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Cine

“LICORICE PIZZA” | Reseña

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4 años ago

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La Academia celebró el regreso del director P.T. Anderson con tres nominaciones al Oscar ¿Tiene lo suficiente para llevarse alguno? Acá te contamos.

Congeniar con las películas es todo, sentirse identificado con lo que sucede en pantalla es media batalla ganada en cualquier historia que desee algún éxito comercial, puede ser el personaje, puede ser la situación, puede ser incluso algún sentimiento universal con el cual el público pueda relacionarse y conectar con la historia. Por otro lado, están las películas que son tan personales en la vida de su director que las referencias y sentimientos aludidos nos evaden, el director Paul Thomas Anderson elige este camino para su más reciente obra: LICORICE PIZZA. Película en la que ha recreado el Valle de San Fernando (Los Ángeles, California) en 1973, como único lazo al cual unirnos pone enfrente un amor juvenil y el intento de rememorar la sensación del primer amor.

Tocaré rápidamente los dos temas más controversiales para no dejarlos fuera aunque (al menos para mí) son (cinematográficamente hablando) completamente irrelevantes para ser considerados en el cuerpo posterior de la reseña. El primer reclamo en redes sociales sobre LICORICE PIZZA es respecto a la diferencia de edad de los protagonistas (en la historia al menos), pues se dice que ella cuenta con 25 y él con 15 años de edad, los reclamos y posturas saltaron de inmediato. El segundo punto controversial es la ofensiva representación de la comunidad asiática en dos escenas que no solo están sobradas sino que son completamente inesperadas conforme al tono inicial de la película. Dicho lo anterior, dependerá del espectador si estos temas merecen o no abrir la conversación una vez que vea la película.

¿DE QUÉ TRATA LICORICE PIZZA?

Gary (Cooper Hoffman) es un joven quinceañero que sabe muy bien lo que quiere gracias a sus experiencias como niño actor, lo que le ha dado la confianza para emprender sus propios negocios, es esta misma confianza lo que lo impulsa a invitar a salir a Alana (Alana Haim) quien a pesar de llevarle diez años no está muy segura de lo que desea conseguir en la vida y se ve a sí misma realizando el mismo trabajo de asistente de fotografía escolar en los años venideros. Es la fortuita necesidad de una cuidadora mayor de edad en los viajes de trabajo de Gary, el pretexto perfecto para que sus caminos se unan y comience esta historia de encuentros y desencuentros juveniles bajo la nostalgia de un tiempo y lugar que ya no van a regresar.

Es también la extraña relación entre estos jóvenes el pretexto del director para evocar algunos recuerdos (ajenos) del lugar donde vivió, algunas de las condiciones sociales y políticas, así como el ambiente de los últimos rastros de la era dorada de Hollywood.

LO BUENO

La manufactura técnica es una gozada en todo momento, la fotografía que evoca el aspecto avejentado, la gran selección musical para acompañar prácticamente toda la película con puro hit de la época, el diseño de producción y vestuario que reproduce el ambiente setentero, un manejo de cámara que se da el lujo de no fallar en el plano secuencia (sello de la casa), un reparto cumplidor liderado por actores que se presentan por primera vez ante una cámara en una larga producción, a los que se les añaden nombres del calibre de Sean Penn, Tom Waits o Bradley Cooper.

De manera completamente intencional no puse cada uno de sus méritos en párrafos independientes (que podría haberlo hecho porque su calidad da para eso), porque, para bien o para mal, es lo menos que podríamos esperar del director y con esto no quiero minimizarlo, pero es que estoy completamente consciente de que muchos hablaran de sus bondades, por acá tenemos el atrevimiento de señalar sus (posibles) faltas.

LO MALO

¿Qué es lo primero que salta a la mente con películas personales como “Roma” (2018)? Si como público estamos dentro o no, de una narrativa tan específica. Y es entonces donde viene el elemento que más opiniones va a dividir esta película: el guion.

