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“CACERÍA EN VENECIA” | Reseña
El detective Hércules Poirot sale del retiro para enfrentarse a lo paranormal ¿Valió la pena o no? Entérate en nuestra reseña sin spoilers de “Cacería en Venecia”.
Es la tercera vez que el director/actor Kenneth Brannagh encarna al personaje de la famosa escritora Agatha Christie y con algo de vergüenza admito que es mi primer acercamiento a las versiones del director irlandés, quien trae de vuelta al detective belga para intentar resolver un asesinato en plena noche de brujas, para lo cual se ayudó del guionista Michael Green (“Logan”, “Alien: Covenant”, Blade Runner 2049″) para darle vida a un relato bastante alejado del material original, pero que es funcional en cuanto a su manejo de la tensión y misterio.
Como en las películas anteriores (“Asesinato en el Expreso de Oriente y “Muerte en el Nilo”) esta historia cuenta con un gran reparto que ayuda a confundir al público en cuanto a la elección del posible responsable, en el caso de “Cacería en Venecia” se integran nombres como el de la recién ganadora del Oscar Michelle Yeoh, Jamie Dornan, Tina Fey, Ricardo Scamarcio, Kelly Reilly, Camille Cottin y por supuesto el propio Kenneth Brannagh en los zapatos del detective encargado de resolver una interrogante más allá de sus posibilidades debido a que involucra manifestaciones paranormales. Pero antes de continuar…
¿DE QUÉ TRATA “CACERÍA EN VENECIA”?
El detective Hércules Poirot (Kenneth Branagh) no quiere saber más nada de acertijos por lo que vive retirado en Italia, saliendo solo para lo esencial y protegido por un guardaespaldas (Ricardo Scamarcio), pero a su vida regresa la escritora Ariadne Oliver (Tina Fey) quien le pide que asista con ella a una sesión espiritista llevada a cabo por la famosa Miss Reynolds (Michelle Yeoh) de quien se dice es capaz de comunicarse con el más allá.
La sesión espiritista tiene lugar en una tétrica casa de la antigua Venecia sobre la cual ronda una leyenda en la que cientos de infantes murieron a manos de enfermeras y doctores, así que sus espíritus sin descanso claman por la venganza y la muerte, por si fuera poco la dueña del lugar (Kelly Reilly) acaba de tener su propia tragedia al perder a su única hija, la causa oficial es suicidio pero el pensamiento general es que los espíritus que rondan la casa son los únicos culpables.
Nuestro detective está desencantado con lo que está a punto de presenciar, su espíritu pragmático no deja que leyendas y cuentos nublen su juicio, hasta que de pronto sucede un asesinato en el lugar y Poirot tiene que sacar su lado inquisitorio del exilio para tratar de resolver el misterio a pesar de que comienzan a suceder cosas que no puede explicar.
LO BUENO
Desde un inicio la película propone un buen acabado estético y ambicioso que se apoya (en los planos más abiertos) del CGI para presentarnos una Venecia de acuerdo a la época, en este sentido la fotografía es un elemento clave también para meternos en el tenebroso ambiente que rodeará a los personajes, un escenario casi gótico que depende por completo de la iluminación de velas, un reto para Haris Zambarloukos (“Locke”, “Artemis Fowl”, “Belfast”) que saca adelante de manera más que cumplidora, a lo que se añaden diversas decisiones creativas en cuanto al uso de lentes para contarnos el misterio que colocan al espectador (a veces) como una figura espectral que es testigo de todo lo que sucede dentro de la casa, el uso de blanco y negro, posicionamientos de cámara desde el punto de vista del protagonista y algunos otros elementos visuales que aportan a la narrativa.
Las bondades de la fotografía resaltan también el diseño de producción y vestuario, el cual se apoya en colores que contrastan en la “luz de las velas” para darle mayor dramatismo y teatralidad a una historia que se recarga en sembrar la duda en el espectador y la sospecha en cada uno de los involucrados.
La música de Hildur Guðnadóttir (“Joker”, “Tár”, “Ellas hablan”) es un elemento discreto pero esencial en los momentos de tensión y sin duda también aporta a la narrativa y ambiente.
Las actuaciones de todo el reparto están al nivel de lo que el guion pedía de ellos, no se notan en ningún momento caricaturizados y todos tienen algún momento de relevancia, lo cual es importante para que los espectadores estemos constantemente ante la duda de cuál será la resolución.
