Reseñas
Assassin´s Creed Shadows | Reseña sin spoilers
Se lanza Assassin´s Creed Shadows, título que tiene mucho peso por ser el esperado juego de Assassin´s que se desarrolla en Japón
¿Resurge desde las sombras o se queda hundido ahí? Les contamos.
La saga de Assassin´s Creed ha sido un punto de quiebre dentro de la industria de los videojuegos, para bien y para mal, ya que si bien sus primeras entregas que parecían una revolución en los juegos de mundo abierto, la franquicia fue sobreexplotada y pasó de darnos innovación a solo ofrecer más de lo mismo con una fórmula ya estudiada.
Ahora se lanza Assassin´s Creed Shadows, título que tiene mucho peso sobre sus hombros al ser el tan esperado juego de Assassin´s que por fin se desarrolla en Japón (en forma) y que además debe cargar con la controversia por algunas decisiones en el desarrollo del juego y claro, la mala fama de ser una franquicia repetitiva, entonces
¿Esta a la altura de lo que los fans esperan? o ¿Llevará en el nombre la penitencia y esta saga quedará olvidada en las sombras? A continuación, les cuento.
La tan esperada aventura en Japón.
Assassin´s Creed Shadows toma lugar durante el Japón feudal en 1579 en donde podremos controlar a dos personajes: Naoe Fujibayashi, una shinobi que se involucra en la eterna misión de los Asesinos mientras busca retribución; y Yasuke, un samurai africano que se ganó el favor de Oda Nobunaga al ver en él un espíritu guerrero.
Ambos personajes se juegan y se sienten muy distintos, tanto en combate como en movimientos, siendo Naoe quien tiene un estilo de juego más clásico a la saga y equilibrando el combate sigiloso con la acción.
En tanto Yasuke es meramente combate cuerpo a cuerpo, un estilo de juego más acorde a los títulos modernos de la franquicia (vimos lo que hiciste ahí Ubisoft).
Lo bueno.
A diferencia de entregas pasadas en las que se nos prometió que “se regresaría a las raíces”, Assassin´s Creed Shadows sí se siente como el regreso a los primeros juegos de la franquicia con mecánicas modernas, sobre todo cuando jugamos con Naoe.
Esto al centrar su jugabilidad en el sigilo y dejar los encuentros cuerpo a cuerpo como última opción y esto se siente muy orgánico gracias a las características de Naoe y al entorno, puesto que hay misiones en las que debemos adentrarnos en un castillo al tope de seguridad y hacerlo de frente nos garantiza perder el nivel, claro, se puede, pero costará mucho trabajo y aceptémoslo, vamos a jugar un “Assassin´s” por el sigilo.
Otro acierto es que Ubisoft ha simplificado las mecánicas de sigilo y combate para darnos un gameplay sencillo, pero variado y dándole al jugador opciones para que sea él quien decida la manera de completar con su objetivo; en las misiones de sigilo tendremos a nuestra disposición un gancho con cuerda que facilita el acceso a los tejados o a cruzar ciertos espacios desde las alturas y aunque no pareciera mucho.
Esta herramienta ayuda a darle variedad al juego y hasta reducir el nivel de frustración en los momentos en los que nos sentimos atorados.
Además tendremos varias opciones para pasar inadvertidos como las sombras o la hierba, como en todos los demás juegos, pero aquí gracias al buen diseño de mapas o niveles, estos elementos a hacen sentir al jugador como un verdadero shinobi que es uno con las sombras y no como en algunas entregas anteriores que o se sentían puestos de manera forzada o no servían de nada.
El combate cuerpo a cuerpo también está simplificado, pero no por ello deja de ser divertido, esto al estar reducido a ataque y defensa; en la ofensiva tenemos dos ataques: sencillo y fuerte, los cuales al cargarse pueden romper las guardias de los oponentes; y la defensa se prioriza el desvío/bloqueo de los ataques para realizar contraataques y el esquivar los movimientos de los rivales que son imbloqueables; pareciera poca cosa, pero en la práctica y gracias a la variedad de oponentes en una misma batalla hace que los combates se sientan fluidos y emocionantes.
Cabe señalar que si bien con ambos personajes tenemos las mismas opciones de controles y movimientos, ambos se sienten muy diferentes, Naoe es más ágil fácil de controlar al momento de realizar infiltraciones, pero en combate resiste menos ataques; en tanto que Yasuke es ideal para los encuentros de frente al tener mayor fuerza y resistencia; pero al final es el jugador quien tiene la libertad de elegir como jugar con cada personaje.