La base sobre la que se fundamenta toda la narrativa es el precoz enamoramiento entre un joven de 15 años y una mujer de 25, quizá en este punto varios y varias se podrán identificar, tal vez no con la situación específica, pero sí la del “primer amor”, pero qué tanto puede durar esta relación entre el público y personaje cuando Gary es un niño actor que gana más dinero del que posiblemente ganó cualquier persona “normal” a esa edad, cuando Gary es capaz de poner tres negocios en los que involucra a todos sus amigos y hasta su madre trabaja para él.

Y la brecha se hace cada vez más grande porque ¿Cuántos de nosotros estuvimos en la década de los setentas? ¿Cuántos serán capaces de reconocer las múltiples referencias? El logo de la productora, el aspecto de los créditos iniciales, la aportación cultural a Los ángeles (y a la película) del padre de Leonardo Di Caprio, todas las referencias de cultura pop en el plano secuencia, que les resuenen los nombres de Jon Peters o Barbra Streisand, los diálogos de “Breezy” (1973) o el reparto de “Los puentes de Toko-Ri” (1954).

Pero ahí no acaba todo, el enamoramiento juvenil (que podría sostener todas esas extravagancias del director lanzadas quizá para sí mismo, sus amigos y los que conecten con las referencias) se van tornando en momentos episódicos que parecen que solo extienden el argumento para tratar de justificar la verdadera intención del director que es rememorar esa época y este tipo de cine, no que esté mal o no se agradezca (dentro de toda la marea de cine de fórmula), pero estoy seguro que muchos de los espectadores se sentirán ignorados y desplazados en el viaje que plantea.

VEREDICTO

Que no les sorprenda la cantidad de reseñas que alabarán casi al grado de obra maestra este extraño “Coming of age”, y es que como dije al principio, LICORICE PIZZA tiene los elementos para estar a la altura, el punto decisivo no está (lamentablemente) de parte del gran producto cinematográfico que tenemos enfrente, sino de la recepción del público, no es prejuicioso o discriminatorio pensar que todos los críticos que saldrán enamorados de esta película tendrán también el conocimiento para disfrutar tanto como el director, todos los demás nos tenemos que conformar, primero, con disfrutar su (no muy bien colocado) sentido del humor, no los voy a engañar, muchos se rieron en la sala cuando tuve oportunidad de verla, yo asomé una o dos veces una sonrisa y después, con una relación de personajes interesantes pero no muy buena química entre ellos.

Insisto en que la calidad de Paul Thomas Anderson detrás de la cámara está intacta, es su historia la que no es una apuesta segura para la conquista del público masivo (y se nota además que no le interesa mucho), en ese sentido no me queda más que apoyar en misma medida tanto aquéllos que piensen que es una maravilla, como aquéllos que saldrán de la sala pensando que es una basura aburrida y pretenciosa y es que (desde mi punto de vista) realmente es ambas, en cierta medida.

Me parece que lo verdaderamente valioso de LICORICE PIZZA sería resaltar que pocas veces aparecen películas capaces de evocar ambas características, por el momento es una parada obligada para cualquier fanático del director y amante del cine, ya será su propia experiencia la que haga que tome un lado o el otro, solo el tiempo revelará qué lado tiene la razón. Por lo pronto (y tramposamente) acudo a poner en la balanza el resto de las películas que le he visto al director para decidirme por una calificación y cierro con mi predicción de que este controversial guion se llevará la codiciada estatuilla el próximo 27 de marzo, más que nada porque a Hollywood le encanta vanagloriarse en su propia nostalgia.

LICORICE PIZZA llega a salas nacionales este 24 de febrero y como siempre la última palabra la tienen ustedes.

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El Sonido de la Muerte | Reseña sin spoilers

El Sonido de la Muerte es na entretenida cinta que pese a algunos altibajos, es una interesante propuesta te contamos que puedes esperar

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4 horas ago

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5 febrero, 2026

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Una entretenida cinta que pese a algunos altibajos, es una interesante propuesta.

Lo hemos dicho varias veces, el terror es un género rentable dentro del cine, pero no por ello se le puede entregar cualquier cosa al público, por eso aunque sea para generar interés es necesario presentar algo nuevo o hacer algo muy bueno con algo conocido y con El Sonido de la Muerte estamos justamente entre estos dos conceptos, una idea nueva pero a la vez familiar, con una historia conocida pero interesante para darnos algunos jump scares y entretenernos, entonces ¿Vale la pena? A continuación les contamos.

