La cuarta y última parte del arco final inicia de la manera más frenética.

Pocas series de anime han dejado una huella tan importante en la industria como BLEACH; la obra creada por Tite Kubo no solo se convirtió en uno de los máximos exponentes del género shonen durante los años 2000´s, sino que también formó parte del llamado “Big Three” (junto a Naruto y One Piece). Tras años de ausencia y una larga espera por parte de los fans, la adaptación animada del arco final, Thousand-Year Blood War, ha permitido que la historia de Ichigo Kurosaki reciba la conclusión que merecía.

Ahora, con el desenlace cada vez más cerca, llega a las salas de Cinemex,  Bleach: Thousand-Year Blood War – The Calamity, una recopilación especial que reúne los tres primeros episodios de la nueva parte de esta saga final, más una entrevista con las mentes detrás del anime, ofreciendo a los seguidores la oportunidad de disfrutar algunos de los momentos más importantes de la recta final en pantalla grande y sí, vale por completo la pena.

El inicio del fin tan intenso como podíamos esperar.

Es importante señalar que esta proyección no funciona como un resumen de la historia; aunque inicia con una secuencia que muestra el estado actual de la batalla definitiva, la cinta asume que el espectador ha seguido los acontecimientos previos. Por ello, es indispensable haber visto los 40 episodios anteriores (disponibles en Disney+), ya que de lo contrario no solo se encontrarán con importantes spoilers, sino que también resultará difícil comprender el contexto de lo que sucede en pantalla.

En el apartado visual, The Calamity mantiene el alto nivel de calidad que ha caracterizado a Thousand-Year Blood War, la animación cumple y destaca especialmente por los efectos utilizados en las habilidades y ataques de personajes clave como Yhwach y Yoruichi, cuyas escenas lucen espectaculares gracias al trabajo realizado por el estudio y a ligeros detalles que realce el trabajo realizado.

La acción, uno de los elementos más importantes de esta etapa de la serie, está presente prácticamente de principio a fin. Los enfrentamientos continúan elevando las apuestas de la guerra entre Shinigamis y Quincy, ofreciendo secuencias que difícilmente decepcionarán a quienes han seguido este arco desde su inicio y no exagero cuando digo que tenemos algunas de las batallas más intensas hasta ahora y eso que apenas es el inicio de esta cuarta parte.

Su creador y directores nos cuentan un poco de este cierre.

Como contenido adicional, la función incluye una charla especial con Tite Kubo, creador original de Bleach; Tomohisa Taguchi, director principal de la serie; e Hikaru Murata, director de The Calamity. Durante esta conversación, los creativos comparten detalles sobre el proceso de producción, las decisiones tomadas para adaptar el material original y el nivel de dedicación que han invertido para entregar el final que los seguidores de la franquicia han esperado durante años.

Detalles técnicos.

No sé si fui solo yo, pero por momentos sentí la animación un poco plana, con falta de fluidez, no es todo el tiempo pero en algunas escenas pareciera que hay carencia de emociones, pero lo cierto es que eso poco afecta a la experiencia final que es ver estos tres episodios en cine.

Conclusión.

BLEACH: Thousand-Year Blood War – The Calamity es, ante todo, una experiencia pensada para los fans de la serie. Aunque no resulta amigable para nuevos espectadores, quienes han acompañado el recorrido de Ichigo y compañía encontrarán una excelente oportunidad para disfrutar de algunos de los momentos más importantes del desenlace con la escala y el impacto que solo la pantalla grande puede ofrecer. Y sí, si son fans vale por completo la pena verla en el cine.

BLEACH: Thousand-Year Blood War – The Calamity llega a las salas este 25 de junio de la mano de Cinemex Alternativo.

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La última hija de Kryptón alza el vuelo ¿Pero cumple con las expectativas?

Antes de convertirse en la protagonista de su propia película, Supergirl ya había demostrado en los cómics que era mucho más que la prima de Superman o una simple contraparte femenina del Hombre de Acero. A lo largo de los años, Kara Zor-El ha construido una identidad propia, marcada por conflictos y matices que incluso la vuelven un personaje más complejo y humano que el propio Kal-El.