Asimismo el juego nos ofrece una variedad de atuendos/armaduras, armas y accesorios con distintos niveles y estadísticas, cuyo diseño podemos cambiar acorde al que más nos guste, algo que quizá parezca poco pero que se agradece ya que le añade un extra para sentir la experiencia de cada jugador única y más cuando vamos adquiriendo nuevas habilidades como el poder acabar con enemigos a través de las paredes o el uso de nuevas herramientas.
Muchas opciones de juego.
El título ofrece variedad para no solo enfocarnos a la acción o al sigilo, ya que nos da opciones para darnos un respiro, ya sea haciendo administrando recursos o la construcción y mejoramiento de nuestra guarida, algo que ayuda cuando nos empezamos a sentir abrumados con la gran cantidad de misiones principales y secundarias que hay y que ojo, no son obligatorias de hacer (en su mayoría).
¿La mejor representación del Japón feudal en Assassin´s Creed Shadow ?
Tal vez la mejor parte o la más impresionante del juego es su mundo abierto, no solo se ve y se siente como un Japón feudal, sino que luce espectacular, y podrán decirme que otros juegos ya lo han hecho y sí, pero no por ello le quita mérito al gran trabajo hecho por Ubisoft para representar a Japón a finales de los 1500´s; los paisajes, los follajes de la vegetación (las cuales van cambiando conforme pasan la Estaciones del año), las estructuras de los castillos y aldeas, los pueblos, todo está muy bien logrado, puedes pasar horas solo yendo a caballo apreciando el entorno y sentirte dentro de algún documental, película o anime en donde Japón sea el escenario de la aventura.
La interacción con el entorno ayuda a que se sienta como el mundo abierto más vivo de la franquicia y es que parece ser que por fin “Ubi” aprendió que no basta con darnos paisajes bonitos, sino que el jugador debe poder interactuar con éste de una manera orgánica para no aburrirse en su exploración y compensar esa curiosidad, así que el juego invita y recompensa si se busca explorar su mundo.
De igual manera a nivel técnico es el Assassin´s Creed más impresionante que hemos tenido, tanto gráficamente como en mezcla de sonido; respecto a su música me encantó que las escenas de acción de Naoe pongan canciones tipo rock japonés y con Yasuke el estilo de la música cambie a un tipo hiphop japonés.
Y en PS5 hace uso del DualSense para hacernos “sentir” la lluvia o los distintos tipos de terreno, un detalle que se agradece.
Lo malo.
Lamentablemente este título sufre de casi los mismos errores que la franquicia lleva acarreando desde sus juegos clásicos hasta sus juegos modernos, que si bien en un principio el juego logra disfrazar con el encanto de su mundo y personajes, y que de hecho se logran ver desde los primeros momentos, tras ya pasadas varias horas de juego quedan más que evidenciados estos errores.
Uno de los principales errores son sus misiones repetitivas y no hablo de las secundarias o las accesorias (como ir recolectando objetos), sino de las principales, las cuales muchas veces se dividen en submisiones tediosas que alargan innecesariamente el juego.
La narrativa con la que te topas
Otro problema es su narrativa y no estoy hablando de su historia que es interesante, sino de la manera en que se nos cuenta, ya que el juego pretende darnos una experiencia cinematográfica, pero en lugar de ello nos da momentos aburridos y cortes de escena que parecen de hace dos generaciones, inclusive se nota la manera tan forzada que se busca que el jugador sienta una conexión con los protagonistas, pero insisto, se siente tan poco orgánica que uno desea saltarse varias de las escenas del juego, lo cual lamentablemente muchas veces no es posible.
El juego también llega a ser inconsistente en su control y gameplay, ya que por momentos los controles no responden a las acciones del jugador, desde cosas básicas como agacharse hasta poner guardia en el momento preciso para hacer parrys, lo cual si bien, no pasa siempre y no arruina la experiencia de juego, si es lo suficientemente constante para causar frustración en varias momentos del juego.
Tuve la oportunidad de jugar en PS5 e independientemente de los problemas técnicos que tienen los juegos de mundo abierto como cargar algunas texturas, no se me presentaron bugs o glitches, lo cual también estoy sorprendido, pero no por ello esté exento en la experiencia de otros jugadores, eso sí, me resulta raro el cómo el juego llega a tardar cosas tan básicas como los menús de opciones.