Por algo es que no debemos curiosear con cosas y entidades que desconocemos.

El Sonido de la Muerte o Whistle, nos presenta a Chrys Willet (Dafne Keen) quien, tras una pérdida, se muda a un pequeño pueblo con su primo Rel (Sky Yang), lugar en el que tratará de adaptarse y hasta encontrar el amor con una nueva amiga Ellie Gains (Sophie Nélisse), pero cualquier intento por rehacer su vida se verá amenazado después de encontrar lo que parece ser un silbato prehispánico que como el nombre lo indica, provoca un sonido que avecina a la Muerte.

Lo bueno.

Lo atractivo de la película es su premisa y es que resulta interesante el resolver e ir desenvolviendo el misterio detrás de las muertes que van sucediendo después de que la protagonista y compañía encuentra el antiguo silbato, (lo cual es revelado más pronto de lo que me hubiera gustado), pero aún después de descubrirse el misterio, sigue siendo interesante el ver como se desenvuelve la historia y cómo va “capturando” esta entidad/fuerza de la naturaleza a quienes se atrevieron a jugar con fuego.

Asimismo su narrativa está hecha para entrar casi de lleno con el terror, buscando sorprender a las audiencias con las muertes (que llegan a ser muy gráficas y gore, pero nada vomitivo) y el impacto gráfico detrás de ellas y lo logra bastante bien. Siendo en su mayoría efectos prácticos que ayudan a lograr ese golpe terror.

Ciertamente llega un punto en que se vuelve predecible, sobre todo llegando a su parte final, pero no por eso deja de ser entretenida y se siente como esa clásica película palomera de terror para disfrutar en fin de semana.

Lo malo.

La cinta tiene todos los elementos de una cinta de terror ligera, es decir, un guion predecible, actuaciones que no destacan, pero que ofrecen el míno de lo que esperaríamos ver con actores profesionales, una narrativa inconsistente, etcétera y todo para entra de lleno al gore, es algo malo, no realmente cuando se busca algo para desconectarse.

Aún así no deja de sentirse como un proyecto que pudo ser mejor y que en general solo se hizo el mínimo para ser un producto entretenido, pasable para ver en el cine.

Conclusión.

El Sonido de la Muerte es una película de terror ligera que no pretende dar más de lo que ofrece, con una historia que parte de una premisa original, pero a la vez familiar y con todos los elementos de una cinta de este estilo y que se vuelve interesante de inicio a fin. Buenos efectos prácticos, escenas brutales (sin caer en lo vomitivo) y una narrativa rápida, hacen de esta cinta ideal para desconectarse un rato y ver algo ligero y entretenido, aún cuando guarda todos los clichés de los slashers y su guion se vuelve predecible.

El Sonido de la Muerte ya se estrenó en los cines de México.

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El Sonido de la Muerte | Reseña sin spoilers
  • Historia
  • Guion
  • Actuaciones
  • Efectos
3.5

El Sonido de la Muerte

El Sonido de la Muerte es una película de terror ligera que no pretende dar más de lo que ofrece, con una historia que parte de una premisa original, pero a la vez familiar y con todos los elementos de una cinta de este estilo y que se vuelve interesante de inicio a fin. Buenos efectos prácticos, escenas brutales (sin caer en lo vomitivo) y una narrativa rápida, hacen de esta cinta ideal para desconectarse un rato y ver algo ligero y entretenido, aún cuando guarda todos los clichés de los slashers y su guion se vuelve predecible.

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Cine

Michael: El Rey del Pop revive en una superproducción

Michael Jackson sigue siendo una de las figuras más complejas de la historia del entretenimiento mundial cuyo genio musical i es incomparable

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1 día ago

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4 febrero, 2026

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Michael

Michael Jackson sigue siendo una de las figuras más complejas de la historia del entretenimiento mundial, un artista cuyo genio musical incomparable a menudo se vio eclipsado por su excéntrica vida personal y sus preocupantes problemas legales.

Esta dicotomía es el eje central de la esperadísima película biográfica Michael, cuyo desarrollo ha experimentado un ciclo turbulento, marcado por múltiples retrasos significativos.

