Anna Kendrick debuta en la dirección adaptando una historia real con “El Asesino del Juego de Citas”. ¿Qué tal está? Te lo contamos en nuestra reseña.

El debut de Anna Kendrick como directora se recarga en el famoso caso de un asesino serial que ganó un concurso televisivo de citas en los setentas, pero transforma la historia en un grito de auxilio muy actual.

En septiembre de 1978 el asesino Rodney Alcala se presentó como uno de los participantes en el famoso programa “El juego de las citas”, para sorpresa e ironía histórica, ganó el juego. Tan solo un año después de su aparición televisiva sería arrestado y condenado a muerte por el asesinato de cinco mujeres, aunque se cree que fue responsable de más de cien muertes, su sentencia nunca llegó a cumplirse y terminó sus días en prisión a causa de muerte natural a los 77 años.

Es la casualidad histórica de tenerlo ahora presente de manera audiovisual participando en aquel programa, que se le dio el mote de “El asesino del juego de citas”. Es en este episodio histórico el que la actriz Anna Kendrick se recarga e inspira para dirigir su primer largometraje y es apenas el pretexto para denunciar el entorno machista y de injusticia social que permanece hasta el día de hoy.

¿DE QUÉ TRATA “EL ASESINO DEL JUEGO DE CITAS”?

La aspirante a actriz Sheryl (Anna Kendrick) está algo decepcionada de su desafortunado paso por intentar lograr el estrellato, está pensando en renunciar a su sueño cuando de pronto una llamada la detiene, le ofrecen la oportunidad de aparecer como invitada en el popular programa de televisión “El juego de las citas”, no es el trabajo que tiene en mente pero por lo menos tendrá exposición, o eso le dice su agente.

Una vez en el programa, Sheryl tendrá la misión de interrogar a tres hombres anónimos que competirán por ser merecedores de una cita con ella, lo que no sabe es que entre ellos está Rodney Alcala (Daniel Zovatto) quien para ese entonces ya cargaba en sus espaldas (al menos) con el asesinato de dos jóvenes. La tensión aumenta mientras descubrimos poco a poco la peligrosa personalidad de Rodney a la par que se desarrolla el programa televisivo y el desconocimiento de Shirley acerca del enorme riesgo que está corriendo.

LO BUENO

El diseño de producción nos sitúa perfectamente en la época retratada, la fotografía acentúa este entorno perteneciente a otros tiempos sin que luzca necesariamente avejentada, el vestuario se suma para que en conjunto la historia luzca lo suficientemente creíble como basada en un hecho real.

Daniel Zovatto le roba el protagónico a Anna Kendrick y es que acierta muy bien sus momentos de relajación cuando pretende ser carismático y encantador, pero es más efectivo aún cuando la trama le pone en bandeja de plata sus momentos más oscuros y tenebrosos. Si bien no es precisamente el retrato de su contraparte histórica, se lleva con el algunos elementos claves como la falta de un diente, la ropa y sobre todo el comportamiento de este desalmado asesino.

La tensión es bastante buena y es que para todo aquel que esté familiarizado con el episodio televisivo podemos aceptar que no es lo más tenebroso dentro del expediente de Rodney Alcala, así que la directora hace uso de constantes saltos en el tiempo para acentuar el suspenso.

La actriz/directora Anna Kendrick tiene bastantes momentos de brillantez estética, sobre todo cuando está fuera del foro televisivo y vemos al asesino explorar los grandes y solitarios espacios en donde va a perpetrar sus crímenes, Kendrick elige también no ser explícita en cuanto a los actos violentos y no hace falta, de manera velada y sutil nos comparte el insensible proceder del asesino.

Intercalar la narrativa del asesino con la exposición de conductas nocivas y el desdeño judicial para con las injusticias en contra del género femenino fue una decisión valiente, pero controversial a la hora de su armado y presentación.

