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Cine

“NAPOLEÓN” | Reseña

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La mirada de Ridley Scott sobre el emperador francés, quien es interpretado por Joaquín Phoenix ¿Quieres más razones para ver Napoleón? Entonces sigue leyendo.

Napoleón es una figura compleja que ha sido abordada por diversos directores a lo largo de la historia del cine, el proyecto más famoso (y jamás realizado) de Stanley Kubrick giraba precisamente en torno a este soldado que llegó a ser General y posteriormente Emperador de su nación. Como muchas figuras históricas, su vida y proceder tiene muchos claro oscuros, dando origen a fanáticos y detractores por igual que lo consideran un maestro de las tácticas de guerra o hasta un simple genocida.

Estamos viviendo tiempos gloriosos (y a la vez extraños) en los que grandes cineastas son cobijados por las grandes empresas del streaming, nombres como Martin Scorsese, Alfonso Cuarón, David Fincher (y ahora Ridley Scott) han dado rienda suelta a sus mayores sueños con presupuestos altísimos que no están recibiendo el mismo amor por parte de la taquilla (en el caso de salir a salas) ¿Correrá “Napoleón” con la misma suerte? Sigue leyendo para que saques tus propias conclusiones.

¿DE QUÉ TRATA “NAPOLEÓN”?

Francia está viviendo tiempos convulsos y la película rápidamente nos lo transmite al iniciar con el trágico final de la Archiduquesa de Austria de manera pública en la Plaza de la Concordia ante cientos de enfurecidos testigos, entre ellos un teniente de artillería de nombre Napoleón (aunque en realidad no estuvo ahí y es el primer indicio también de que el director no se inclinará por la exactitud histórica), a partir de ahí comienza una acelerada carrera en ascenso pero también las complicaciones históricas, políticas, amorosas y armamentistas que dieron paso a su leyenda.

De manera casi paralela la historia fija su atención en el gran amor de Napoleón (Joaquin Phoenix) por Josefina de Beauharnais (Vanessa Kirby), una relación algo enfermiza que muestra el lado más humano (y hasta pueril) de ambos personajes, cuyas acciones labraron para siempre un lugar en la historia mundial.

LO BUENO

El ganador del premio oscar Joaquin Phoenix tiene sobre sus espaldas gran parte del peso dramático de la historia y para nuestra entera satisfacción es efectivo en su entrega, además acompañado de Vanessa Kirby que no se queda atrás en un papel que merecía más tiempo y desarrollo en pantalla, así que huelo nominaciones, aunque vale la pena decir que quizá no sean los papeles por los que los recordaremos en el futuro.

La experiencia de Ridley Scott y el presupuesto son más que evidentes, la película nos muestra una gran manufactura y cuidado en el detalle, por lo que la parte técnica casi no tiene falla, el diseño de producción es ambicioso, el vestuario es más que adecuado, la fotografía de Dariusz Wolski (“Sweeney Todd”, “El último duelo”) es ejecutada de manera precisa para retratar todo tipo de ambientes en una época en la que (vale la pena señalar) no había luz artificial, así que la luz de las velas lucen espectaculares y suficientes para el desarrollo de la historia, sin dejar de mencionar las escenas nocturnas o en ambientes abiertos y con (supuesta) luz natural que llenan por completo la pantalla grande.

Un renglón aparte se merecen las secuencias de acción, las cuales no tardan en aparecer, pues a los pocos minutos de iniciada la película el director ya nos da una probada de lo que podremos esperar, y es que las batallas no hacen sino escalar en sus proporciones, crudeza, salvajismo y realismo, que no solo funcionan como mero escaparate o demostración del presupuesto bien ejercido, sino que se encargan de aportar a la propia narrativa, así como el desarrollo de la historia, avance (y posterior declive) de su personaje principal.

LO MALO

El corte es demasiado acelerado y mientras que, por un lado, habrá quienes estén contentos por la fluidez con la que se nos cuenta la historia, habrá otros que se decepcionen por la evidente apuesta del director por entretenernos más que construir a sus personajes o el propio drama (o dramas) que se les van presentando. Recordemos que el propio director ha declarado que su corte original ronda las cuatro horas y media, pero él mismo ha dicho también que dos horas y media es lo que considera que el público puede estar cómodo en una sala de cine, si su decisión fue correcta o no, solamente la taquilla y posterior visionado al corte del director lo pueden responder.