Y si bien por fin tenemos el tan pedido Assassin´s Creed en Japón que los fans siempre pedimos, lo cierto es que llega tarde, tal vez más de diez años tarde, y sin comparar con otros títulos, la fórmula ya se siente desgastada, ciertamente le ayuda mucho que la jugabilidad con Naoe nos remonte a los clásicos títulos de la franquicia, pero no por ello deja de ser más de lo mismo pero por fin bien hecho.
Conclusión sobre Assassin´s Creed Shadows
Assassin´s Creed Shadows es uno de los mejores juegos de la franquicia que hemos tenido en años, regresando a las raíces de los primeros títulos pero con un gameplay moderno, simplificado pero a la vez variado y divertido (sobre todo con Naoe, una de sus protagonistas), con una de las mejores representaciones del Japón feudal que hayamos visto y un mundo abierto que por fin se siente vivo y que gráficamente luce espectacular y definitivamente es lo que esperaríamos del “Assassin´s” que tanto pedimos que se situara en Japón; lamentablemente no se deja de sentir que llega muy tarde cuando la fórmula de estos juegos está tan gastada y por ende es inevitable sentir que, por más bien hecho que esté, sigue siendo más de lo mismo y más cuando comete los mismos errores de otras entregas como misiones repetitivas, una sobreextensión innecesaria del juego con misiones de relleno y una narrativa tediosa. Cuando tengan oportunidad deben de probarlo y no dejarse llevar por el hate que ha acarreado detrás de la polémica que lo envolvió.
Assassin´s Creed Shadows se lanza este 20 de marzo en PlayStation 5, Xbox Series X|S y PC.
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Cine
THE AMAZING DIGITAL CIRCUS: EL ÚLTIMO ACTO | Reseña
The Amazing Digital Circus: El Último Acto es el cierre perfecto para este fenómeno de internet y en nuestra review te decimos que tal esta
El final del fenómeno de internet ha llegado y logra lo que muchas otras series populares hubieran deseado: un cierre digno y emotivo para todos sus fans.
Todas y todos, en algún momento, hemos visto o escuchado hablar de The Amazing Digital Circus, incluso sin conocer el nombre de la serie, es muy probable que nos hayamos topado en redes sociales con la imagen de aquella peculiar payasa bicolor que rápidamente se convirtió en un fenómeno viral. Ese nivel de reconocimiento es una clara muestra del enorme éxito de esta webserie, que tomó por sorpresa a millones de espectadores alrededor del mundo. y si bien en principio su colorido diseño y estética caricaturesca podían hacer pensar que se trataba de una producción dirigida exclusivamente al público infantil, bastan unos cuantos episodios para descubrir que hay mucho más detrás de su llamativa apariencia. Con un humor sarcástico y bien construido, personajes memorables y una narrativa que aborda temas cada vez más complejos, logrando así conectar con audiencias de todas las edades.
Ahora llega a las salas de cine The Amazing Digital Circus: El Último Acto, película que recopila el episodio 8 (que está disponible en YouTube) y el esperadísimo último episodio 9 de esta webseries y les puedo adelantar que su final nos entrega un cierre emotivo y funcional que ya muchas superproducciones hubieran deseado tener y es que lejos de buscar un final explosivo y visualmente llamativo pero vació, se mantiene fiel a la escencia de la serie y apuesta por un cierre emocional, reflexivo y coherente con los temas que ha venido desarrollando en sus capítulos más recientes; es una conclusión que entiende a sus personajes, respeta su recorrido y ofrece una despedida que difícilmente dejará indiferentes a sus seguidores.
“Cerrando el telón”.
Como mencioné, The Amazing Digital Circus: El Último Acto nos presenta los episodios 8 y 9 de la webseries, además de un breve resumen de su historia al inicio (cabe señalar que los episodios 1 al 8 están disponibles en su canal de YouTube): Tras la desaparición de Caine, el Circo Digital queda sumido en la oscuridad y el caos. Sin una figura que los guíe y enfrentados a la posibilidad de permanecer atrapados para siempre, Pomni y el resto de los habitantes del circo deberán confrontar los errores, miedos y traumas de su pasado. Mientras descubren la verdad detrás de este extraño mundo digital y su historia, cada uno tendrá que decidir si acepta lo que encuentra o busca una salida diferente.
Lo bueno.
Uno de los mayores aciertos de The Amazing Digital Circus: El Último Acto es que entiende que un buen final no consiste únicamente en resolver la trama principal, sino en ofrecer una conclusión satisfactoria para los personajes que hemos acompañado durante toda la serie. Por ello, gran parte de su narrativa está enfocada en cerrar los arcos emocionales de sus protagonistas, permitiéndoles confrontar aquello que los ha definido desde su llegada al Circo Digital y encontrar, de una u otra forma, cierta paz.