LO MALO

El guion se toma diversas libertades creativas que no resultan de lo mejor, algunas para alargar la historia con el objetivo de llegar a su hora con treinta y cinco de duración, otras un poco más dañinas cambiando por completo el hecho histórico (el cual está documentado, pueden ver parte del episodio en YouTube), con el objetivo de darle al personaje de Kendrick una valía intelectual algo caricaturizada que no necesitaba, sin duda un guionista más experimentado pudo haber atacado el rubro sin necesidad de caer en el humor innecesario que la película ofrece.

Esta decisión en el cambio de historia conlleva no solamente al empoderamiento de nuestra personaje principal sino a la sororidad de otras mujeres a su alrededor, lo cual me parece una muy adecuada narrativa, pero con el único detalle de que no queda en torno a la época y para ser más exacto, no queda con el documento histórico que tenemos de lo ocurrido, por supuesto que es un detalle para enfrentarse al perjudicial halo machista que permea toda la película pero se siente forzado y hasta fuera de lugar.

A lo anterior habría que sumarle el hecho de que este intento constante de satanizar constantemente las conductas masculinas se contrapone con el retrato que tenemos del asesino, uno pensaría que colocarlo como el objeto de desprecio sería pan comido pero a la par la película transmite constantemente su gran carisma y el cómo envuelve sin problema alguno a cuanta mujer se le pone enfrente, teniendo que recurrir hasta los intertítulos finales para darle el zarpazo final que necesitaba la historia para enterrar al monstruo que vimos durante toda la película de una manera más bien enigmática.

VEREDICTO

El primer trabajo de Anna Kendrick como directora nos muestra todo aquello de lo que es capaz si su intención es seguir detrás de la cámara, en esta ocasión quizá la ambición de jugar en ambos bandos, así como un guion perfectible, expone también sus flaquezas, no me cabe duda que la naciente directora tiene habilidades y buen ojo, la película nos lo comparte en diversas ocasiones, pero también abundan los lugares comunes y los intentos por abarcar más de lo que su habilidad aún en desarrollo nos presentó finalmente.

Siento que es mi deber poner sobre aviso que el marketing está vendiendo un tráiler que no precisamente es acorde a la película, no esperen una película común de asesinos en serie sino más bien el uso de este personaje para intentar exponer algo mucho más importante y trascendente (y aún vigente) como es la condescendencia y minimización del género femenino, su presentación como objeto y elemento de diversión, pero sobre todo el desprecio por parte de la justicia ante la innegable ola de feminicidios que no han parado de ocurrir desde antes del periodo en el que se sitúa la película. Menciono todo lo anterior para que no sea este cambio de tono el que los sorprenda y decepcione al estar en la sala de cine, la directora lo hizo de manera intencional y aunque no es perfecta, merece el reconocimiento y valor por llevar su historia a terrenos más conocidos para ella.

“El asesino del juego de citas” es una película recomendable si dejan de lado el episodio histórico y se concentran en el subtexto que la historia propone, una exhibición más de la barbarie humana a cargo de un loco criminal que la justicia se empeñaba en dejar sin castigo, un hecho trágico que no debería ocurrir nunca más y que la película trata de darle esa otra lectura. Encuentran “El asesino del juego de citas” en salas mexicanas a partir del 10 de octubre, los invito a que acudan a verla porque la denuncia que hace es tan importante hoy como lo pudo ser hace más de cuarenta años que tuvo lugar.

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Omar Chaparro se aleja del estereotipo cómico y nos presenta un drama basado en hechos reales en “Un viaje al corazón”.

Cuando escuchamos el nombre de Omar Chaparro nuestro subconsciente lo ubica de manera inmediata en películas como “Suave Patria” (2012), “Tod@s caen” (2019) y por supuesto “No manches Frida” (2016 y su secuela de 2019), películas que gozan de un buen sustento en taquilla pero no son tan apreciadas en el medio crítico. Es quizá por eso que el actor, cantante, locutor y comediante quiso escapar de su zona de confort en un papel que de acuerdo a sus propias palabras es “la película más fuerte y desafiante que he hecho”, recargada en una serie de historias reales que se viven en la frontera mexicana.