El guion es hábil en resumir años de crecimiento, inestabilidad y campañas bélicas dentro de su duración, así como presentarnos de manera muy orgánica a los importantes personajes que se cruzaron por la vida de Napoleón, sin embargo por momentos dota a sus personajes de diálogos y acciones algo ridículas, que si bien, se puede justificar en la búsqueda de relajar la temática y duración de la película, para mí resultó en un constante resquebrajamiento de la tensión, dando lugar a risas en la sala que no estoy tan seguro de que hayan sido voluntarias en su concepción.

La música a cargo de Martin Phipps (“Peaky Blinders”, “Black Mirror”) es opacada por la grandiosidad de sus imágenes, un acompañamiento adecuado pero que no logra realzar lo que vemos en pantalla, aunque por otro lado su diseño sonoro es bastante bueno e inmersivo, sobre todo en los momentos de mayor violencia gráfica.

Siguiendo los pasos de “Gladiador” (2000), Ridley Scott junto a su guionista David Scarpa (“Todo el dinero del mundo”, “La última fortaleza”) nos presentan ante todo una historia de amor (algo tóxico en este caso) al centro de eventos históricos que pretenden abarcar la leyenda del emperador y unirlas en una sola, el resultado no es el mejor y por más que insisten parecen dos películas en paralelo.

VEREDICTO

Sin duda, “Napoleon” y su dos horas con treinta y ocho minutos está destinada a dividir al público, poco se tendrá que objetar con respecto a su propuesta visual que resulta espectacular, pero a estas alturas apenas sobresaliente con respecto a películas del mismo género, un tributo a las grandes epopeyas que hicieron historia en la pantalla grande pero que no es del todo respaldada por su historia, menoscabada por la gran cantidad de sucesos que se tenían que retratar y que por su celeridad se sacrificó (posiblemente) los aspectos de construcción de personajes y contextos históricos que hubieran involucrado de mayor (y mejor) manera al espectador.

En lo personal, considero que vale mucho la pena asistir a ver lo que Ridley Scott armó, una combinación espectacular entre efectos prácticos y CGI que colocan a sus batallas en un lugar bastante privilegiado (que no en el Top 5 por decir algo) dentro de entregas parecidas, sin miedo a la sangre y al casi gore que justifica la clasificación “R” a nivel mundial, con la capacidad de entretener y mantener la expectativa del público acostumbrado a que siempre ocurra algo explosivo en pantalla, pero también capaz de decepcionar a los que busquen algo más profundo, una lástima porque no me cabe duda que el personaje daba para eso y más.

“Napoleón” de Ridley Scott llega a pantallas nacionales este 23 de noviembre, a tan solo unos días de que el director cumpla 86 años, así que acuda a festejar con el en la pantalla más grande que pueda y juzguen ustedes mismos si estuvo o no la altura del hype.

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Reseñas

Mario vs. Donkey Kong, retadora y divertida experiencia-Reseña

Mario vs. Donkey Kong fue creado por la división estadounidense de Nintendo y es el sucesor espiritual del legendario juego de Donkey Kong

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Mario

Mario vs. Donkey Kong es un juego de plataformas y rompecabezas híbrido que está bien diseñado como la mayoría de los juegos de Nintendo pero que cuenta con un alto nivel de exigencia por su dificultad en ciertos momentos.

Para aquellos que son muy jóvenes deben saber que esta es nueva versión de Switch de un juego originalmente salió para GB Advance pero que en ese regreso nos ofrece una generosa cantidad de opciones de accesibilidad para garantizar que los jugadores puedan disfrutar de esta propuesta.

Mario vs. Donkey Kong fue creado por la división estadounidense de Nintendo, NST y es esencialmente el sucesor espiritual del legendario juego arcade de Donkey Kong.

Los jugadores navegan por una serie de pequeños niveles de plataformas, con el objetivo de encontrar una llave oculta y llevarla a una puerta cerrada, evitando enemigos y obstáculos en el camino.

Se escucha muy sencillo pero la realidad dista de ser totalmente diferente y ahora te diremos el porqué decimos lo anterior.

