Cine
“TELÉFONO NEGRO” (2021) | Reseña sin spoilers
Después de un breve paso por el MCU, el director Scott Derrickson regresa al género del terror con muchos toques de nostalgia y tributo. ¿Qué tal está “Teléfono Negro”? Acá te contamos.
En 1931, el alabado director alemán Fritz Lang nos presentó a un asesino de infantes en “M”, la escena inicial (sin mostrar nada gráfico) nos presenta el tétrico destino de una niña cuando vemos su globo volar hacia unos cables de luz.
Durante la década de los setentas se hizo famoso el caso del asesino John Wayne Gacy que ocasionalmente se disfrazaba de payaso.
En 1977 sale la novela “El Resplandor” de Stephen King quien introduce por primera vez el término para referirse al don paranormal que tanto reutiliza en sus libros. En 1986 utiliza la perversión de la infancia e incluso el ícono del payaso para escribir la novela “IT”.
¿A qué viene todo lo anterior? A que en 1972 nace Joe Hill y a los 33 años publica “Fantasmas”, colección dentro de la cual se incluye el cuento “Teléfono Negro” y Scott Derrickson bebe de todas las fuentes anteriores para entregarnos una de las mejores películas de terror que veremos en el año.
¿DE QUÉ TRATA “TELÉFONO NEGRO”?
La película nos sitúa en el año de 1978, en un pueblo anónimo de Denver en donde conocemos a Finney (Mason Thames) un jovencito que atiende la secundaria y que a pesar de ser hábil en el béisbol, es constantemente víctima de bullying en su escuela, en donde también conocemos a su hermana menor Gwen (Madeleine McGraw) y su padre alcohólico (Jeremy Davies).
A este ambiente algo insano se le añade además el terror que vive la comunidad, un secuestrador de niños de los cuales no se sabe nada después, la psique infantil colectiva ya lo ha bautizado como “El Raptor” y es una pesadilla que atemoriza constantemente a los pobladores. El punto de conflicto se viene cuando Finney es atrapado por “El Raptor” quien lo encierra en un sótano casi vacío a excepción de un colchón, un baño y un viejo teléfono negro desconectado, Finney está esperando lo peor al darse cuenta de que huir es imposible, hasta que suena el teléfono y comienza a recibir ayuda de quien menos esperaríamos.
LO BUENO
El director Scott Derrickson regresa al terror y perfecciona el aspecto visual que nos presentó en “Sinister” (2012) combinando la historia con grabaciones tipo casero para hilar la narrativa y mejora también el cuento de Joe Hill (que apenas abarca una treintena de páginas), con ayuda de su colega de siempre C. Robert Cargill para entregarnos una historia más cercana al thriller pero con toques paranormales, siendo el guion una de sus principales bondades en cuanto a la construcción y mantenimiento de la tensión para con la situación en la que coloca al pequeño Finney, así como la añadidura de algunos jump scares que podrán complacer a cierta parte del público, pero que (para alivio de otros) se recarga más en el ambiente tétrico y oscuro que en sustos facilones.
Gracias a la cinematografía de Brett Jutkiewicz (“Scream”, “Stranger Things”) el ambiente setentero es palpable sin que necesariamente luzca avejentada, e insisto en que los momentos de metraje casero apoyan la narrativa constantemente, sobre todo en la presentación del villano y de algunas situaciones de flashback.
La máscara de “El Raptor”, cortesía del legendario Tom Savini tiene todas las posibilidades de unirse a los íconos del género, pero es la actuación de Ethan Hawke la que coloca la cereza del pastel, ya que la voz y ademanes (al estar limitado intermitentemente su personaje por la máscara) logran inyectar de un aspecto amenazante al peligro que azota el poblado.
La música es un buen elemento que se agrega a la mezcla y en general son pocos los aspectos técnicos que muestran alguna falla visible. Finalmente el tributo se hace presente y no serán pocas las veces que ciertos elementos visuales remitan al espectador a otras historias conocidas de la pluma de Stephen King que han sido llevadas a la pantalla grande, lo cual se agradece como guiño a los fanáticos, pero que no se sienten del todo gratuitos dentro de la narrativa, lo cual cohesiona muy bien.