Tuvimos oportunidad de estar presentes en la presentación de la película a los medios de prensa y nos enteramos que es un proyecto que llevó diez años en su realización a partir de la concepción de la historia entre el director Alonso Alvarez y su coguionista Max Arciniega, nacida a partir de las experiencias propias y de amigos/conocidos, que se nota además lleno de corazón e ilusión por presentar algo conmovedor para el público. El actor Omar Chaparro se encontraba en una etapa de depresión en su vida y volcó esos sentimientos para darle vida a su personaje, para el cual tuvo que subir 14 kilos por encima de su peso para perder físicamente el estereotipo en el que se le ha encasillado por años. ¿E l sacrificio valió la pena? Sigue leyendo para enterarte de nuestra opinión.

¿DE QUÉ TRATA “UN VIAJE AL CORAZÓN”?

Julián Álvares (Omar Chaparro) es un trabajador de una aerolínea de Estados Unidos de Norteamérica, aunque descendiente de mexicanos es nacido allá y se nos presenta como alguien que está en contra de la migración ilegal. Julián es viudo, así que solo tiene a su pre adolescente hija Sophia (London Garza) y al irresponsable cuñado Nick (Will Rothhaar).

El drama aparece temprano cuando nos enteramos que Sophia padece de una enfermedad terminal del corazón que requiere cirugía, el futuro le sonríe brevemente a la familia cuando el trasplante que Sophia necesita para vivir se convierte casi en una realidad, pero la tragedia los golpea inmediatamente cuando debido a circunstancias accidentales Julián es deportado a México. Por lo que ahora tendrá que hacer hasta lo imposible por regresar a los Estados Unidos de Norteamérica, no solamente para estar de nuevo con su familia sino porque sin su autorización el trasplante no puede ser realizado.

Mientras tanto conoceremos también las tremendas dificultades de cientos y cientos de seres humanos persiguiendo el sueño americano en nuestra línea fronteriza.

LO BUENO

La película es muy ambiciosa con respecto a su presupuesto de 3 millones de dólares (“No manches Frida 2” costó casi 5 para que se den una idea), y para fortuna de todos nosotros el equipo técnico cumple casi en todo momento, logrando capturar escenas muy buenas en el desierto y la franja fronteriza mexicoamericana.

Omar Chaparro merece mención en este rubro debido a su compromiso para con la película, no engañaré a nadie diciendo que hace una actuación digna de un Oscar, pero si que cumple las necesidades del guion, colocándolo en situaciones dramáticas a las que nunca se había enfrentado y saliendo avante. En este sentido, se le une también un reparto de primer nivel (sobre todo para una ópera prima), con nombres como el de Mercedes Hernández (Ariel a mejor actriz por “Sin señas particulares”), Héctor Jiménez, Jesús Ochoa, Gustavo Sánchez Parra, Julio Bracho, Mónica Dionne, entre otros.

La hechura de la película es más que decente, resalta mucho su fotografía que retrata los inhóspitos parajes que tiene que atravesar el personaje, el director Alonso Álvarez nos muestra constantemente imágenes con propuesta, más allá del simple correr de la historia, es verdad que algunas intenciones sobrepasan sus habilidades y presupuesto, pero en general está muy bien lograda.

Si bien la historia se apoya en fórmulas dramáticas para lograr un mejor golpe emocional, se agradece que tenga su toque de crítica social y aborde el tema de la migración, la corrupción policial y una mínima parte de las miles de historias que seres humanos padecen en la franja fronteriza de México y Estados Unidos de Norteamérica más allá del simple conflicto familiar en que se recarga la película.

LO MALO

La cuidada fotografía se ve (por momentos) empañada cuando se decide grabar con una temblorosa cámara en mano, que quizá haya tenido la intención de otorgarnos un sentimiento de inmersión dentro de la historia y el viaje de su personaje, pero se torna molesto.