La película se toma el tiempo necesario para que cada integrante del elenco tenga su momento, no se siente como una carrera apresurada para llegar a los créditos finales, sino como una despedida consciente de los personajes y de las dinámicas que construyeron entre ellos, incluso figuras que en temporadas anteriores parecían existir principalmente para aportar humor o servir como apoyo al resto reciben momentos que enriquecen su desarrollo y les otorgan una conclusión acorde con su recorrido.
Mención especial merece Jax, posiblemente el personaje más enigmático de toda la serie y es que durante gran parte de la historia, su actitud irreverente y aparentemente despreocupada lo convirtió en uno de los favoritos del público, pero también en uno de los más difíciles de comprender. Aquí finalmente obtenemos respuestas sobre su pasado y las razones detrás de su comportamiento, añadiendo nuevas capas a un personaje que durante mucho tiempo ocultó más de lo que mostraba y tocando temas bastante profundos, no solo con él, sino con todo el elenco del Circo Digital, como el perdón, la culpa, el aislamiento y la aceptación.
“El Último Acto” funciona en muchos momentos como un epílogo, la gran aventura ya ha ocurrido; lo que vemos ahora son las consecuencias, las reflexiones y las despedidas.
Es una decisión que puede sorprender a quienes esperen una conclusión basada únicamente en la acción o las revelaciones, pero que encaja perfectamente con el tono que la serie adoptó en sus episodios más recientes. El resultado es un final íntimo, emotivo y genuinamente interesado en sus personajes, algo que no siempre se encuentra en las producciones actuales.
En cuanto animación nos sigue entregando el diseño y estética que hemos visto a lo largo de la serie, con algunas escenas visualmente más llamativas, pero manteniendo la fluidez que la caracterizó, eso sí, también apuesta por una paleta de colores mucho más opaca pues busca reflejar el propio sentir de los personajes, pero en términos general bastante bien.
Lo malo.
Siendo su problema la ambigüedad con la que se maneja la explicación de ciertos aspectos de la serie, dejándose a la interpretación del espectador, algo que claro va a dividir opiniones sobre este tipo de decisiones, sobre todo con cierto personaje extrovertido, pero nada que realmente afecte la experiencia ni el sabor que deja la película al final.
Conclusión.
The Amazing Digital Circus: El Último Acto es el tipo de final que pocas veces vemos en la actualidad, en lugar de obsesionarse con sorprender al espectador con giros constantes o secuencias espectaculares, apuesta por algo mucho más difícil: darle un cierre digno a sus personajes y a los temas que construyó a lo largo de toda su historia y utiliza su último episodio para ofrecer una despedida emotiva, reflexiva y cargada de humanidad. Es un final que se siente ganado, que respeta a sus personajes y que deja la sensación de haber acompañado a estos individuos hasta el final de su viaje.Quizá no responda absolutamente todas las preguntas ni satisfaga todas las teorías de los fans, pero sí logra algo más importante: cerrar el telón de una de las series animadas que más han sorprendido en los últimos años de una manera coherente, emotiva y memorable.
The Amazing Digital Circus: El Último Acto ya está en cines y el episodio se estrenará en YouTube el 19 de junio.
The Amazing Digital Circus: El Último Acto | Reseña sin spoilers
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Historia
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Narrativa y guion
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Animación
The Amazing Digital Circus: El Último Acto | Reseña sin spoilers
The Amazing Digital Circus: El Último Acto es el tipo de final que pocas veces vemos en la actualidad, en lugar de obsesionarse con sorprender al espectador con giros constantes o secuencias espectaculares, apuesta por algo mucho más difícil: darle un cierre digno a sus personajes y a los temas que construyó a lo largo de toda su historia y utiliza su último episodio para ofrecer una despedida emotiva, reflexiva y cargada de humanidad. Es un final que se siente ganado, que respeta a sus personajes y que deja la sensación de haber acompañado a estos individuos hasta el final de su viaje.Quizá no responda absolutamente todas las preguntas ni satisfaga todas las teorías de los fans, pero sí logra algo más importante: cerrar el telón de una de las series animadas que más han sorprendido en los últimos años de una manera coherente, emotiva y memorable.