El guion se aleja de la fuente original, sin embargo (como pocas veces) es para bien, ya que es inteligente en ir colocando las piezas una a una sin revelar demasiado y sembrando la sospecha en cada uno de los protagonistas, por otro lado tiene también la habilidad de insertar el elemento paranormal sin que este se sienta forzado, agregando algunos toques de horror dentro de este subgénero del “whodunnit”, no es de todo perfecto pero es bastante funcional a la hora de esconder el giro de tuerca y la suspensión del misterio hasta el final.
LO MALO
El problema inherente dentro de las películas de este género se encuentra en la intención de esconder demasiado las pistas y resolución para intentar sorprender al espectador, en el caso de “Cacería en Venecia” se cometen solamente algunos errores, es inteligente en cubrir sus propias pistas pero la resolución si resulta ligeramente rebuscada, además de que el factor “fantasmagórico” (aunque cumplidor) se puede interpretar como tramposo, lo cual viene desde el tráiler, ya que pretende aumentar su audiencia al añadir el género de horror a la mesa, es justo decir que ninguno de los elementos antes dichos perjudica en demasía la experiencia pero me parece necesario mencionarlos.
El manejo de la cámara, que apareció renglones más arriba como parte de sus bondades, no es completamente perfecto y tiene también algunos tropiezos que no son acertados en cuanto a su aporte narrativo/visual y resultan incluso incómodos a la vista, decisiones (de nueva cuenta) que tampoco es que sean lo peor de la película.
La película no se escapa de algunos clichés y en este sentido está lejos de ser algo innovador dentro de su propio género, a pesar de las inserciones paranormales, el enigma se estira demasiado afectando el ritmo de la historia, aunque afortunadamente se intenta reivindicar antes del punto de no retorno.
Finalmente el humor se debate entre dos categorías y es que sin duda es un humor “inglés” que pretende ser inteligente y se acomoda de manera orgánica durante la historia (normalmente gracias al personaje de Tina Fey) pero no deja de ser un distractor (y no un descanso) de la seriedad con que se maneja un episodio tan oscuro como al que se enfrenta el detective protagonista.
VEREDICTO
Es la primera vez que se adapta a la pantalla grande la novela “Halloween Party” de Agatha Christie y la realización de un guion más libre se nota a la hora de su ejecución en pantalla, el público no cuenta ahora con trabajos previos con los cuales compararse y la propia historia se aleja tanto del material original que puede sorprender incluso a los seguidores de la escritora, haciendo de esta película un buen producto de entretenimiento, más no la mejor adaptación.
Aunque siguiendo los pasos que dicta el manual, la película se queda corta en ofrecer algo excepcional o siquiera distinto, pero vaya que lo intenta, con su acabado visual, los jumpscares, el coqueteo con el horror y finalmente la búsqueda de un final sorpresivo para los espectadores que (desde mi punto de vista) es efectivo a la hora de esconderse hasta su resolución, lo que culmina en una hora y cuarenta y tres minutos de duda por el destino de los personajes y (creo yo) el intercambio justo conforme al precio del boleto si es que decide ir a una sala de cine a ver la tercera aventura de Hércules Poirot.
La nueva entrega de Kenneth Brannagh tiene una calidad técnica que junto a una historia cumplidora harán que le apuesten todas sus canicas a su sospechoso favorito con la esperanza de atinarle, aunque no será sencillo. “Cacería en Venecia” llega a salas mexicanas a partir de este 14 de septiembre y están más que invitados a jugar al detective mientras se devoran unas palomitas en la sala de su preferencia, aquí los esperamos para que nos cuenten si sus habilidades de deducción fueron suficientes o mejor le dejamos el trabajo a Poirot.
Cine
LETRAS ROBADAS | Reseña
Las historias sobre músicos frustrados suelen inclinarse hacia el drama, pero Letras Robadas opta por un camino mucho más optimista
Una cálida comedia musical sobre los sueños, el éxito y las segundas oportunidades
Las historias sobre músicos frustrados y oportunidades perdidas suelen inclinarse hacia el drama, pero Letras Robadas opta por un camino mucho más ligero, cálido y optimista, la cual podemos disfrutar en las salas de Cinépolis gracias a Cinépolis Distribución, ofreciendo una experiencia sencilla, divertida y reconfortante que deja una sonrisa al salir del cine.