A veces el retrato de los personajes se vuelve caricaturesco y la principal falla en la actuación de Omar Chaparro es su supuesto acento mexico-americano, dentro de todo el reparto es el cuñado (Will Rothhaar) el que se nota actoralmente más disminuido. Por su parte el guion tampoco les aporta a sus personajes los mejores diálogos pero a pesar de lo anterior la historia logra avanzar de manera fluida.

Aunque la película sostiene que está basada en una historia real, su final deja muchas dudas en cuanto a que algo así sea posible y va a requerir la complicidad del espectador para llegar a buen puerto, sin embargo creo que el cometido se cumple y la emotividad supera este y otros pequeños detalles narrativos.

VEREDICTO

Las terribles historias que viven muchísimas personas, por distintas razones, en nuestro cruce fronterizo darían para un montón de dolorosas películas, para nuestra fortuna “Un viaje al corazón” aborda el tema de manera accesoria dentro de una historia sentimental que se libra del entorno de telenovela gracias a sus intenciones más ambiciosas.

Omar Chaparro demuestra que solo necesitaba proyectos que realmente lo retaran para crecer como actor y Alonso Álvarez le da la oportunidad en su primer largometraje, el cual nos invita a estar atentos a su carrera. En la presentación de la película el propio director nos compartió que fue un desafortunado encuentro con la cárcel el momento en el que conoció a Max Arciniega y le pudo contar su historia, su propia película hace referencia a esta serie de encuentros casuales e infortunios que a veces se le presentan al ser humano en su vida, pero también nos brinda la esperanza de que no todas las historias tienen un final desolador, que en cada rincón oscuro del mundo hay personas buena y malas, algunas dispuestas a arrancarte hasta lo último que tengas, pero otras te darán la mano a cambio de absolutamente nada.

“Un viaje al corazón” no cambiará el rumbo del cine mexicano, pero creo que sus méritos la hacen merecedora a que le den una oportunidad en su estreno en salas, con una historia que no se libra del cliché pero que acierta en darle visibilidad a un problema fronterizo que solo aquellos que lo viven a diario lo pueden comprender mejor, una película que no es perfecta pero que sin duda es bien intencionada, que aunque claramente tiene objetivos completamente comerciales, añade mucho corazón y buena hechura a su propuesta, razón por la cual recomiendo que acudan al cine a verla y decidan si Omar Chaparro puede (o no) hacer cine de calidad.

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El cineasta recibirá en el 22º FICM el Premio a la Excelencia Artística como reconocimiento a su incomparable trayectoria de más de 60 años.

Protagonizada por Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight y Laurence Fishburne, Megalópolis, un fábula fantástica que tiene lugar en un Estados Unidos imaginario, comenzó a ser desarrollada por Francis Ford Coppola a principios de los años 80, cuando leyó sobre la conjura de Catilina, que tuvo lugar en el año 63 A.C. en la república romana.

“Se me había ocurrido esta idea”, recuerda el director. “Tenía muchas ganas de escribir esta historia. Empecé a llenar cuadernos con ideas o cosas que me encontraba leyendo. Todo el mundo sabe que Estados Unidos es una reencarnación de la Roma republicana porque nuestros fundadores no querían un rey, sino que querían que fuera como la república de Roma. No puedes ir a Nueva York sin darte cuenta de que está cubierta de edificios romanos. Así que mi intención era escribir una epopeya romana ambientada en una Nueva York contemporánea que copia la antigua Roma”.

Francis Ford Coppola llevó a cabo diversas lecturas de guion con distintos actores. En 2007 estuvo a punto de abandonar el proyecto por falta de apoyo para su desarrollo; pero su cumpleaños 80, seguido de la pandemia, le dieron un nuevo impulso al director, y para agosto de 2021 ya estaba en conversaciones formales con los actores y comenzando el 

Posterior a su presentación en el Festival Internacional de Cine de Morelia, Megalópolis tendrá su estreno comercial en salas de cine de todo México el jueves 24 de octubre a través de Cinépolis Distribución.

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