Cine
“OPPENHEIMER” | Reseña sin spoilers
¿Es “Oppenheimmer” la mejor película de Christopher Nolan a la fecha? Nosotros creemos que sí y acá te contamos por qué.
Christopher Nolan es un director ambicioso y extravagante, enemigo de los efectos digitales (los cuales reduce al mínimo en la medida de lo posible), guionista de historias complejas (aunque termina sobre explicando), purista y amante del formato IMAX, capaz de reunir repartos soñados, pero quizá la característica más valiosa de este director británico-estadounidense es que ha logrado enamorar a los estudios, los grandes reportes de taquilla le han permitido hacer una especie de híbrido entre el cine de autor y los blockbusters que aman las grandes productoras, sin embargo algunas diferencias en el estreno de “TENET” (2020) terminó en la separación del director con “Warner Bros.” y ahora a su llegada a “Universal Pictures” no se tentó el corazón en solicitar luz verde para un proyecto que difícilmente veríamos en manos de otro director, un drama político histórico de tres horas de duración basado en la historia del científico J. Robert Oppenheimer “El padre de la bomba atómica”.
¿Qué hay de especial en ello? Se preguntarán ustedes, en primer lugar es un género que no había tocado antes (Dunkirk es lo más cercano pero con mayor acción y género bélico), en segundo lugar su duración y esporádicas escenas en blanco y negro ahuyentan casi de manera automática a gran parte del público, en tercer lugar (no conforme con sus propias y aparentes limitaciones) la película tendría una clasificación “C” y por último se vería en la necesidad de reproducir la “prueba Trinity”, la primera vez que se explotó una bomba atómica en territorio estadounidense, sin el uso de efectos especiales. Sin lugar a dudas, confianza no es algo que carezca Christopher Nolan pero sigan leyendo para enterarse si se salió con la suya.
¿DE QUÉ TRATA “OPPENHEIMER”?
Basada en el libro “American Prometheus” (2005), la historia arranca en los tiempos universitarios de un joven J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), un genio en crecimiento que tuvo una vida bastante controversial para la época pero cuyo verdadero reto se presentó con el ascenso de Hitler al poder y el creciente avance del ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial.
La carrera armamentista tuvo una aceleración como nunca antes, los descubrimientos en Física (sobre todo a nivel atómico) pusieron sobre la mesa cantidades de energía jamás exploradas y Estados Unidos de Norteamérica no podía quedarse atrás, así que el General Leslie Groves (Matt Damon) coloca a Oppenheimer como cabeza de una operación ultra secreta con la finalidad de ganar la batalla por la conquista destructiva del átomo, con sede en “Los Álamos”, Nuevo México, acompañado de un gran número de físicos, para intentar detener el dominio alemán a toda costa.
LO BUENO
El primer miedo que pretendo quitarle de encima al espectador casual, es el mote de drama histórico y su larga duración, Christopher Nolan ha demostrado tener una gran sensibilidad para contar la historia que quiere sin dejar de lado el entretenimiento y “Oppenheimer” no es la excepción, la película tiene un ritmo bastante fluido, acelerado incluso para una película de su género, no se sienten las tres horas de duración y es que el guion se encarga también (al más puro estilo de Nolan) de dividir la historia en diversos momentos temporales que mantendrán al público atento a la historia.
Continuando con el guion (de la pluma del propio Nolan), se encarga de insertar momentos de humor bastante orgánicos dentro de la construcción de sus personajes, no son momentos que rompen la tensión de la historia, sino que se sienten completamente naturales dentro de su desarrollo y en boca de los personajes encargados para ese alivio cómico, a veces necesario en narrativas algo densas.
De manera histórica es un desfile de personalidades, una especie de “Endgame” de la física, por lo que los nombres que irán apareciendo no serán simplemente un agasajo o “easter egg” para el amante de la física o la historia, sino que casi todos tienen un momento relevante dentro del peso dramático, no estoy seguro de que cuente como spoiler al ser suceso histórico, pero por las dudas prefiero que los descubran ustedes mismos.