Ahora que la producción finalmente está lista para su estreno en cines a finales de este año, el proyecto se posiciona como un intento definitivo de reconciliar las monumentales contribuciones culturales del artista con los capítulos más oscuros de su carrera.

El último tráiler de Michael ofrece al público la mejor perspectiva hasta la fecha sobre la magnitud de la producción, destacando especialmente la transformadora actuación de Jaafar Jackson (Michael Jackson) en su debut cinematográfico.

Al elegir al sobrino del difunto ícono, Michael logra un sorprendente nivel de verosimilitud física y vocal, ya que el metraje muestra la meticulosa recreación de legendarias presentaciones en vivo, entrevistas íntimas y las elaboradas producciones de videos musicales que catapultaron al artista al estrellato mundial.

Lo que nos deja el tráiler de la cinta de Michael Jackson

El tráiler de Michael sugiere que Lionsgate y Universal Pictures no escatimaron en gastos para capturar la energía cinética del ascenso de Jackson a la fama, ofreciendo secuencias impresionantes que reflejan la precisión técnica de las presentaciones originales.

Sin embargo, incluso con este nuevo y elegante avance, el marketing se mantiene estratégicamente cauteloso respecto a cómo la narrativa pretende abordar el período más polarizador de la vida del Rey del Pop.

La decisión de abordar la vida de Michael Jackson requiere una confrontación directa con un legado que quedó permanentemente empañado por una serie de procesos legales de alto perfil a lo largo de la década de 1990.

El director Antoine Fuqua, sin duda, no es ajeno a explorar la vida interior de personajes complejos y a operar en entornos moralmente ambiguos, habiendo dirigido previamente dramas aclamados como Training Day y The Equalizer.

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Cine

Precuela de Rambo ya se encuentra en producción

John Rambo, protagonizada por Noah Centineo, ya ha comenzado su producción en Tailandia, y tenemos un primer vistazo

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2 días ago

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3 febrero, 2026

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Rambo

John Rambo, protagonizada por Noah Centineo como el héroe de guerra titular, ya ha comenzado su producción en Tailandia, y tenemos un primer vistazo a la precuela de acción a través de un póster.

Recientemente nos enteramos de que Millennium Media está desarrollando una precuela de Rambo con Noah Centineo (Black Adam, The Recruit, Street Fighter) como una versión más joven del legendario héroe de acción.

El proyecto ya ha comenzado oficialmente su producción en Bangkok, Tailandia.

El director de Sisu, Jalmari Helander, dirigirá la película a partir de un guión del dúo de guionistas Rory Haines y Sohrab Noshirvani.

Los productores son Kevin King-Templeton, en representación de Templeton Media, Les Weldon, Jonathan Yunger y Avi Lerner. Los productores ejecutivos incluyen a Trevor Short y Dallas Sonnier y Amanda Presmyk, de Bonfire Legends.

El reto de la precuela de Rambo

“Cuando tenía 11 años, vi First Blood por primera vez y me cambió la vida”,

declaró Helander en un comunicado. Para mí, Rambo no fue solo una película; me acompañó durante mi infancia y fue una influencia decisiva en mi deseo de ser cineasta. Al comenzar la producción sobre el origen de John Rambo, volvemos al principio.

Este es Rambo al desnudo, crudo y real: una historia de supervivencia sobre la resistencia, la persistencia y la pérdida de la inocencia.

Es un honor dar forma a este nuevo capítulo con profundo respeto por el personaje y su legado, y acercar al público el inicio de la aventura de John Rambo.

Erin Westerman, presidenta de Lionsgate Motion Picture Group, añadió:

«Estamos encantados de comenzar la producción de ‘John Rambo’, que permitirá tanto al público nuevo como a los fans actuales explorar las raíces de John Rambo, sus principios y, lo más importante, acción increíble, gracias a la singular visión de Jalmari. Y estamos muy emocionados por la actuación comprometida y poderosa de Noah, que mostrará lo que convirtió a este personaje en leyenda».

La película original, First Blood, narra la historia de un veterano de Vietnam atormentado (Sylvester Stallone), quien es perseguido por un sheriff corrupto al llegar a un pequeño pueblo para visitar a un viejo amigo.

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