LO MALO
Si bien el guion se toma varias libertades creativas con respecto a lo creado por Joe Hill, es bastante fiel en cuanto a los diálogos de los personajes, sin embargo cabe señalar que ambos mundos no resultan del todo compatibles, por lo que hay momentos que resultan en humor (quizá) involuntario que junto a otros momentos que sí parecen intencionalmente humorísticos rompen constantemente el suspenso, lo que resulta en una distracción intermitente, pero sobre todo en los puntos más bajos de la historia.
Las participaciones de Jeremy Davies y James Ransone me parecen una falla de casting primero y de dirección después y es que el primero requería (desde mi punto de vista) de un aspecto más maduro y agrio, cosa que el eterno look juvenil del actor disminuye sus momentos más dramáticos, por su parte James Ransone tiene un personaje que resulta demasiado locuaz incluso para sus objetivos y que termina siendo también en un alivio cómico que raya en la ridiculez. En ambos casos en perjuicio de una historia que por lo demás tiene actuaciones de buenas a excelentes, pero sobre todo que rompe la construcción del terror.
Finalmente, aunque la película lucha constantemente por evitar el cliché, la adición de diversos caminos narrativos se sienten (apenas) como meros pretextos para que el tiempo transcurra, pero no termina siendo una falla por completo, el director y su equipo se las arreglan para que así sea y yo no lo noté sino hasta leer el cuento de Joe Hill, así que si no ha leído la historia puede olvidar este párrafo.
VEREDICTO
Aunque sería acertado mencionar que “Teléfono Negro” no presenta una historia que no hayamos visto antes (las referencias nos remiten directamente a esas otras historias), también vale la pena señalar que la forma en que se nos cuenta es bastante llamativa, lo que asegura que el espectador esté pegado a la pantalla prácticamente hasta que aparecen los créditos finales. Ethan Hawke logra una presentación más que admirable como villano y a pesar de que la principal queja viene con respecto a su poco desarrollo de personaje, soy de los que piensan (en este caso) que menos es más y las incógnitas a su alrededor aumentan el misterio.
Los amantes del terror son duros de roer, pero no me cabe duda que resultarán complacidos con esta historia que reúne los lugares comunes pero con un toque visual y narrativo que resulta en algo novedoso, que se queda un poco corta para hacerse de un lugar entre las joyas del género, pero vaya que se acercó. La película llega a salas nacionales este 23 de junio y sean o no amantes del terror o lo paranormal, pueden ir con la certeza de que pasarán un rato bastante entretenido.
Para los que llegaron hasta acá tengo una recomendación y es que eviten a toda costa el tráiler, ya que incluye algunas sorpresas que les resultarán más satisfactorias cuando vean la película (advertidos están y recompensados también si es que terminaron de leer esta reseña).
Cine
CÓDIGO: VENGANZA – Reseña
Código: Venganza es justamente una de ellas: una cinta de acción que sabe perfectamente qué quiere ofrecer y apuesta todas sus cartas por Jason Statham
Hay películas que no necesitan reinventar el género para funcionar. Código: Venganza es justamente una de ellas: una cinta de acción que sabe perfectamente qué quiere ofrecer y apuesta todas sus cartas por Jason Statham, golpes contundentes, persecuciones y una historia de venganza bastante directa.
La película sigue a un antiguo miembro de operaciones especiales que ahora intenta llevar una vida tranquila trabajando como guardaespaldas. Sin embargo, esa aparente calma desaparece cuando matan a su jefe y lo tratan de incriminar. Lo que comienza como una investigacion personal para limpiar su nombre, rápidamente se convierte en una batalla por la supervivencia y un rescate inesperado.
Y aquí es donde la película juega su carta más segura: Jason Statham. El actor prácticamente no necesita presentación dentro del cine de acción y, aunque su personaje comparte muchas características con otros papeles que ha interpretado anteriormente, sigue teniendo esa presencia que hace que resulte entretenido verlo enfrentarse a un grupo de enemigos.