El reto detrás de Mario vs. Donkey Kong

En cada uno de los ocho mundos del juego, completarás seis de este tipo de niveles antes de pasar a una etapa de bonificación donde liderarás a un grupo de robots ‘Mini Mario’ a través de una carrera de obstáculos hasta una meta, y luego una batalla de jefe contra el mismísimo Donkey Kong.

Como te mencionamos aunque parte de una premisa muy “sencilla” al topar con el juego te darás cuenta que su dificultad es muy alta incluso si lo juegas en un nivel accesible.

Y es que cada uno de los acertijos que te topara te exigirán mucho de tus habilidades dando como resultado que te sientas comprometido para lograr salir adelante de cada uno de los niveles de cada mundo.

Mario vs. DK en 2024 cuenta con gráficos vibrantes en alta definición totalmente irreconocibles si los comparamos con sus orígenes pixelados en GBA.

A pesar de parecer un side scrolling tradicional, Mario vs. DK no se parece en nada a un juegos de 2D del popular plomero de Nintendo.

Un Mario que se siente diferente

El movimiento del plomero se siente lento y torpe, un claro tributo al arcade original de Donkey Kong además que no se pueden encontrar potenciadores en los escenarios solamente estará presente el icónico martillo del clásico de los ochentas..

Mario puede realizar algunos movimientos especiales, como girar sobre sus manos para desviar los proyectiles que caen y saltos triples acrobáticos, pero estos parecen redundantes durante la mayor parte del juego fuera de algunos desafíos y niveles finales del juego.

En cambio, la jugabilidad aquí tiene mucho que ver con los acertijos. Cada mundo presenta varias mecánicas diferentes que los jugadores deberán aprender para alcanzar la llave oculta y transportarla a la puerta cerrada.

Estas mecánicas incluyen Bob-ombs que se pueden lanzar contra paredes destructibles, flores que soplan un viento lo suficientemente fuerte como para transportar a Mario (y objetos), pájaros molestos que dejan caer huevos en tu cabeza, rinocerontes amigables que se pueden recoger y usar como plataformas móviles. y muchos interruptores codificados por colores para invocar bloques de plataformas.

Los niveles principales del juego, que abarcan ocho mundos, incluidos dos nuevos exclusivos del remake, son, en su mayor parte, increíblemente fáciles para cualquiera que esté familiarizado con los juegos 2D de Super Mario, y ni las plataformas ni los acertijos presentan un gran desafío.

Pero de nuevo, esto es sí eres un experto en este tipo de juegos, porque si es la primera vez que tienes contacto te aseguramos que llegarán momentos que deberás dejar un rato el juego para aclarar tu mente.

El replay que obtienes

Afortunadamente, más allá de la campaña principal de niveles la segunda historia desbloqueable “plus” ofrece una jugabilidad más atractiva para jugadores experimentados, con Mario encargado de guiar a un Mini-Mario que lleva una llave a través de etapas moderadamente más difíciles.

Además, también hay poco más de una docena de niveles Expertos, que se desbloquean acumulando puntuaciones perfectas en las etapas principales (al encontrar todos los coleccionables), y que son realmente geniales.

Por el contrario, para los niños, vale mucho más la pena considerar Mario vs. DK como un punto de entrada accesible al mundo de Mario, incluso si Mario Wonder es la primera opción más clara.

Los niveles más pequeños y de ritmo más lento no solo se adaptan mejor a los fanáticos más jóvenes, sino que la versión Switch hace un trabajo fantástico al ofrecer más barreras de seguridad en forma de una nueva dificultad “Casual”, que agrega puntos de control y elimina el límite de tiempo.

Mario vs. Donkey Kong ofrece un avance notable en la calidad visual con respecto a su material original de hace 20 años.

Mario
Foto: Nintendo

Y una de sus mejores virtudes es que de la posibilidad de ser más accesible para aquellos que llegan por primera vez y de igual forma retoma toda la magia del juego original incluyendo tanto lo positivo como lo negativo.

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Anime

Demon Slayer: Rumbo al Entrenamiento de los Pilares | Reseña libre de spoilers y demonios

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El entrenamiento con los Pilares por fin dará inicio.