El sonido es un elemento importantísimo dentro de la historia, su diseño sonoro es atrevido ya que en muchas ocasiones Nolan se recarga más en los silencios que en el escándalo, a lo anterior se agrega el gran trabajo de Ludwig Göransson quien aporta mucha tensión y angustia a la narrativa, fundiéndose con el propio desarrollo de la historia e integrando elementos que nos recuerdan el inminente paso del tiempo, como si de un contador en reverso para la explosión se tratara, o un dosimetro detectando radiación como un elemento presente.
A la increíble actuación de Cillian Murphy se le une un reparto multiestelar, entre las caras que revela el tráiler están Emily Blunt (quizá la pieza más floja del reparto), Florence Pugh o Robert Downey Jr. en una de las mejores actuaciones de su vida, hay más apariciones y nombres conocidos pero me gustaría que también los descubran conforme vean la película, basta decir que su trabajo, cobijado por un excelente vestuario y maquillaje hacen que se logra una buena dosis de realidad y empatía (u odio) por los personajes que se nos van presentando.
La cereza del pastel y lo que quizá todos estarán esperando, será la resolución del director y Hoyte Van Hoytema para la presentación estética de la “Trinity”, la primer prueba atómica en el desierto de Nuevo México y solo puedo decir que ambos cumplen satisfactoriamente su objetivo, de manera muy general la película aprovecha en todo momento la magnitud de las cámaras IMAX al momento de retratar los vastos parajes en donde transcurre parte de la historia, así como los momentos más íntimos con constantes acercamientos a los rostros de los involucrados, una adición técnica a la narrativa que hace presente la “vibración” de la explosión, diversos elementos visuales que se insertan de manera intermitente en la historia, así como la experimentación con rollos Kodak en blanco y negro, inventados de manera expresa para la película y que Christopher Nolan utiliza muy bien para diferenciar las dos principales vías argumentales de la historia.
LO MALO
Muchos podrán considerar “Oppenheimer” como una obra maestra, la mejor película de Christopher Nolan hasta el momento y no puedo estar más de acuerdo, sin embargo las miradas más exquisitas podrán agregar que en cuestiones cinematográficas es en realidad muy de manual, además el director decide presentarnos cortes muy rápidos en una historia que de otra manera hubiera sido muy pesada debido a la cantidad de diálogo que contiene, parece que el principal objetivo (y reto) del equipo fue transformar un drama en un evento cinematográfico que coqueteara con el thriller, las películas de espías y hasta el terror sin perder su esencia, desde mi particular punto de vista lo consigue pero existe el riesgo de que estas decisiones artísticas no sean bien recibidas por todo tipo de público.
VEREDICTO
Si hay una idea que pasea constantemente por el trabajo del director, es entregar productos que inspiren a las personas a salir de su casa, dejar el streaming y asistir a una sala de cine para ser sorprendidos por los alcances de una pantalla y sonidos adecuados, en este sentido “Oppenheimer” es una película que debe ser experimentada en una sala, en pantalla IMAX de ser posible, un desfile de bondades técnicas y narrativas que se da el tiempo de construcción de personajes complejos, sobre todo la dualidad que habitaba dentro del genio egocéntrico del físico estadounidense (con todo y mi predicción de futura nominación al Oscar para Cillian Murphy). Es verdad que como buena película norteamericana es condescendiente con sus decisiones militares y gubernamentales, no es del todo crítica en cuanto a su juicio y más bien selectiva en cuanto a los culpables de un hecho tan lamentable como fueron las explosiones de Hiroshima y Nagasaki, pero es que más que respuestas, la película nos aporta diversos cuestionamientos mediante sus personajes, dejando el juicio sobre nosotros como espectadores acerca de un momento decisivo en la historia de la humanidad.
