A24 apunta por primera vez al nicho familiar con esta película que nos recuerda un poco a “E.T.” ¿Logra superarla? Entérate de la respuesta en nuestra reseña.

La productora A24 se ha colocado dentro del gusto cinéfilo más exigente, sobre todo por su valentía para darle espacio a talentos nuevos y la particularidad de presentarnos historias que difícilmente veríamos de otra forma, ya sea por sus peculiares temas o la manera en que estos se nos presentan.

Lo más cercano que tuvimos de tener una película “infantil” o de aventuras dentro de la productora fue “The Green Knight” (2021), pero la película de fantasía medieval eligió el camino de la violencia y recibió una clasificación “C” que la eliminó completamente del mercado infantil, es por eso que nos toma de sorpresa la primera producción dirigida al nicho de los pequeños, sobre todo porque siempre se siente como una película de A24, para bien o para mal.

El director Isaiah Saxon se estrena en el largometraje con una historia escrita por el mismo y que nos muestra el cariño que le tiene a la labor artesanal, que ya nos había mostrado en su trabajo como director de videos musicales con “Wanderlust” de Bjork o “Knife” de Grizzly Bear, tomando la valiente decisión de reducir los efectos especiales al mínimo y optando por el trabajo de marionetistas y efectos prácticos para darle vida a la especie que introduce en su historia, además de colocar diversos mensajes positivos a nivel familia y sociedad que sin duda nos remite al trabajo de Spielberg. La comparación resulta casi inevitable, pero en muchos sentidos es perjudicial, sigue leyendo que te cuento todo más adelante sin spoilers.

¿DE QUÉ TRATA “LA LEYENDA DE OCHI”?

La película se sitúa en una lejana isla en medio del Mar Negro, el sitio es perfecto para las leyendas y el atraso tecnológico, no solo por su lejanía sino por su estructura social basada en la cosecha y cría de ganado, un lugar detenido en el tiempo pero además acechado por una criatura salvaje y mortífera llamada: EL OCHI.

Es en este inhóspito territorio en donde conocemos a la pequeña Yuri (Helena Zengel), hija del indomable Maxim (Willem Dafoe) quien tiene una guerra a muerte con estas criaturas y líder también de un escuadrón asesino en contra de los ochis conformado por adolescentes. Una noche de cacería por fin Yuri tiene la edad suficiente para unirse al grupo y conocemos a estos temibles animales con un aspecto simiesco, de grandes y afilados dientes pero también un curioso lenguaje que los pone de aviso sobre la presencia de los humanos que quieren atraparlos, así que huyen pero dejando atrás al más pequeño de la manada.

Los retos de la protagonista

La situación familiar de Yuri es complicada, mantiene una comunicación prácticamente nula con su padre quien solo vive para odiar a estos animales ya que se insinúa que son culpables de que su esposa ya no esté, además de un joven adoptado por Maxim de nombre Petro (Finn Wolfhard), un orgullo para Maxim ya que sigue su ejemplo sin cuestionar.

A lo anterior se añade una tarde en la que Yuri es enviada a revisar las trampas y se encuentra al pequeño ochi que ha caído herido en una de ellas, Yuri toma la decisión de ignorar las advertencias de su padre y más bien ayudar el pequeño a regresar con su familia, para lo cual toma el camino hacia las montañas con la esperanza de regresar al pequeño monstruo con su manada. Este es el arranque y pretexto de un viaje de autoconocimiento, descubrimiento y mucho aprendizaje para todos los involucrados.

LO BUENO

La presencia de la vibra ochentera se hace muy presente (y lo digo como cumplido), no solamente porque el pueblo nos sitúa en dinámicas de otros tiempos, vestimentas y costumbres que ahora parecen tan lejanas (“cuando los niños no se divertían con celulares” para utilizar una frase hoy tan de moda), pero el director va más allá cuando gran parte de sus presencia visual está hecha de manera práctica y manual, el pequeño ochi es un encantador (y complicado) títere que le da una presencia real dentro de la película y la interacción que logra con la joven actriz Helena Zengel es mucho más natural, se nota que el peludo protagonista está pensado en la mercadotecnia y parece que es efectivo con sus grandes ojos y tierna mirada. Un loable intento por regresar a las raíces del cine familiar que no siempre sale bien pero se agradece.