Uno de los puntos más evidentes de Código: Venganza es que la historia no busca complicarse demasiado. Tenemos secuestro, crimen organizado, personajes con intereses ocultos y un protagonista dispuesto a atravesar prácticamente cualquier obstáculo para encontrar a la persona que busca culparlo.
Puede que esto no sea precisamente algo novedoso, pero tampoco parece ser la intención de la película. La cinta entiende que su mayor atractivo está en la acción, por lo que la trama funciona principalmente como el vehículo necesario para llevar a Statham de una pelea a otra.
Esto puede jugar a favor o en contra dependiendo de lo que busque el espectador. Si se espera una historia llena de giros y personajes profundamente desarrollados, probablemente habrá cierta decepción. Pero si lo que se quiere es una película de acción para desconectarse durante un par de horas, cumple bastante bien con su propósito.
Sin embargo, esto no necesariamente es algo negativo. Statham tiene una personalidad cinematográfica muy marcada y sabe aprovecharla. Sus escenas de pelea siguen siendo uno de los principales atractivos de la película, especialmente cuando el personaje deja de intentar resolver las cosas por las buenas.
Donde Código: Venganza realmente encuentra su identidad es en sus secuencias de acción.
Las peleas tienen una sensación más física que espectacular. No todo depende de explosiones gigantescas o efectos digitales; buena parte del entretenimiento está en ver a Statham enfrentarse cuerpo a cuerpo contra sus enemigos.
Eso sí, la película tampoco intenta reinventar las coreografías del género. Hay momentos que recuerdan inevitablemente a otras producciones protagonizadas por el actor y a películas recientes de acción donde el protagonista parece prácticamente invencible.
Pero cuando las escenas funcionan, funcionan precisamente porque son directas, violentas y contundentes.
Tampoco todos los personajes secundarios tienen el mismo peso. Algunos parecen estar ahí simplemente para hacer avanzar la historia, mientras que ciertos elementos de la trama podrían haberse desarrollado un poco más.
Y aunque esto no arruina la experiencia, sí provoca que la película se sienta más como una producción diseñada alrededor de Jason Statham que como una historia que realmente necesite contar algo nuevo.
Código: Venganza no pretende ser la película de acción que cambie las reglas del género, y probablemente sea mejor así. Su objetivo es mucho más sencillo: ofrecer una dosis de acción, peleas y Jason Statham repartiendo golpes.
En pocas palabras, si eres fan de Jason Statham, probablemente encontrarás aquí exactamente lo que esperas. Si buscas algo más profundo o innovador, quizá esta no sea la opción indicada.
Calificación: 8.5/10
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COYOTE VS. ACME – Reseña
Por fin llega a los cines Coyote vs. Acme, la película que Acme no quiere que veas. ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña.
Por fin llega a los cines Coyote vs. Acme, la película que Acme no quiere que veas. ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña.
¿Realmente valió la pena rescatarla?
Hay películas que llegan a los cines sin demasiados problemas y hay otras que parecen tener la misma mala suerte que su protagonista. Coyote vs. Acme pertenece definitivamente al segundo grupo.
La película de Warner Bros., protagonizada por Wile E. Coyote, estuvo prácticamente condenada a no ser estrenada después de que el estudio decidiera archivarla cuando ya estaba terminada. Después de varios años de incertidumbre, finalmente encontró una salida y llegó al público. Y resulta bastante curioso que una película sobre un personaje que pasa toda su vida intentando levantarse después de fracasar termine teniendo una historia detrás de cámaras bastante parecida.
Pero dejando todo eso de lado, viene la pregunta importante: ¿realmente valió la pena rescatarla?
La respuesta corta es sí, aunque tampoco estamos frente a una obra maestra.
La historia que viviremos
Coyote vs. Acme parte de una idea que, siendo honestos, parece tan absurda que resulta perfecta para los Looney Tunes. Después de años de que los productos de ACME terminen provocando sus propias desgracias, Wile E. Coyote decide que ya fue suficiente y lleva a la compañía a los tribunales.