Al igual que hace un año, la Ciudad de México fue una de las sedes del Demon Slayer-To the Hashira Training- World Tour, evento que trae consigo la proyección en salas de cines de Demon Slayer: Rumbo al Entrenamiento de los Pilares, que es el previo a la siguiente temporada del anime en el que se adaptará el Arco del Entrenamiento de los Pilares, y antes de continuar es de aclarar que no se trata de una película, sino de los últimos capítulos del Arco de La Villa de los Herreros y el primer capítulo del Arco del Entrenamiento de los Pilares, dicho esto seguramente se preguntarán ¿vale la pena pagar un boleto de cine por ver capítulos que ya vimos y otro que veremos en algunas semanas? La respuesta es sí y a continuación les cuento el porqué.


La batalla contra la Cuarta Luna.

Esta proyección se conforma de dos partes, la primera son los dos últimos episodios de la tercera temporada de Demon Slayer del Arco de la Villa de los Herreros, los cuales se encuentran adaptados para pantalla de cine, por lo que no veremos imágenes o escenas “estiradas” sino queestos episodios cuentan con el tratamiento respectivo para que luzcan perfectos en las mega pantallas de cine y de hecho así es como se deben de disfrutar, ya que el trabajo de UFOTABLE en Demon Slayer siempre se ha caracterizado por su impecable y vistosa animación, sobre todo en las escenas de acción y cuando Tanjiro y compañía utilizan su “respiración” y ejecutan sus ataques o poderes, siendo un verdadero espectáculo de poder disfrutar en una pantalla de cine.


Mi único problema con “Rumbo al Entrenamiento de los Pilares” que se haya vuelto a usar este formato de proyectar los dos últimos episodios de la temporada anterior y el primero de la siguiente temporada  (el año pasado tuvimos los dos últimos episodios de la segunda temporada y el primero de la tercera) es que esta tercera tuvo dos batallas contra dos Lunas: la Quinta y la Cuarta; siendo que del encuentro entre la Quinta Luna y el Pilar de la Niebla, Muichiro Tokito, no veremos nada en el cine, y siendo que ésta temporada tuvo batallas a partir del tercer o cuarto capítulo, se siente menos orgánico el pasar directamente solo a los últimos dos episodios, con todo y el resumen que se en la presenta, ojalá que en un futuro se considere cambiar este formato, ya que hasta se siente como si se estuviera haciendo el mínimo esfuerzo.

Rumbo al Entrenamiento de los Pilares.

Respecto al primer episodio de la nueva temporada de Kimetsu no Yaiba, sin dar spoilers puedo decir que es tan disfrutable como lo fue el primer episodio del Arco de la Villa de los Herreros, solo que en lugar de tener fanservice en las aguas termales, tenemos unas escenas de acción con los Pilares, dejando emocionado al espectador y listo para ver entrar en acción a los Pilares, eso sí, al ser el primer episodio, se nos deja con un cliffhanger que hará la espera por la nueva temporada difícil, aunque ya solo falten semanas para ello.


¿Debo haber visto los demás episodios de Demon Slayer?

La respuesta es sí, y no porque el resumen de unos cuantos minutos no sea suficiente para contextualizar, ya que es un resumen de todas las temporadas, incluyendo el Arco de la Villa de los Herreros; sino porque el anime en general es muy bueno y entretenido, con personajes carismáticos y encantadores, momentos emotivos, escenas de acción increíbles y una animación impecable, por lo que sería un error el que su primer acercamiento sea mediante un resumen, más cuando se nos muestra uno de los momentos más emocionales dentro del anime, por lo que si quieren entrar de lleno y conocer Demon Slayer, les recomiendo que vean el anime (que no superan los 40 episodios en total). Por otro lado, si solo van a acompañar a su pareja, amiga(o), hija(o), etcétera, con el resumen basta para saber qué es lo que está pasando y disfrutar de muy divertidos momentos de acción.


Conclusión.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba -To the Hashira Training es un imperdible para los fans del anime, si quieren ver de la mejor manera el final de la tercera temporada y ver antes que nadie el inicio de la cuarta, no pueden perderse esta proyección, es realmente una función para los fans o para quienes disfrutan del anime y se están poniendo al corriente; aún si no lo conocen y acompañan a alguien la van a pasar bien; pero recuerden, se tratan de los dos últimos episodios del Arco de la Villa de los Herreros y el primer episodio del Arco del Entrenamiento de los Pilares.