Las actuaciones son todas muy buenas pero sin duda la inocencia de Helena es la que carga la película (junto a su interacción con Ochi), si bien Finn Wolfhard está algo desperdiciado y Willem Dafoe está un poco subido de tono en comparación al resto, el trabajo se equilibra con Emily Watson.

El mensaje de la cinta

Los mensajes que proporciona y teje alrededor de una película que en apariencia es pura diversión son muy interesantes y valiosos, comenzando por la imposibilidad o falta de comunicación, ya no digamos entre humanos y la naturaleza sino entre los propios miembros de una familia, quien actualmente son hasta desconocidos viviendo bajo el mismo techo.

Por otro lado se hace énfasis en nuestra relación con el medio que vivimos y la necesidad de buscar un equilibrio y unión entre nuestro efímero paso por la Tierra y los demás seres que la habitan.

Por último los miedos y supersticiones exagerados por la ignorancia, que nos lleva a tomar decisiones alocadas y hasta rencores que no debieron existir en primer lugar.

De manera técnica y visual “La leyenda de Ochi” es incluso artística en su propuesta, un sello de garantía y hasta de personalidad en cuanto a las obras concebidas dentro del cobijo de A24, no son pocas las ocasiones en las que el gran paisaje por un lado o las escenas más sentimentales e íntimas por otro, serán bastante efectivas en cuanto a su finalidad de enternecer o preocupar al público respecto a lo que está sucediendo.

LO MALO

El tono distintivo de A24 se hace presente también para mal y es que conserva la profundidad de sus historias, además de (en este caso) preferir la forma al fondo, lo cual no tiene nada de malo de manera general, pero es algo extraño si la pensamos como dirigida a un público más pueril, en este sentido se acerca mucho más a los momentos “adultos” en la mencionada película de Spielberg pero sin la maestría y ritmo de entretenimiento de este.

El guion es simple en cuanto a su construcción de aventura del punto A al punto B, es su poca construcción de personajes y entorno lo que termina actuando de manera perjudicial a la película, la decisión de Yuri por ejemplo se nota algo alocada y no hablemos de las razones por las que el padre decide emprender su violenta búsqueda y rescate.

De manera paralela se nos presentan distintas ramas narrativas que no quedan muy claras y es necesario que dejemos a un lado nuestras preguntas alrededor de por qué unos adolescentes salen en la noche a cazar peligrosos animales.

VEREDICTO

“La leyenda de Ochi” es una buena propuesta dentro la experimentación de la casa productora, sin duda el director Isaiah Saxon nos deja con muchas expectativas para su siguiente proyecto, sin embargo su historia es muy simplona en ciertos momentos y demasiado compleja en otros, lo que hace irregular y difícil de recomendar para un mercado u otro, es verdad que (sin generalizar) muchos niños no saldrán muy contentos debido a su ritmo pausado y falta de constantes distracciones, culpa sobre todo del actual bombardeo de estímulos en el que viven.

Es verdad también que muchos adultos y padres que lleven a esos niños serán golpeados por la nostalgia de la hechura a la vieja escuela, es el punto de unión de estos dos mercados lo que se ve difícil, pero ojalá sirva como pretexto para que esos adultos se permitan preguntarle a los pequeños acerca de sus reflexiones sobre la película. Algo difícil cuando en la actualidad ni siquiera los adultos están ya acostumbrados a cuestionarse aquello que acaban de ver, pero ojalá esta película logre el cometido.

La comparación

La comparación de Ochi con “E.T” no se hará esperar, y lamentablemente Isaiah Saxon no tiene la maestría de Spielberg para desarrollar una historia más entretenida y mucho menos la imaginería visual del nacido en Ohio, lo que si creo que vale la pena resaltar es el intento de sembrar de nuevo corazón a una película familiar, cuya intención es regresar a los valores familiares, historias con moraleja disfrazadas de aventura que se han ido perdiendo en la búsqueda de mayores ingresos y entretenimiento fácil.