Reseñas
FINAL FANTASY VII REBIRTH EN XBOX SERIES – Reseña
Pocos videojuegos tienen una influencia tan profunda en la industria como Final Fantasy VII y con Rebirth demuestra su nivel en XBOX
Pocos videojuegos tienen una influencia tan profunda en la industria como Final Fantasy VII. El clásico de 1997 no sólo redefinió el JRPG moderno, sino que también ayudó a establecer muchos de los estándares que hoy asociamos con las superproducciones AAA: narrativa cinematográfica, personajes memorables, escenas espectaculares y una historia capaz de conectar emocionalmente con millones de jugadores.
Por eso, cuando Square Enix anunció que rehacería la aventura de Cloud Strife, las expectativas eran descomunales. Sin embargo, el estudio decidió que una simple actualización gráfica no era suficiente.
En lugar de un único remake, optó por convertir la historia en una trilogía de gran presupuesto. Final Fantasy VII Rebirth representa el segundo capítulo de ese ambicioso proyecto y, ahora que ha llegado a Xbox Series, surge una pregunta inevitable: ¿sigue siendo tan impresionante fuera del ecosistema PlayStation?
La respuesta corta es sí. Rebirth es un JRPG enorme, espectacular y técnicamente sobresaliente. Sin embargo, también es un juego que refleja algunos de los problemas de diseño modernos de Square Enix, especialmente cuando intenta expandir una historia que originalmente era mucho más directa.
Una persecución épica con demasiados desvíos en Final Fantasy VII
Rebirth comienza exactamente donde terminó Final Fantasy VII Remake. Cloud y el resto del grupo llegan a Kalm, donde el protagonista relata los acontecimientos de Nibelheim y el origen de Sephiroth. Lo que en el juego original era una introducción relativamente breve, aquí se convierte en una secuencia mucho más extensa y elaborada, representando perfectamente la filosofía de diseño de todo el proyecto.
Todo en Rebirth es más grande.
Cada escena, cada conversación y cada momento importante recibe una expansión considerable. Incluso elementos tan simples como el piano de la habitación de Tifa se convierten en sistemas jugables completos con minijuegos propios.
La trama sigue a Cloud, Tifa, Aerith, Barret y compañía mientras persiguen a Sephiroth por el mundo. Sin embargo, la persecución del antagonista suele quedar relegada a un segundo plano debido a la enorme cantidad de historias secundarias, conflictos personales y episodios individuales que protagonizan los miembros del grupo.
Y aquí aparece uno de los principales problemas del juego.
Entre la fidelidad y la confusión narrativa
Uno de los aspectos más debatidos de Rebirth es su forma de reinterpretar la historia original.
Tras los cambios introducidos en Remake, muchos jugadores esperaban que la secuela se desviara radicalmente del argumento clásico. Sin embargo, Rebirth termina recorriendo prácticamente los mismos acontecimientos, aunque adornados con nuevas escenas, misterios adicionales y numerosas pistas falsas.
El resultado es una experiencia extraña.
Por momentos parece que la historia va a romper completamente con el material original. Sin embargo, casi siempre termina regresando al mismo camino. Esta constante sensación de avance y retroceso provoca que algunos giros argumentales pierdan impacto y que ciertos momentos se sientan innecesariamente complicados.
Además, el tono no siempre funciona.
El Final Fantasy VII original equilibraba perfectamente el drama, la tragedia y el humor. Rebirth, en cambio, exagera muchos de los elementos cómicos hasta el punto de generar choques tonales extraños. Escenas emocionalmente intensas pueden ser seguidas inmediatamente por momentos absurdos que diluyen parte de su impacto emocional.
No significa que la historia sea mala. De hecho, muchos de sus momentos siguen siendo memorables. Pero sí existe la sensación de que Square Enix ha complicado innecesariamente una narrativa que originalmente destacaba por su claridad emocional.
Un mundo abierto espectacular
Si hay un aspecto donde Rebirth supera ampliamente a Remake es en la exploración.
Midgar quedó atrás.
Ahora los jugadores pueden recorrer enormes regiones abiertas inspiradas en los escenarios clásicos del juego original. Llanuras, montañas, desiertos, bosques y pantanos forman parte de un mundo vibrante que logra transmitir una verdadera sensación de aventura.
Viajar en chocobo vuelve a sentirse especial.
Cada región posee identidad propia, actividades exclusivas y secretos que recompensan la exploración. Los escenarios son visualmente impresionantes y constantemente invitan a detenerse para admirar el paisaje.
La sensación de libertad es uno de los mayores aciertos del juego.