Fue precisamente Supergirl: La Mujer del Mañana la obra que ayudó a redefinir a la heroína para una nueva generación de lectores, convirtiéndose ahora en la principal inspiración para Supergirl, la nueva apuesta cinematográfica de DC Studios; el resultado es una adaptación que nos presenta a una Kara más vulnerable, impulsiva y con la que es fácil de conectar, además de contra con sus bien logradas dosis de acción. Y aunque no está exenta de algunos tropiezos, la película cumple con las expectativas de esta nueva etapa del universo de DC y demuestra por qué Supergirl merece brillar con luz propia en la pantalla grande.

La Mujer del Mañana.

Supergirl nos presenta a una Kara Zor-El (Milly Alcock) cargando con el peso de haber presenciado la destrucción de su hogar y la pérdida de los suyos; por lo que toma su cumpleaños número 23 como el pretexto perfecto para tomarse un break de la Tierra y enfiestarse entre planetas, sobre todo en los que haya un Sol rojo, el cual le quita sus poderes y le permite sentir los efectos del alcohol; lo que la llevará a conocer a la joven Juthye Marye Knoll (Eve Ridley) quien le pide ayuda para encontrar al responsable del asesinato de su familia y quien además es el responsbale de herir degravedad a Krypto. Unidas por un objetivo en común, Supergirl se embarca en una misión espacila contra el tiempo que pondrá a prueba sus ideales, su fuerza y su capacidad para superar las heridas del pasado.

La Kryptoniana más humana.

Si hay algo que hace perfecto Supergirl es el darnos una de las mejores versiones de Kara Zor-El y es que Milly Alcock entendió a la perfección el conflicto de esta heroína quien, a diferencia de su primo, vivió y recuerda el cómo fue perder su planeta hogar y a su familia; ella sigue cargando con la pérdida, el dolor y hasta la culpa de ser la única que sobrevivió a la extinsión de Krypton, lo cual es muy bien representado en la actuación y en la propia película. Aquí no estamos ante un héroe consolidado que representa con lo el ser humano debe o aspira a ser, tenemos a una Supergirl más impulsiva, vulnerable y humana y todo sin perder su carisma.

Gran parte del corazón de la historia también descansa en la relación entre Kara y Ruthye, la química entre ambas actrices resulta natural y genuina, permitiendo que la película encuentre sus mejores momentos cuando se enfoca en el vínculo que desarrollan durante su travesía por la galaxia, (aunque se llega a ver afectada por clichés en su guion y la irregular dirección que se les da a ambas, pero de eso hablaré más adelante). La dinámica entre ambas funciona tan bien que termina convirtiéndose en el verdadero motor emocional de la cinta.

A nivel técnico, la dirección logra mantener un buen ritmo durante la mayor parte del metraje y sabe aprovechar la naturaleza espacial de la historia para construir escenarios visualmente atractivos, además de entregarnos emocionantes e intensas escenas de acción y que son mucho más de las mostradas en los tráilers, demostrando que Kara, aún sin poderes, es de los personajes más fuertes que hay.

La fotografía destaca especialmente por la forma en que retrata distintos mundos y ambientes, aportando una identidad visual que ayuda a diferenciar la película de otras producciones recientes del género, junto a un variado y llamativo conjunto de especies alienígenas que ayudan a construir el universo en este cinta y en pantalla IMAX se ve de lujo. A esto se suma una acertada selección de canciones licenciadas que acompañan varias secuencias importantes y contribuyen a reforzar tanto el tono aventurero como el emocional de la historia.  

Lobo “The Main Man” is in the house.

Otro de los aspectos más interesantes es la adaptación de Lobo, interpretado por Jason Momoa quien pareciera que nació para darle vida a este personaje, no solo por sus rasgos físicos, sino por esa actitud badass; aunque tal vez los más puristas dirán que es una versión “soft” y puede que tengan razón, pero aún así conserva buena parte de la irreverencia, brutalidad y humor que lo han convertido en uno de los favoritos de los lectores de DC. Lo mejor es que su presentación es natural acorde a la propia aventura espacial que tenemos.