En este sentido es valioso que mostremos el apoyo a producciones como esta, que se disfrutan mucho más en cine que al esperarlos en cualquier plataforma.

Encuentran “La leyenda de Ochi” a partir de este 24 de abril, vayan a verla teniendo en cuenta todo lo que acá se dijo y sean ustedes mismos los que juzguen si este es el camino alternativo que desean para compartir en familia, no es una película sencilla ni entretenimiento vacío, así que espero que si.

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Una película que busca volver a las caricaturas clásicas de los Looney Tunes, pero adaptada a tiempos modernos.

Los Looney Tunes son de los personajes animados más queridos gracias a sus caricaturas clásicas en las que, con un humor blanco y sencillo entretienen a chicos y grandes; con el tiempo han tenido nuevas adaptaciones tanto en el cine como en la televisión.

Algunas mejores que otras, pero siempre buscando cumplir con los estándares de cada generación, lo cual le ha cobrado factura por todos los temas sociales que actualmente atravesamos, pero pese a ello, todos los fans confirmamos que los clásicos son los mejores.

Ahora, llega a las salas de cine “El Día que la Tierra Explotó“, película animada protagonizada por el Pato Lucas y Porky y que busca ser un homenaje a la época dorada de los Looney Tunes, pero a la vez lograr llegar a nuevas audiencias con un toque moderno de humor para cumplir con todo el público

¿Lo logra? A continuación les cuento.

Pato Lucas y Porky de vuelta a la acción.

“El Día que la Tierra Explotó” nos presenta a Pato Lucas y a Porky en una aventura por salvar a la Tierra de una amenaza alienígena, todo mientras se nos presenta un poco de su pasado, su relación, el contraste de sus personalidades y el amor fraternal que se tienen.

Además de presentarnos a Petunia, una científica que trabaja arduamente por lograr el sabor perfecto para un chicle.

Así, los tres tendrán que encontrar la manera de evitar que la Tierra llegue a su fin mientras atraviesan por una serie de eventos absurdos y divertidos.

Lo bueno.

Lo primero que destaca de la cinta es su animación, dirección y diseño de personajes que nos evoca a las caricaturas clásicas de los 40´s, lo cual está muy bien logrado ya que se trata de animación en 2D hecha a mano.

Aunque claro, haciendo uso de la tecnología actual, así que se sigue notando como una animación actual; lo mejor es el detalle en las referencias y hasta chistes que se hacen haciendo uso solo de la animación (algo que los más veteranos notamos de inmediato).

Además de contar con un soundtrack que mezcla temas clásicos de la serie animada, junto a melodías de música clásica y canciones de licencia, siendo que cada tema de musical se coloca en el momento preciso acorde a la situación.

Es decir, si se hace referencia a los cortos animados clásicos tenemos un tema musical clásico, en tanto que en las escenas de acción oímos algo moderno, es decir que la cinta siempre busca el equilibrio para atender a todo el público. 

El humor también busca ese equilibrio y lo logra en la mayor parte del tiempo y esto es en gran medida al excelente trabajo que se hizo en el doblaje, pero de eso hablaré un poco más adelante.

Y es que los chistes y referencias a las animaciones clásicas están bien situados y sacan más de una sonrisa, inclusive contrastan bien al humor moderno y hasta “guacaloso” que se nos presenta.

Resaltando la relación y desarrollo que hay entre los tres principales personajes: Lucas, Porky y Petunia, ya que la interacción y química entre ellos ayuda a que la película se disfrute y se vaya como agua.

Un doblaje con personalidad

Y como mencioné, lo anterior se logra en gran medida al gran trabajo que hay en su doblaje en español latinoamericano.

Ya que regresan las voces que les han dado vida a una de las parejas más icónicas de la animación: Sebastián Llapur como el Pato Lucas (y quien ha sido su voz desde hace 20 años) y Ernesto Lezama como Porky (quien además regresó del retiro para interpretar una vez más a este personaje.