Paul vs Nick.
Dirigida por John Carney, Letras Robadas o Power Ballad, sigue a Rick (Paul Rudd), un músico talentoso que alguna vez soñó con triunfar en la industria, pero que ahora pasa sus días tocando en bodas y eventos para ganarse la vida. Su rutina cambia inesperadamente cuando conoce a Danny (Nick Jonas), ex-integrante de una exitosa boy band que, a diferencia de sus antiguos compañeros, nunca consiguió consolidar una carrera como solista.Tras una noche de inspiración y colaboración musical, Danny termina convirtiendo una canción creada por Rick en un éxito mundial, el problema es que lo hace sin otorgarle ningún crédito, detonando así el conflicto principal de la historia.
Lo bueno.
Lo mejor de Letras Robadas es la sencillez en su premisa y humor que se ejecutan de una manera precisa y efectiva para entregarnos un divertido drama musical, algo que para nada es fácil de lograr y es que si bien desde su título sabemos de qué va (al punto de ser predecible) es la manera en que se desarrolla la historia donde la película hace magia.
Y es que Letras Robadas es que no se limita a ser una historia sobre plagio musical o disputas legales, sino que utiliza esta situación para explorar temas mucho más universales, como los sueños que dejamos atrás, la necesidad de reconocimiento, las oportunidades perdidas y la importancia de valorar aquello que ya forma parte de nuestras vidas.
En el apartado actoral sin duda Paul Rudd se lleva la cinta y nos recuerda que un humor sencillo es siempre efectivo.
Gran parte del encanto de la cinta recae en su humor, aún cuando no se trata de una comedia explosiva ni llena de situaciones extravagantes, sino de un humor sencillo, bien construido y apoyado en personajes entrañables. En ese sentido, la química entre Paul Rudd y Nick Jonas funciona muy bien y de una manera sutil; ambos actores logran transmitir una amistad/rivalidad creíble y natural con sus respectivos conflictos internos que ayuda a sostener incluso los momentos más predecibles de la trama.
La película logra ocultar sus fallas en sus aciertos.
La historia sigue una estructura bastante convencional y muchos de sus giros pueden anticiparse con facilidad, vamos, su estructura es algo que ya hemos visto, aunque el verdadero atractivo no está en sorprender al espectador, sino en la forma en que desarrolla sus personajes y en la calidez con la que aborda sus conflictos.
Su desenlace también apuesta por una visión idealizada y romántica de los acontecimientos, algo que podría no convencer a quienes buscan un retrato más realista; sin embargo, esa misma decisión es parte fundamental de su identidad, Letras Robadas no pretende ser una reflexión amarga sobre la industria musical, sino una película optimista diseñada para hacer sentir bien al público.
Conclusión.
Letras Robadas cae bien como un tecito de manzanilla con miel: reconfortante, cálida y perfecta para quienes buscan tomarse un respiro de historias más complejas o pesadas; una película que, sin reinventar nada, encuentra su fuerza en la sencillez, el carisma de sus protagonistas y un mensaje que invita a valorar tanto los sueños que perseguimos como las cosas buenas que ya tenemos.
Letras Robadas ya se estrenó en las salas de Cinépolis.
Letras Robadas | Reseña sin spoilers
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Guion
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Dirección
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Actuaciones
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Score
Letras Robadas | Reseña sin spoilers
Letras Robadas cae bien como un tecito de manzanilla con miel: reconfortante, cálida y perfecta para quienes buscan tomarse un respiro de historias más complejas o pesadas; una película que, sin reinventar nada, encuentra su fuerza en la sencillez, el carisma de sus protagonistas y un mensaje que invita a valorar tanto los sueños que perseguimos como las cosas buenas que ya tenemos.
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Disney estrena el tráiler final del live-action de Moana
Disney ha lanzado un tráiler final de la cinta live action de Moana lleno de acción junto con varios pósteres y emocionantes noticias
Disney ha lanzado un tráiler final de la cinta live action de Moana lleno de acción junto con varios pósteres y emocionantes noticias sobre el reparto.
Las entradas para la nueva versión de live actio de Moana de Disney ya están a la venta. Junto con esta noticia, llega un nuevo tráiler de la películ, protagonizada por Catherine Laga’aia como la intrépida exploradora Moana y Dwayne Johnson, quien retoma su papel como el astuto semidiós Maui.