Demon Slayer: Rumbo al Entrenamiento de los Pilares se estrena este 22 de febrero en los cines de la Ciudad de México.

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Cine

“ZONA DE INTERÉS” | Reseña

El Holocausto como nunca lo habías visto: Bello, rutinario y tranquilo. Descubre más de la nueva propuesta de Jonathan Glazer en nuestra reseña de “Zona de interés”.

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El Holocausto como nunca lo habías visto: Bello, rutinario y tranquilo. Descubre más de la nueva propuesta de Jonathan Glazer en nuestra reseña de “Zona de interés”.

La visión que el director británico nos brinda en esta película es el de una familia alemana en tiempos de guerra (del lado momentáneamente vencedor), nada cambia en este apacible e impecable hogar de no ser por el contexto, la bella casa cuenta con un gran jardín y una alberca, el padre de familia es un militar que disfruta pasar tiempo con sus hijos, al parecer tiene una buena relación con su esposa, en la casa no faltan las reuniones, las celebraciones de cumpleaños, el trabajo doméstico (a cargo de dos jovencitas como servidumbre), el padre de familia es responsable y parece que todo va viento en popa.

Pero esta aburrida cotidianidad solamente es el superficial velo que pretende cubrir el horror que Jonathan Glazer pone como telón de fondo y en los detalles (visuales/sonoros), por eso la importancia del contexto: La idílica familia se encuentra en algún periodo entre 1942 – 1943, el hogar de sus sueños está a un muro de distancia de Auschwitz, el diligente padre de familia es Rudolf Höss comandante general del campo de concentración y posterior zona de exterminio. Si esto no ha avivado su interés, no sé que lo hará, pero sigan leyendo para conocer más de esta película que tiene cinco nominaciones al Oscar.

Inspirada levemente en la novela “La zona de interés” del escritor Martin Amis (D.E.P), la película hace un tremendo esfuerzo por hacer de esta historia casi un “reality show”, para lo cual se ayudó de la instalación de cámaras y micrófonos en la casa de los protagonistas (sin equipo humano visible) para ayudar a su interpretación natural y casual, el interés de Jonathan Glazer está en compartir la vida “normal” y hasta soñada que la familia transitaba gracias al trabajo del padre, que poco a poco vemos que cuenta con sus propio dramas familiares internos, propios de una telenovela pero condimentados por el horror detrás del muro.

En este pequeño pedazo del mundo seremos testigos de las comidas y paseos familiares, rodeados de campo y naturaleza, pequeños lujos que ya cuesta trabajo pensar en su inexistencia, el día a día de una labor que nunca vemos pero que es realizada con una perfección deshumanizada por el bien del futuro de la familia, solo la recién llegada suegra y el bebé parecen ser incapaces de soportar la muerte que flota y se mete por las ventanas de la fría construcción.

LO BUENO

El diseño sonoro es una barbaridad, no solamente por su manufactura sino sobre todo porque logra la intención de “mostrar” eso que Jonathan Glazer decide no exponer de forma grotesca y facilona, colocarnos en un ambiente incómodo incluso cuando lo que estamos viendo es algo bello como una flor, es este sonido el responsable también de compartir al espectador todo aquello que la familia dentro de su comodidad ha logrado silenciar en su día a día, este trabajo es todo el pretexto que necesitan para ver esta película en una sala de cine.

Al gran trabajo de audio se le agrega la cinematografía de Lukasz Zal (“Cold War”, “Loving Vincent”, “Ida”) que con una fotografía realista se encarga de realzar el paisaje rutinario que la película expone, una rutina en la que sus encuadres dejan apenas un espacio para esos detalles que no están en primer plano, pero de los que una vez te haces consciente son más dolorosos que muchas películas que se jactan de su violencia gráfica.

La dualidad de sus personajes es entregada a la perfección por todo el reparto pero Sandra Hüller y Christian Friedel, por su mayor exposición en pantalla, son los que cargan esta historia en la que nos presenta humanos comunes y corrientes (con todos sus claro oscuros) en situaciones excepcionales, eventos que inevitablemente llevan a estos dos a tomar decisiones cuestionables, con actuaciones tan frías que no los caricaturizan como villanos y se agradece.