 

Un guion plano que debió tomar mucho más notas del material en el que se inspiró.

Sin embargo, la película también presenta algunas debilidades importantes, la principal se encuentra en su guion, que en varios momentos depende excesivamente de conveniencias narrativas para avanzar la historia y esto se vuelve especialmente evidente en el conflicto relacionado con la disminución de los poderes de Supergirl, una situación que se resuelve de forma demasiado sencilla y conveniente. El problema es más notable para quienes conocen el cómic original (Supergirl: The Woman of Tomorrow), ya que la obra de Tom King abordaba este elemento de una manera más orgánica y satisfactoria, integrándolo mejor al desarrollo de la protagonista y a las reglas de su universo.

El otro gran punto débil es su villano Krem (Matthias Schoenaerts) y es que aunque sus acciones lo convierten en una amenaza real y en un antagonista fácil de detestar, la ejecución del personaje deja algunas dudas, sobre todo con su diseño visual cargado de una estética excesivamente oscura y “edgy”, combinado con una interpretación que carece de la presencia necesaria para un enfrentamiento final; provocando que en varios momentos se sienta más como un villano secundario que como el principal enemigo de la historia. 

Y esto no solo queda en temas del villano, por momentos pareciera que las actuaciones de Milly e Eve se sienten forzadas o carentes de la expresividad requeridas, ya sea porque la toma está en un ángulo que desfavorece o por una falla en su dirección.

Conclusión.

A pesar de sus problemas de guion y de algunas decisiones cuestionables en la construcción de Krem como antagonista principal, Supergirl logra salir adelante gracias a la fuerza de su protagonista; Milly Alcock no solo carga con la película sobre sus hombros, sino que entrega una interpretación que captura perfectamente la esencia de una Kara Zor-El marcada por la pérdida, pero que sigue encontrando razones para hacer lo correcto. La cinta quizá no alcanza la profundidad emocional ni la solidez narrativa de Supergirl: Woman of Tomorrow, la obra en la que se inspira, pero sí consigue adaptar con éxito varios de sus elementos más importantes y construir una aventura espacial entretenida, visualmente atractiva y con suficiente personalidad para diferenciarse dentro del género.

Supergirl se estrena este 25 de junio en cines y NO tiene escenas postcréditos.

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Tal y como si fuera una deliciosa combinación de sabores, Beastro nos entrega una divertida experiencia de juego que mezcla distintos géneros.

Siempre se agradece cuando un estudio desarrollador de videojuegos entrega un título que se sale de los moldes tradicionales y es que es bien sabido que dentro de los “indies” hay géneros que predominan y sobresaturan el mercado, por eso es que Beastro logra resaltar, combinando tres estilos de juego en una interesante y encantadora aventura RPG que va más allá de combates por turnos, incluyendo una ligera administración de recursos y de un restaurante, pero sobre todo, la elaboración de platillos que serán la base para superar las batallas a lo largo del juego ¿Vale la pena? Por supuesto, sobre todo porque también está disponible en Xbox Game Pass.

Salvando al mundo un platillo a la vez.

En el pacífico pueblo de Palo Pori, un joven chef llamado Panko lleva una vida tranquila ayudando en el restaurante local, sin embargo, cuando su maestro desaparece y monstruos hambrientos comienzan a amenazar las tierras más allá de las murallas del pueblo, Panko debe hacerse cargo del negocio y alimentar a los Guardianes, héroes encargados de defender el mundo, para lo cual contará con la ayuda de Famblé, el Espíritu encargado de salvaguardar este mundo, pero que ha quedado herido tratando de detener las hordas de monstruos y con su fuego, Panko puede preparar platillos con otorgan poderes mágicos y determinan la fuerza con la que los héroes enfrentarán la invasión.   

Una interesante combinación de géneros/sabores.