Uniéndose al elenco Nycolle González como Petunia, con quien se nota una muy buena química tanto con Lucas como con Porky, haciendo que los diálogos y chistes con modismos se sientan orgánicos y con mucha gracia.

Y para dar ese toque extra tenemos a Óscar Flores como El Invasor quien ayuda a elevar a este villano para que la audiencia lo vea como una “adorable amenaza” con muy buen humor.

Como dato curioso, para la versión con doblaje se añadió la voz de un narrador justamente para recordarnos a las caricaturas clásicas que tenían al narrador para traducir los carteles o anuncios que estaban en inglés, así que sí, todo esto tiene el sello de garantía de “Marca Acme”.

Lo malo.

Sin embargo la película sufre del mismo problema que tienen las cintas cómicas que buscan llegar a todas las audiencias y es el tener chistes o diálogos muy bobos que lejos de sacar una sonrisa, generan cierta incomodidad y no de la graciosa, sino del tipo de un tío mayor queriendo ser cool con “la chaviza”.

Sin mencionar que cuenta con un guión que ya conocemos y hasta predecible.

Por fortuna se equilibra bien con el buen humor que se maneja justamente para que se dejen de lado estos momentos y nos enfoquemos más en todo lo bueno que nos ofrece la película, pero no por ello será el público más veterano y quienes buscan algo igual a las animaciones clásicas quienes más duros sean con ésta película.

Conclusión.

El Día que la Tierra Explotó es una película entretenida y divertida con una bien lograda animación en 2D y que es un golpe de nostalgia para quienes disfrutamos de las clásicas caricaturas de los Looney Tunes, pero adaptada a tiempos modernos.

Una combinación que no siempre funciona pero que aquí y gracias a su doblaje se siente muy orgánico para que chicos y grandes la disfruten por igual en sus casi 90 minutos de duración que se van como agua.

Sin embargo en su afán de conseguir dicho equilibrio no deja de tener situaciones y humor simple y hasta bobo que busca lograr la “risa fácil” del público, pero no por ello deja de ser disfrutable, eso sí, creará una división de opiniones sobre todo con los fans más veteranos o de hueso colorado a las ya clásicas animaciones de estos personajes.

El Día que la Tierra Explotó se estrena este 17 de abril en cines gracias a nuestros amigos de Cinépolis Distribution.

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¿Qué harías para devolverle a tu padre las ganas de vivir? Filip Hammar hizo un documental y te contamos qué tal está “El Último Viaje” en nuestra reseña.

En México (y al parecer el mundo) existió una generación, abuelos ya todos, que sufrieron demasiado las consecuencias del retiro, una generación acostumbrada a trabajar, a sentirse útil, cuya razón de vivir no era estar encerrado en casa sino mas bien realizando labores productivas. Esta generación se apagaba lentamente una vez que se veían obligados a estar fuera del campo laboral, su cuerpo se deterioraba rápidamente y perdían las ganas de vivir.

Este documental nos presenta un caso similar, además de los esfuerzos del hijo por tratar de sacar a flote a su padre, documental en el que como padres, hijos, pero en general seres humanos, nos sentiremos identificados en algún momento, ya que a todos nos llegará el momento de atravesar “El último viaje”.

¿DE QUÉ TRATA “EL ÚLTIMO VIAJE”?

Lars Hammar solía ser un alegre profesor de francés en su natal Suecia, enamorado de su profesión, contador de historias y chistes, amoroso padre, leal esposo y amante de la música. Todo eso cambió cuando llegó la edad de retirarse, las promesas de viajar y aprovechar el tiempo libre quedaron atrás y ahora rondando los ochenta años ha perdido las ganas de vivir, no quiere salir y parece que solo está dejando que el tiempo lo arrolle esperando el final.