Por primera vez en esta trilogía, realmente se percibe que estamos recorriendo el enorme mundo de Final Fantasy VII.
Un sistema de combate casi perfecto
Donde Rebirth realmente alcanza la excelencia es en el combate.
Square Enix tomó la base establecida por Remake y la refinó prácticamente en todos los aspectos. El resultado es uno de los mejores sistemas de combate que ha tenido la saga en décadas.
La acción en tiempo real se combina con elementos estratégicos heredados del sistema ATB clásico.
Los ataques normales llenan las barras ATB, que posteriormente se utilizan para ejecutar habilidades especiales, lanzar magia, utilizar objetos o activar técnicas defensivas. La gestión eficiente de estos recursos se convierte en el núcleo de cada enfrentamiento.
Las nuevas habilidades de sinergia son una adición fantástica.
Permiten que los personajes colaboren para realizar ataques conjuntos, potenciaciones y movimientos espectaculares que aportan una nueva dimensión táctica al combate.
Un reparto que se siente único
Uno de los mayores logros de Rebirth es que cada personaje se juega de forma completamente distinta.
Cloud sigue siendo el combatiente más equilibrado y versátil. Tifa apuesta por la velocidad y los combos. Barret domina el combate a distancia. Aerith continúa siendo una poderosa maga de apoyo. Yuffie aporta movilidad extrema y ataques elementales.
Pero quizás la mayor sorpresa sea Red XIII.
Mientras que en el juego original muchos jugadores lo consideraban uno de los miembros menos útiles del grupo, aquí se ha transformado en un personaje extremadamente competente y divertido de utilizar.
La variedad de estilos garantiza que experimentar con diferentes formaciones resulte constantemente entretenido.
Materias, folios y personalización
El sistema de materias sigue siendo uno de los pilares fundamentales de la experiencia.
La posibilidad de intercambiar libremente materias entre personajes permite crear configuraciones especializadas para prácticamente cualquier situación. Magos puros, tanques defensivos, atacantes híbridos o expertos en apoyo son solo algunas de las posibilidades disponibles.
Sin embargo, no todo funciona igual de bien.
Los nuevos Folios, que actúan como árboles de habilidades, resultan bastante menos inspirados. Aunque ofrecen nuevas mejoras y habilidades de sinergia, su interfaz es confusa, poco atractiva visualmente y excesivamente compleja para los beneficios que proporciona.
Más que ampliar la personalización, a menudo parecen un sistema añadido únicamente para incrementar artificialmente la progresión.
Rendimiento en Xbox Series
Uno de los aspectos más interesantes de esta versión es comprobar cómo se comporta fuera del ecosistema PlayStation.
La buena noticia es que la experiencia es excelente.
El modo Fidelidad funciona a 30 fps y ofrece la mejor calidad visual posible, mientras que los modos de rendimiento priorizan los 60 fps para proporcionar una experiencia mucho más fluida durante la exploración y los combates.
La estabilidad general es sobresaliente y demuestra que el hardware de Xbox Series es perfectamente capaz de manejar la enorme escala de Rebirth.
La magnitud de Final Fantasy VII Rebirth
Final Fantasy VII Rebirth es una producción gigantesca que demuestra tanto las fortalezas como las debilidades del desarrollo AAA moderno.
Por un lado, ofrece un mundo enorme, un sistema de combate brillante, personajes inolvidables y una cantidad abrumadora de contenido. Por otro, su narrativa se siente excesivamente expandida, con problemas de ritmo y una tendencia constante a complicar innecesariamente una historia que originalmente destacaba por su elegancia.
Aun así, cuando Rebirth se centra en lo que mejor sabe hacer —explorar, combatir y desarrollar a sus personajes— alcanza momentos extraordinarios.
Puede que no supere al clásico de 1997 en todos los aspectos, pero sigue siendo una de las experiencias JRPG más ambiciosas y espectaculares de los últimos años.
Para quienes disfrutan de Final Fantasy, resulta una aventura prácticamente imprescindible y una demostración de que, incluso con sus defectos, la magia de Cloud y compañía sigue tan viva como siempre.
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Final Fantasy VII Rebirth en XBOX Series - Reseña
Final Fantasy VII Rebirth es una producción gigantesca que demuestra tanto las fortalezas como las debilidades del desarrollo AAA moderno.
Por un lado, ofrece un mundo enorme, un sistema de combate brillante, personajes inolvidables y una cantidad abrumadora de contenido. Por otro, su narrativa se siente excesivamente expandida, con problemas de ritmo y una tendencia constante a complicar innecesariamente una historia que originalmente destacaba por su elegancia.
