormente que espera que la secuela profundice en “más elementos tradicionales coreanos: historia, música y gastronomía tradicionales”.
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