Lars tiene la fortuna de tener un hijo que se dedica al entretenimiento, un presentador de televisión sueco de nombre Filip Hammar, al que se le ocurre preparar un viaje para devolverle “la chispa” a su padre, recordando que en su infancia no había otro lugar en donde su padre fuera más feliz que en Francia, así que compra un coche igual al que usaba su padre en ese entonces y prepara todo para rememorar aquello que hacía en su juventud y madurez, con la esperanza de que vuelva a sonreír.

LO BUENO DE “EL ÚLTIMO VIAJE”

El corazón del documental está en la honestidad e inocencia de Lars Hammar, cuyo pesimista sentido del humor e historia de vida tiene los momentos más emotivos dentro de toda la historia.

Aunque sin exagerar, se nota que el presupuesto está bien usado para realizar un viaje “familiar” que incluye días en carretera, la compra de un coche, hoteles y algunos otros extras que no mencionaré para que se lleven la sorpresa, en este sentido el presupuesto soporta también una buena hechura que a pesar de ser documental cuidan muy bien ciertos momentos para darle un aspecto visual digno, quizá no precisamente cinematográfico pero que justifica verlo en pantalla grande debido a que explota muy bien los paisajes que retrata.

La historia propone varios momentos emotivos que de nueva cuenta giran siempre alrededor del desempeño y reacciones de Lars Hammar, no me cabe duda que puede llegar a conmover a los más sentimentales, pero sobre todo ojalá logre que el espectador salga con una reflexión antes que con una lágrima.

La edición es efectiva, para lo cual se ayudan de mucho material grabado por la propia familia, así como la voz de un Lars mucho más joven ya que tenía la afición de hacer una especie de diario con el día a día en Francia, horas de grabación y sonido que se acomodan muy bien dentro de los objetivos del documental.

LO MALO DE “EL ÚLTIMO VIAJE”

A pesar de que se nota que el documental es bien intencionado, no dejaba de pasar por mi cabeza el hecho de que esto fuera también el mero pretexto para unas vacaciones pagadas, pero quizá solo sea la envidia la que habla en estos momentos frente a los “problemas” del primer mundo.

Si bien se intenta constantemente, dotar de cierto realismo a la historia y Lars sin duda es lo más real y honesto de todo lo que vemos, hay varios momentos que se sienten demasiado trabajados y artificiosos para forzar la respuesta emotiva del espectador, no es una cámara en mano la que acompaña a este trío sino que se nota un equipo y grabaciones más complicadas de lo que aparenta, lo que le aporta un ambiente plástico y forzado a lo que vemos.

El mensaje es bueno, pero llega hasta los últimos minutos y de manera algo empobrecida, Filip Hammar gasta el 90% de su documental en rememorar y recobrar todo aquello que Lars ya no puede recuperar, una labor exhaustiva sin duda pero inútil para el mensaje que deja al final.

VEREDICTO

“El último viaje” es un documental simple pero efectivo al momento de proponernos una narrativa esperanzadora y ligera, no me cabe duda que en estos tiempos tan caóticos habrá quien necesite cierta alegría al corazón y éste documental cuenta con varios momentos que los dejarán con una sonrisa y (ojalá) una mirada esperanzadora a su presente o futuro.

No necesitamos tener ochenta años para sentir que hemos hecho todo lo que podíamos, o peor aún, que no haremos jamás eso que quisimos, este sencillo documental nos recuerda (muy al final), que la vida es un viaje que todos atravesamos de maneras distintas, que vale la pena atesorar los buenos momentos y aprender de los malos, que no importa que nuestro cuerpo o condición (física, psicológica o monetaria) nos impida repetir aquello que alguna vez nos hizo felices, es nuestro deber mantener la curiosidad viva y el ojo bien abierto ante los retos nuevos y actividades que aún podamos realizar.

Este documental llega a salas mexicanas a partir de este 3 de abril y es una oportunidad para que valoren su situación sea cual sea y pasemos, por qué no, un rato agradable y ligero en compañía de una aventura más del anciano Lars, porque todos los días pueden ser nuestro último viaje, pero hay que estar agradecidos de todos los que quedan en lo que llega nuestra última cita.

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