Aun así, cuando Rebirth se centra en lo que mejor sabe hacer —explorar, combatir y desarrollar a sus personajes— alcanza momentos extraordinarios.
Puede que no supere al clásico de 1997 en todos los aspectos, pero sigue siendo una de las experiencias JRPG más ambiciosas y espectaculares de los últimos años. Para quienes disfrutan de Final Fantasy, resulta una aventura prácticamente imprescindible y una demostración de que, incluso con sus defectos, la magia de Cloud y compañía sigue tan viva como siempre.
Cine
AMOS DEL UNIVERSO | Reseña
Masters of the Universe es una de las mejores adaptaciones de una serie animada clásica a la pantalla grande.
Masters of the Universe es una de las mejores adaptaciones de una serie animada clásica a la pantalla grande.
Hay personajes que trascienden las páginas de los cómics, las pantallas de televisión y las estanterías de juguetes de Mattel para convertirse en auténticos íconos de la cultura pop, He-Man es uno de ellos. Desde su debut en la década de los 80´s, el defensor de Eternia se ha mantenido como una figura reconocible para varias generaciones gracias a sus series animadas, cómics, videojuegos y una línea de juguetes que marcó una época y por supuesto, sus “memes”.
Ahora llega a las salas de cine Amos de Universo, la segunda adaptación en acción real para la pantalla grande de esta icónica franquicia, solo que a diferencia de su predecesora, esta nueva entrega entiende a la perfección todo el legado de más de 40 años de He-Man, incluyendo su lado cómico involuntario que nos ha llevado a los famosos “memes”, y lo abraza para entregarnos una divertida y emocionante cinta de acción llena de referencias y que tare de vuelta ese arquetipo de héroe clásico a la veja escuela cuando más lo necesitamos. Y aunque no es perfecta y puede que a muchos no les agrade su tipo de humor (sobre todo las y los más jóvenes), sin duda vale por completo la pena.
“Por el Poder de Grayskull…”.
Amos del Universo es una nueva interpretación de esta querida franquicia, pero conservando toda su esencia, de tal manera que es perfecta tanto para fans como para nuevas audiencias: “Después de haber estado separado durante 15 años, la Espada de Poder guía al príncipe Adam (Nicholas Galitzine) de regreso a Eternia, donde descubre que su hogar ha sido devastado bajo el malévolo dominio de Skeletor (Jared Leto). Para salvar a su familia y a su mundo, Adam deberá unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela (Camila Mendes) y Duncan/Man-At-Arms (Idris Elba), y abrazar su verdadero destino como He-Man, el hombre más poderoso del universo”.
“¡Yo tengo el Poder!°
Desde sus primeros minutos de Amos del Universo queda claro que Travis Knight, su director, comprende perfectamente qué es lo que hace especial a Masters of the Universe y lejos de avergonzarse de sus raíces, la película abraza la fantasía colorida, los personajes extravagantes y el tono aventurero que hicieron famosa a la caricatura original.
Eternia luce enorme, vibrante y llena de vida, convirtiéndose en uno de los mayores logros de la producción.
Uno de los aspectos más destacados son sus secuencias de acción;los enfrentamientos son dinámicos, visualmente impresionantes y aprovechan muy bien el amplio catálogo de héroes y villanos de la franquicia. A esto se suman unos efectos especiales que ayudan a dar credibilidad a criaturas, escenarios y personajes que fácilmente podrían haber resultado ridículos en una adaptación live-action, en cambio, la película consigue que todo encaje dentro de su propia lógica fantástica, inclusive logra justificar el nombre “infantil” de los personajes de una manera muy ingeniosa y divertida.
Los fanáticos de toda la vida encontrarán una enorme cantidad de referencias al material clásico, desde guiños a la serie animada de Filmation hasta detalles relacionados con las figuras de acción y elementos profundos de la mitología de Eternia y hasta en ciertas tomas. Lo mejor es que estos homenajes nunca se sienten forzados ni excluyen a quienes llegan por primera vez a este universo.
Sorprendentemente, la película también demuestra tener sentido del humor respecto al legado moderno del personaje; los memes que durante años han acompañado a He-Man forman parte del fenómeno cultural de la franquicia y la cinta los reconoce y los abraza de manera inteligente, generando algunos de los momentos más divertidos para el público veterano. Aunque puede que muchas personas no conecten con este humor.