El nuevo tráiler no presenta grandes sorpresas, ya que parece una adaptación bastante fiel de la querida película de animación de Disney.
Aquella ya era visualmente impresionante, por lo que este adelanto no logra superarla (disminuyendo un poco el impacto habitual de ver la animación cobrar vida de esta manera).
El anterior tráiler de Moana recibió una respuesta mayoritariamente negativa, con muchas críticas dirigidas a la peluca y el traje musculoso de Johnson.
Muchas expectativas alrededor de Moana
Como era de esperar, no se han realizado cambios importantes en Maui desde la última vez que lo vimos, y así es como está.
En definitiva, Disney confía en que las familias acudan a ver esta película, especialmente porque Moana es una de sus franquicias animadas más exitosas.
A este increíble elenco de talentos del Pacífico se une Jemaine Clement, quien ahora ha confirmado que retomará su papel como la voz del cangrejo gigante y obsesionado con el glamour, Tamatoa, el mismo personaje al que dio voz en la versión animada de Moana.
Clement se une al elenco previamente anunciado, que incluye a Laga’aia como Moana, Johnson como Maui, Rena Owen como la venerada abuela Tala de Moana, John Tui como el sensato padre de Moana, el jefe Tui, y Frankie Adams como la juguetona y decidida madre de Moana, Sina.
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La película está dirigida por Thomas Kail, ganador de los premios Emmy y Tony (Hamilton); producida por Dwayne Johnson, Beau Flynn, Dany Garcia, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda.
Cuenta con la producción ejecutiva de Scott Sheldon, Charles Newirth, Kail y Auliʻi Cravalho, quien prestó su voz a Moana en las películas animadas Moana y Moana 2.
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Cine
Así son los vasos y palomeras de Toy Story 5 en Cinépolis
La nueva colección vasos y palomeras de Cinépolis inspirada en Toy Story 5 reúne a algunos de los personajes más queridos de la franquicia
La nueva colección vasos y palomeras de Cinépolis inspirada en Toy Story 5 reúne a algunos de los personajes más queridos de la franquicia que apelan directamente a la nostalgia de quienes crecieron acompañando las aventuras de Woody, Buzz y sus amigos.
Primero apareció una pieza. Después comenzaron las especulaciones. Luego llegaron los videos, las publicaciones, los grupos de coleccionistas y las listas de “la necesito”. Y ahora sí podemos verla completa.
La colección incluye:
- Palomera 3D protagonizada por Buzz Lightyear, Jessie y Lilypad. Precio: $785 pesos.
- Snack & Drink inspirado en Buzz Lightyear. Precio: $549 pesos.
- Vasos 3D coleccionables de Woody, Jessie y Buzz Lightyear. Precio: $245 pesos.
- Vasos Stackable inspirados en Rex, Alien, Buzz Lightyear y Woody. Precio: $39
Ahora resulta más fácil entender por qué la conversación comenzó a crecer en internet.
Las piezas, que parecen haber llegado directamente desde el cuarto de Andy, fueron desarrolladas por Ping Solutions.
El amor de los fans a Toy Story
Con la colección completa finalmente revelada, tu niño interior podrá decidir cuál de estos personajes merece un lugar en su colección.
Información sobre fechas, disponibilidad, preventas deberá consultarse exclusivamente a través de los canales oficiales de Cinépolis.
El amor de los fans hacia Toy Story es un fenómeno cultural y generacional verdaderamente inquebrantables.
Desde el revolucionario estreno de la primera película en 1995, el público no solo adoptó a Woody y Buzz Lightyear como íconos del cine, sino como compañeros de vida.
Los espectadores que eran niños en los años noventa crecieron a la par de Andy, experimentando en carne propia la melancolía y el dolor de tener que despedirse de la infancia.
La genialidad de Pixar radica en transformar juguetes en espejos de la experiencia humana, abordando temas complejos como los celos, la crisis de identidad, la lealtad y el inevitable arte de madurar.
Este profundo lazo emocional convierte cada secuela en un evento nostálgico masivo, donde adultos y nuevas generaciones se unen en las salas de cine.
Para la comunidad, Toy Story no es solo animación; es un refugio eterno sobre el valor de la amistad.
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