Es cierto que Christopher Nolan tiene películas mucho más entretenidas, quizá hasta más propositivas, sin embargo dentro de su propio género “Oppenheimer” se levanta como el momento más alto en su carrera, la culminación de su talento detrás de la cámara y el guion para presentarnos personajes interesantes, bajo el cobijo de un extenso presupuesto que se justifica en cada segundo de las tres horas de este espectáculo teatral y dramático que el director (e inicialmente crítico de cine) Paul Schrader ya ha calificado como “El mejor y más importante filme de este siglo”.
Lo anterior no es todo lo que tengo que decir acerca de esta película, sin embargo para ahondar y continuar alabando lo que verá en pantalla a partir de este jueves 20 de julio tendría que entrar en más detalles que prefiero que saboreen ustedes mismos, ya que “Oppenheimer” es de esas películas que no terminan cuando la pantalla se funde a negro sino que nos persiguen por varios días entre la indesición ética y moral que propone. Es por todo lo anterior que insisto en que no dejen pasar la oportunidad de verla en pantalla grande, no solo para que tengan su propia opinión sino para que no se pierdan el trabajo de un apasionado del cine que nos transmite ese amor retratando una pesadilla dentro del recorrido histórico de la humanidad sin perder nunca el sentido lúdico del séptimo arte, no se van a arrepentir.
Cine
Scarlett Johansson se enfrenta a Legión en El Exorcista: Mártires
Universal Pictures ha lanzado el primer tráiler oficial de El Exorcista: Mártires de Mike Flanagan, y la película tiene una pinta aterradora.
Universal Pictures ha lanzado el primer tráiler oficial de El Exorcista: Mártires de Mike Flanagan, y la película tiene una pinta realmente aterradora.
Se ha publicado oficialmente el primer tráiler de The Exorcist: Martyrs, dirigida por Mike Flanagan.
Scarlett Johansson interpreta a la detective Julie Miller, quien presencia la ejecución del padre Sunday (John Leguizamo), un notorio asesino en serie al que ella misma capturó y que se hizo famoso por recrear macabras escenas del crimen que evocaban el brutal martirio de diversos santos católicos.
La ejecución no sale según lo planeado.
“Es detective de homicidios del NYPD y madre soltera de un niño llamado Max, que acaba de cumplir 12 años”, declaró Flanagan a Esquire en una entrevista reciente.
“Creo que lo primero es decirle a la gente que no están viendo una repetición de El exorcista“, añadió.
“No están viendo ningún intento de reiniciar, rehacer o emular la película de Friedkin. En realidad, están viendo una historia dentro del universo de El exorcista que no se había contado antes, que es única en la franquicia y que toma una dirección muy distinta a las anteriores”.
Puede que el cineasta haya revelado aquí un poco más de lo que pretendía.
El terror del El Exorcista: Mártires
Es muy probable que Johannson interprete a Julie Kinderman, hija de Mary y William Kinderman, el teniente de policía encarnado por Lee J. Cobb en el clásico de William Friedkin y por George C. Scott en El exorcista III.
En la tercera película, Kinderman se enfrentó al demonio conocido como Pazuzu y al espíritu del Asesino Géminis (Brad Dourif); ambos habían poseído al padre Karras (Jason Miller) mientras este agonizaba al pie de la escalinata, tras haber dado su vida para salvar a Regan MacNeil (Linda Blair) al final de la película original.
El tráiler no confirma nada, pero sí se menciona a Legión: la entidad compuesta por Pazuzu, Géminis y el espíritu de Karras, y que da título a la novela de William Peter Blatty en la que se basa El exorcista III.
El exorcista: Mártires también cuenta con las actuaciones de Sasha Calle como la detective de homicidios Gina Restrepo, Chiwetel Ejiofor como el padre William y Lawrence Fishburne como un misterioso sacerdote.
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Cine
XBOX crea una nueva división de cine, televisión y más
XBOX anunció el lanzamiento XP, una división estratégica diseñada para sus negocios de cine, televisión y más
XBOX anunció el lanzamiento de XP (abreviatura de Experience Points), una división estratégica diseñada para unificar y expandir sus negocios de cine, televisión, productos de consumo, alianzas comerciales y experiencias en vivo.