Un héroe forjado a la antigua.
Más allá del espectáculo visual y la nostalgia, la película también logra transmitir uno de los mensajes más importantes que siempre ha acompañado a He-Man: la idea de que la verdadera fuerza nace de nuestras decisiones, nuestra valentía y nuestra voluntad para hacer lo correcto; la película deja claro que lo que realmente lo convierte en un héroe es su capacidad para levantarse ante la adversidad y actuar cuando los demás lo necesitan. Es un mensaje sencillo pero efectivo que recuerda por qué el personaje conectó con tantas generaciones y que sigue siendo relevante hoy en día: el poder para cambiar las cosas no está en una espada mágica, sino dentro de cada uno de nosotros.
Música que mezcla fantasía y epicidad ochentera.
Otro de sus grandes aciertos es su apartado musical, el score compuesto por Daniel Pemberton aporta épica, emoción y aventura en los momentos adecuados, ayudando a elevar varias secuencias clave de la película. Su trabajo logra capturar la sensación de una gran fantasía heroica sin perder la identidad propia de esta nueva versión de Eternia. También se incluyen temas musicales con licencia, pero curiosamente estos lejos de aportar, muchas veces se sienten forzados.
Lo malo.
Sin embargo, no todo funciona con la misma efectividad: El segundo acto presenta algunos problemas de ritmo y por momentos la narrativa pierde impulso mientras prepara el terreno para su espectacular desenlace. Asimismo, la película en ocasiones abusa de la comedia, provocando que ciertos chistes interrumpan escenas que intentan transmitir mayor peso dramático o emocional.
Las actuaciones también resultan algo inconsistentes, mientras algunos miembros del elenco logran encontrar el tono adecuado entre fantasía, aventura y humor, otros parecen estar interpretando una película distinta, generando altibajos en varios momentos importantes. Eso sin mencionar personajes de relleno que realmente no tienen justificación o contrapeso real.
Conclusión.
Amos del Universo logra algo que pocas adaptaciones modernas consiguen: entender por qué su material de origen sigue siendo relevante décadas después de su creación. no intenta reinventar a He-Man ni convertirlo en algo que no es; por el contrario, abraza sin complejos la fantasía, la aventura, el optimismo y el heroísmo que definieron a la franquicia desde sus inicios.
Más allá de la espectacularidad de sus combates, sus referencias o su apartado visual, la película rescata una idea que parece haberse perdido en muchas producciones actuales: la del héroe clásico que inspira a otros a ser mejores. Con una Eternia espectacular, un excelente trabajo musical de Daniel Pemberton y un profundo respeto por más de cuarenta años de historia, Amos del Universo se convierte en una de las mejores adaptaciones cinematográficas de una serie animada clásica. No es perfecta, a veces abusa de la comedia y su segundo acto es inconsistente, pero al final el resultado es una aventura entretenida, espectacular y llena de corazón que seguramente hará sonreír a quienes crecieron levantando una espada imaginaria mientras gritaban: “¡Yo tengo el poder!”.
Amos del Universo se estrena en cines este 04 de junio, pero habrá funciones preestreno este 03 de junio y cuenta con dos escenas post-créditos: una cuando terminan los créditos animados o los “midcredits” y otra hasta el final.
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Amos del Universo | Reseña sin spoilers
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Acción y efectos especiales
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Historia
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Dirección
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Actuaciones
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Soundtrack
Amos del Universo | Reseña sin spoilers
Amos del Universo logra algo que pocas adaptaciones modernas consiguen: entender por qué su material de origen sigue siendo relevante décadas después de su creación. no intenta reinventar a He-Man ni convertirlo en algo que no es; por el contrario, abraza sin complejos la fantasía, la aventura, el optimismo y el heroísmo que definieron a la franquicia desde sus inicios. Más allá de la espectacularidad de sus combates, sus referencias o su apartado visual, la película rescata una idea que parece haberse perdido en muchas producciones actuales: la del héroe clásico que inspira a otros a ser mejores. Con una Eternia espectacular, un excelente trabajo musical de Daniel Pemberton y un profundo respeto por más de cuarenta años de historia, Amos del Universo se convierte en una de las mejores adaptaciones cinematográficas de una serie animada clásica. No es perfecta, a veces abusa de la comedia y su segundo acto es inconsistente, pero al final el resultado es una aventura entretenida, espectacular y llena de corazón que seguramente hará sonreír a quienes crecieron levantando una espada imaginaria mientras gritaban: “¡Yo tengo el poder!”.