Algo interesante de Beastro es que Panko no es el tradicional héroe que combate a los monstruos directamente, sino el encargado de preparar los platillos que ayudarán a los Guardianes para salvar el mundo, pero ojo, eso no significa que nosotros no tomemos el control en los combates, pero vamos por partes, ya que el juego cuenta con tres tipos de jugabilidad que se dividen puntualmente en cada momento del día:

• Mañana – Recolección de recursos.
• Tarde – Administración del restaurante: con minijuegos para la preparación de platillos, pero más importante, el crear el platillo para el Guardián que librará posteriormente los combates, siendo ese plato esencial puesto que cada ingrediente representa cada uno de los ataques.
• Noche – Combate: aquí el Guardián que hayamos elegido librará combates tipo RPG por turnos, pero los ataques dependerán tanto de las propias habilidades y elemento del Guardián, como del platillo que le preparamos anteriormente.

Beastro es de esos juegos que te atrapan sin necesidad de explicarte demasiado, porque desde el inicio te deja claro que aquí la cocina no es solo un oficio, sino el corazón mismo de todo lo que ocurre. Lo interesante es cómo convierte algo tan cotidiano como los sabores en un sistema estratégico: Dulce; Salado; Ácido; Picante; Amargo; y Umami; los cuales no son solo etiquetas: funcionan como afinidades que determinan el tipo de efectos que tendrá cada comida y en base a ello cada receta bien pensada puede traducirse en un personaje más resistente, más agresivo o con habilidades completamente distintas dependiendo de cómo hayas equilibrado esos sabores. 

No es solo cocinar por cocinar; es pensar qué tipo de aventura estás preparando desde la cocina.

Ese mismo concepto se expande al sistema de combate, que no ocurre de forma directa, sino a través de cartas tipo RPG por turnos, y es que el platillo preparado se transforma en un mazo de habilidades que los Guardianes llevan consigo, independientemente de la propia afinidad de cada uno de ellos; lo que hace que este sistema funcione es la sensación constante de planificación. Cada día en el juego no es solo repetir tareas, sino ajustar estrategias, probar combinaciones de sabores y construir pequeñas sinergias que luego se reflejan en el rendimiento del equipo.

Beastro se siente como un juego que mezcla gestión, cocina y estrategia sin romper la calma de su tono “cozy”, no busca estresarte con combates directos o decisiones rápidas, sino hacerte pensar en cómo lo que preparas en la cocina puede convertirse en poder, progreso y supervivencia, aunque eso no significa que sean sencillos los combates, ya que una errónea planificación se traduce en no lograr completar la expedición del día, haciendo que se sienta como en la vida real, un día desperdiciado.

A nivel técnico.

Gracias a la propia dirección de arte de Beastro, el juego se sale con la suya para controlar su mundo 3D sin problemas de rendimiento y visualmente atractivo, sabiendo aprovechar su estilo en 2D para los combates tipo “Teatro Guiñol”, haciendo que nunca tuviera problemas en aspectos gráficos o de rendimiento en su versión para PS5.

Ingenioso, pero puede empalagar.

El problema con el juego es que después de unas horas y justo en la recta final del juego, la rutina del gameplay se vuelve repetitiva y hasta tediosa, haciendo querer que avancemos directo a la historia, en lugar de querer seguir explorando los distintos caminos que nos ofrece cada expedición, sobre todo cuando ya encontramos un Guardián y una receta con la que nos sentimos cómodos para avanzar en el juego. Además de que por momentos su soundtrack se siente genérico y casi inexistente.

Conclusión.

Beastro es una propuesta fresca dentro del panorama indie por parte de Timberline Studio quienes demuestran cómo la mezcla de géneros puede dar lugar a experiencias realmente memorables cuando se ejecuta con identidad propia. Su combinación de gestión, cocina estratégica y combate por turnos basado en cartas no solo resulta original, sino que también refuerza su idea central: en este mundo, el poder no se empuña, se cocina. A pesar de que su loop jugable puede volverse repetitivo conforme avanzan las horas, el encanto de su presentación, la creatividad de su sistema de sabores y la forma en la que todo se conecta alrededor de la preparación de los platillos logran sostener la experiencia durante buena parte de la aventura. Es un título que brilla más por su concepto que por su profundidad a largo plazo, pero que aun así deja una impresión difícil de ignorar.

Beastro ya está disponible en PlayStation 5, Xbox Series X y S, Xbox Game Pass y PC y su precio ronda en los $20.00 dólares.

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