Para conseguirlo termina trabajando con Kevin Avery, interpretado por Will Forte, un abogado que tampoco está pasando precisamente por su mejor momento. Del otro lado tenemos a Buddy Crane, interpretado por John Cena, quien representa a ACME y se convierte en el principal obstáculo para que el Coyote consiga justicia.
Y aunque en papel todo esto podría parecer una simple excusa para juntar personajes animados con actores reales, la película consigue desarrollar una historia que funciona bastante bien por sí misma.
Una de las cosas que más me gustaron es que la película no intenta reinventar a Wile E. Coyote. Sigue siendo ese personaje obsesivo, inteligente y al mismo tiempo terriblemente desafortunado que conocemos desde hace décadas. Planea todo con una precisión impresionante, compra los productos más sofisticados de ACME y, de alguna manera, siempre encuentra la forma de terminar golpeándose contra una pared.
La hora de enfretar al sistema
La diferencia es que esta vez se cansó de perder. Después de tantos años viendo al Coyote fracasar, resulta curioso que ahora queramos que gane. Ya no estamos esperando que atrape al Correcaminos; queremos verlo conseguir algo que parece mucho más sencillo: que alguien reconozca que todo lo que le ha ocurrido no es completamente culpa suya.
La película aprovecha bastante bien esa idea y convierte los clásicos accidentes del personaje en parte de su argumento. No son solamente golpes para provocar una carcajada. Son parte de la evidencia. Y después de tantos años, el Coyote probablemente tenga suficiente material para presentar una demanda bastante sólida.
Will Forte termina siendo una pieza fundamental. Su personaje sirve como contraste frente al Coyote. Mientras uno vive en un mundo completamente absurdo, el otro intenta mantener los pies en la tierra y tomarse en serio una situación que, vista desde fuera, resulta completamente ridícula.
La relación entre ambos funciona y, conforme avanza la historia, la película deja de sentirse únicamente como una aventura del Coyote para convertirse también en una historia sobre dos personajes que están intentando reconstruir sus vidas.
Un cumplidor villano
John Cena también cumple bastante bien como antagonista. Su personaje representa el lado corporativo de la historia, pero la película evita convertirlo simplemente en “el malo de turno”, lo que hace que el enfrentamiento tenga un poco más de gracia. Y aunque probablemente Will Forte termina llevándose buena parte de la película, es precisamente la combinación entre los personajes humanos y Wile E. Coyote la que consigue mantenerla entretenida.
Coyote vs. Acme funciona especialmente bien cuando deja de intentar demostrar que es una gran película y simplemente se dedica a ser una película de Looney Tunes.
Las escenas donde Wile E. vuelve a utilizar sus inventos, las situaciones físicas y esos momentos donde sabes perfectamente que algo va a salir mal son probablemente los que más disfrute. También me gustó la manera en que mezclan la animación con la acción real. No se siente como si los personajes animados estuvieran ahí únicamente para generar nostalgia. Forman parte de la historia y el mundo acepta sus reglas, algo que resulta necesario cuando tienes a un Coyote entrando a una sala de juntas o enfrentándose legalmente a una compañía que vende productos diseñados, aparentemente, para destruirlo y sí, hay momentos bastante absurdos. Pero estamos hablando de Wile E. Coyote.
Si empezamos a exigirle lógica a una película donde un personaje puede comprar un cohete ACME para atrapar a un pájaro que corre a velocidades imposibles, probablemente estamos viendo la película equivocada.
Aquí es donde creo que hay que bajar un poco las expectativas. La historia tiene una premisa muy buena, pero tampoco todo lo que ocurre alrededor de ella funciona al mismo nivel, hay momentos donde la película se siente como una comedia familiar bastante convencional y algunas situaciones pueden resultar predecibles. También hay chistes que funcionan mejor que otros y ciertas partes donde se siente que la historia podría haber aprovechado todavía más el concepto de enfrentar al Coyote contra ACME.