Hay diversos elementos muy sutiles que prefiero que descubran ustedes, una genialidad en cuanto al trabajo en equipo que se logró en su guion y acabado pero que requiere de que como espectadores pongan atención a los detalles, a los objetos escondidos, a su procedencia, a los diálogos aparentemente inofensivos y pertinentes dentro de un núcleo familiar, porque la película no explica casi nada y corren el riesgo de perder el interés si centran su atención en el gran cuadro y no en los pequeños (pero terribles) sucesos.

LO MALO

El tono favorecido por Glazer y su equipo requieren de una planeación y entrega impecables, pero corre el enorme riesgo de que la lentitud de su desarrollo impida un mayor compromiso por parte del espectador, una consecuencia que no es inherente a la película pero no me sorprenderá que haya quien la tilde de aburrida y de que “no pasa nada”, quizá hasta muy larga a pesar de que solo dura una hora con cuarenta y cinco minutos.

El ritmo no es la única decisión polémica dentro de su propuesta, hay secuencias que contrastan enormemente con la estética realista de la película y que se prestarán a confusión, pero que tienen toda justificación de existir dentro de su narrativa, que junto con el expositivo final la hacen efectiva como dedo en la llaga (en caso de que a alguno se le esté olvidando el contexto histórico en el que la película nos sitúa).

No tengo más queja sobre la película, incluso me podría saltar los dos párrafos anteriores ya que no son “errores” como tal, pero si creo que vale mucho la pena prevenir a los interesados de que no es una película para asistir cansado o que puedan interrumpir para revisar su teléfono (una total descortesía en un cine si me lo preguntan), una película desafiante para un público adulto.

VEREDICTO

Después de un largo periodo de cine infantilizado para adultos (que no es lo mismo que el dirigido a los niños) y palomero, debemos de estar más que agradecidos por el gran abanico de oportunidades que tenemos frente a nosotros este fin de semana, en el caso de “Zona de interés” por su valiente decisión de abordar un tema que pareciera estar agotado y del que hemos visto una buena cantidad de novelas, películas, obras de teatro, la mayoría centrándose en el visible dolor y tragedia de aquellos que padecieron una de las peores pesadillas en la historia de la humanidad, los premios y halagos se descuelgan en serie cuando además se añade el talento y (por qué no decirlo) el marketing adecuado, es por eso que lo que Jonathan Glazer y su equipo hicieron merecen una ovación de pie, no solo por la manera en la que abordan un tema tan doloroso y delicado sino porque se niegan a regodearse en lo gráfico y nos recuerdan las enormes posibilidades del cine cuando se sabe usar.

Asistir a una sala de cine es, para muchos, la oportunidad de deshacerse del estrés del resto de los días, entiendo perfectamente el deseo de librarse de preocupaciones y de utilizar el llamado “apagar el cerebro”, solo quiero poner sobre la mesa la visión personal de que hagan parte de sus experiencias los momentos contrarios, porque para suerte de todos nosotros, no importa lo malo, vulgar, violento, gráfico, triste, doloroso (agregue aquí el adjetivo que lo aleja de ciertas películas) que nos presentan ciertas historias, al final solo son películas, pero hay otras como “Zona de interés” cuya importancia (entre muchas otras) radican en que no olvidemos lo inhumanos e insensibles que nos podemos convertir en la persecución/ejecución de un trabajo o ideales, películas como esta son tan necesarias hoy ante la repetición de guerras en el mundo, de superioridad racial, de división. Ideas todas caducas de las que no nos hemos podido librar, quizá porque se nos ha olvidado ya lo terrible que fue para aquellos que ya lo han vivido (o lo están viviendo), mientras nosotros estamos cómodos en nuestro trabajo y buscamos una comfort movie para “pasar el tiempo”.

Es por todo lo anterior que recomiendo ampliamente que se tomen el tiempo de que acudan al cine a ver “Zona de interés”, rescatemos el pensamiento crítico que parece abandonarnos y “disfruten” el gran trabajo artístico que tendrán delante de ustedes, una experiencia tan dolorosamente sutil que puede ser que ni la sientan, aunque yo espero de todo corazón que si. Esta película está en la cartelera nacional desde el pasado 14 de febrero y ya veremos cómo le va en la próxima entrega de estatuillas doradas, vayan a verla y me cuentan cómo les fue.

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