La entidad estará presidida por Kayleen Walters, exdirectora ejecutiva de Mojang y productora de A Minecraft Movie, quien aporta una trayectoria de 13 años en Lucasfilm para liderar este ecosistema de entretenimiento.
De acuerdo con Asha Sharma, ejecutiva de Xbox, el equipo de XP coordinará la expansión multiplataforma de franquicias globales como Minecraft, Call of Duty, Fallout, Warcraft, Gears of War, Candy Crush, Diablo, Forza, The Elder Scrolls y Halo.
Por su parte, Matthew Ball, director de estrategia de la marca, enfatizó que esta visión alinea capacidades históricas para construir vínculos más profundos con los jugadores y abrir nuevas oportunidades de crecimiento para sus comunidades en todo el mundo.
El proyecto responde a una evolución en el consumo cultural donde las audiencias interactúan con sus sagas favoritas más allá de las consolas.
La llegada de XBOX a otros medios
Como señaló Walters, los seguidores no solo juegan, sino que consumen producciones audiovisuales, asisten a eventos multitudinarios y visten la marca.
Con esta premisa, XP busca transformar los videojuegos de Microsoft en licencias de entretenimiento integral con presencia permanente en la cultura popular.
La creación de la división se respalda en éxitos recientes como el récord en taquilla de A Minecraft Movie, la aclamada serie de Fallout en Prime Video y la expansión de Minecraft hacia parques temáticos.
De cara al futuro, la hoja de ruta incluye proyectos de alto perfil como una serie animada de Diablo, la película de Call of Duty junto a Paramount, la adaptación audiovisual de Physint de Hideo Kojima, el regreso ampliado de la BlizzCon y alianzas estratégicas como la colaboración entre Gears of War: E-Day y la WWE.
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Cine
QUIERO TU SEXO (I WANT YOUR SEX) | Reseña
Quiero tu sexo nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos, checa nuestra reseña
Una divertida batalla generacional sobre deseo, poder y sexualidad.
Es difícil ncontrar una divertida y bien lograda película o serie que hable sobre temas delicados como el sexo, en todas sus distintas facetas, y es que muchas producciones abordan el tema desde puntos de vista misóginos, burlones y hasta degradantes, creyendo que eso es “comedía” (te estoy viendo a ti Happy Madison con la mayoría de tus películas). Por fortuna con Quiero tu sexo, Gregg Araki nos entrega una película irreverente y que a través de dicha irreverencia sabe tocar temas incómodos dentro del sexo, y nos lo cuenta de una manera bastante particular tomando como premisa las diferencias entre generaciones alrededor del sexo, el deseo, el cambio de roles y las relaciones de poder, todo de una manera amena, bien cuidada e incluso rompiendo estereotipos, haciendo sátira de los estereotipos.
La sexualidad sin tabúes.
La historia sigue a Elliot Bell (Cooper Hoffman), un joven veinteañero inseguro, ingenuo y con poca experiencia sexual que consigue trabajar para Erika Tracy (Olivia Wilde), una reconocida y provocadora artista contemporánea. Lo que comienza como una oportunidad laboral rápidamente se transforma cuando Erika lo convierte en su musa sexual y, eventualmente, en su subordinado dentro de una relación dominada por ella.
Y precisamente aquí está uno de los mayores aciertos de Quiero tu sexo: invertir los roles que tradicionalmente ha presentado el cine dentro de este tipo de historias; en lugar de recurrir al habitual hombre mayor que seduce, controla o introduce a una mujer joven en un mundo sexual desconocido, Araki coloca a una mujer madura, segura de sí misma, exitosa y sexualmente empoderada, frente a un hombre joven que acepta una posición de sumisión.