La ironía que hace todavía mejor la película
Después de verla, es imposible no pensar en lo que ocurrió fuera de la pantalla.
Warner Bros. decidió archivar la película cuando ya estaba terminada, lo que provocó una fuerte reacción entre quienes habían trabajado en ella y los seguidores de los personajes.
Finalmente, la cinta encontró una nueva oportunidad y consiguió llegar al público.
Y aquí es donde aparece una de esas ironías que parecen escritas por un guionista.
Una película sobre Wile E. Coyote enfrentándose a una corporación casi termina siendo destruida por una corporación. El personaje pasa toda la película intentando demostrar que ACME es responsable de sus desgracias, la película pasó años intentando demostrar que merecía ser vista y al final, ambos consiguieron una segunda oportunidad.
Eso hace que el mensaje de perseverancia de Coyote vs. Acme tenga un sabor diferente. Puede que no haya sido intencional, pero después de conocer su historia resulta imposible no verlo.
Una comedia sencilla, divertida y con bastante corazón. No reinventa a los Looney Tunes, pero tampoco intenta hacerlo. Su mayor triunfo es conseguir que un personaje acostumbrado a perder tenga finalmente una historia donde vale la pena verlo levantarse una vez más.
Calificación: 9/10
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Coyote vs Acme - Review
Overall
-
Desarrollo de guion
Coyote vs Acme - Review
Coyote vs. Acme parte de una idea que, siendo honestos, parece tan absurda que resulta perfecta para los Looney Tunes. Después de años de que los productos de ACME terminen provocando sus propias desgracias, Wile E. Coyote decide que ya fue suficiente y lleva a la compañía a los tribunales.
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Duna: Parte Tres revela un nuevo vistazo
Ya están a la venta las entradas en EU para Duna: Parte tres y se ha publicado un nuevo adelanto de la película que deja claro que será épica
Ya están a la venta las entradas en EU para Duna: Parte tres y se ha publicado un nuevo adelanto de la película que deja claro que será una gran experiencia cinematografica.
La primera oleada de venta de boletos para Duna: Parte Tres incluye proyecciones en IMAX 70mm, IMAX y pantallas de gran formato premium.
Además, Warner Bros. ha compartido un emocionante nuevo vistazo a la épica conclusión de la trilogía Dune de Denis Villeneuve.
Con imágenes tan impresionantes como las que se ven en este anuncio televisivo, es evidente que las pantallas IMAX serán la opción preferida de la mayoría de los espectadores.
Duna: Parte tres se desarrolla casi dos décadas después de que Paul Atreides tomara el control del Imperio.
Convertido ahora en un emperador implacable, Paul debe afrontar las consecuencias de su reinado mientras regresan antiguos aliados, surgen nuevas y aterradoras amenazas y la traición acecha en cada sombra.
El cierre de la historia de Duna
Atormentado por visiones del colapso imperial y la reaparición de su amor perdido hace mucho tiempo, Paul se ve envuelto en una vasta conspiración, con Chani en el centro del misterio que se desarrolla.
Mientras se gesta una rebelión y los enemigos estrechan el cerco, Paul deberá enfrentarse al verdadero precio del poder y al destino de aquellos a quienes más ama.
La película está protagonizada por Timothée Chalamet (nominado al Óscar), Zendaya, Jason Momoa, Florence Pugh (nominada al Óscar), Rebecca Ferguson, Isaach de Bankolé, Charlotte Rampling (nominada al Óscar), Anya Taylor-Joy, Robert Pattinson y Javier Bardem (ganador del Óscar).
Denis Villeneuve dirige a partir de un guion escrito por él mismo y Brian K. Vaughan (este es el primer capítulo de la trilogía que no cuenta con el guion de Jon Spaihts), basado en las novelas de Frank Herbert.
Dune: Parte tres está producida por Mary Parent, Cale Boyter, Villeneuve, Tanya Lapointe y Joe Caracciolo
La épica conclusión de la trilogía llegará a los cines en diciembre.
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