Siendo esto el motor para hablar de cómo han cambiado las concepciones sobre el sexo entre generaciones: Erika representa una visión mucho más desinhibida y confrontativa, mientras que Elliot pertenece a una generación que observa el sexo, el consentimiento y los límites desde una perspectiva mucho más, digamos cautelosa, tomando en cuenta la hipersensbilidad de las nuevas generaciones en varios aspectos.
La película se mantiene constantemente enfrentando ambas posturas y, en lugar de decidir quién tiene completamente la razón, encuentra humor precisamente en las contradicciones de ambos, pero también en los gustos de ambos por satisfacer sus deseos, siendo algo muy interesante es que logra este humor sin convertir la sumisión masculina en el objeto de la burla. Elliot puede ser ingenuo, torpe y estar constantemente sobrepasado por las situaciones en las que Erika lo introduce, pero la película no necesita ridiculizarlo por disfrutar de una posición tradicionalmente asociada con personajes femeninos, por lo que su vulnerabilidad se convierte en parte del humor, pero también de su desarrollo como personaje.
Actuaciones que te pararán… de tu asiento.
Olivia Wilde se roba prácticamente cada escena como Erika, interpretando a una mujer exagerada, provocadora y consciente del poder que ejerce sobre quienes la rodean, pero sin reducirla a una caricatura. Hoffman, por su parte, encuentra el tono adecuado para un Elliot que constantemente parece preguntarse cómo terminó metido en semejante situación. Y todo esto funciona gracias a la química entre ambos sostiene buena parte de la película, con todo y los momentos subidos de tono.
Poniendo picante en el arte.
El humor es otro de sus grandes aciertos, ya que funciona como una herramienta para hablar de temas incómodos: las diferencias generacionales, el consentimiento, las relaciones de poder, lo políticamente correcto, la inseguridad y la manera en que cada generación entiende el deseo, sabiendo combinar comedia sexual con comentario social y una mirada satírica hacia las actitudes sexuales actuales.
Visualmente la película tiene un toque muy particular, logrando que las escenas subidas de tono y los desnudos logren manejarse de una madura, erótica y cómica.
El punto donde acabó el efecto de la píldora azul (dónde se cae).
Sin embargo, no todo funciona igual de bien, siendo su principal problema el cierre de la cinta que rompe con el tono crudo y realista que busca darnos la cinta, no digo que sea algo exagerado o que sea un final de fantasía, y aunque no arruina la experiencia, sí se siente desconectado de toda la película.
Asimismo varios de los personajes secundarios que parecían tener un mayor peso, simplemente quedan rezagados y poco desarrollados, dejando la sensación de que se les tuvo que recortar tiempo en cámara por cuestiones de tiempo.
Aún así, se pueden dejar pasar ya que la cinta no pretende darnos una lección sobre la sexualidad ni pretende convertirse en el nuevo referente del thriller erótico; sino ser una comedía que utiliza el sexo con una dinámica de poder distinta a la que conocemos, mientras refleja la gran diferencia generacional que ahora existe.
Conclusión.
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
Quiero tu sexo ya se encuentra en las salas de cine de México.
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Quiero tu sexo (I want your sex) | Reseña
Overall
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Dirección
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Actuaciones
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Guion
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Escenas eróticas y desnudos
Quieto tu sexo | Reseña
Quiero tu sexo funciona mejor cuando se deja llevar por su lado de comedia sexual y por la extraordinaria dinámica entre Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Es una película divertida, provocadora y visualmente llamativa que consigue hablar de temas incómodos sin caer constantemente en los clichés del género, especialmente al presentar una mujer madura que ejerce el poder y un hombre joven que abraza una posición de sumisión sin convertirlo en objeto de humillación. Aunque su tercer acto pierde parte de la fuerza y el ingenio del resto de la película, y algunos personajes secundarios quedan desaprovechados, Gregg Araki consigue regresar con una obra fresca, descarada y sorprendentemente accesible que utiliza el sexo no solamente para provocar, sino para hablar de poder, consentimiento, deseo y, sobre todo, de las enormes diferencias entre la manera en que distintas generaciones entienden la sexualidad.
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